l’Expressionnisme en tant que mouvement artistique peut être très large et difficile à caractériser. Il couvre différents pays, médiums, mouvements et périodes., L’art expressionniste n’était donc pas défini par un ensemble de principes esthétiques, mais plutôt comme un outil d’expression et de commentaire sociétal. Voici 10 peintures emblématiques qui représentent la nature évocatrice et dynamique de la période expressionniste.,

Le Cri (1893) par Edvard Munch

Edvard Munch est considéré comme L’un des artistes les plus importants et influents du modernisme. Il faisait partie du mouvement symboliste et a été le pionnier de la peinture expressionniste., Il a été influencé par les impressionnistes et les postimpressionnistes parisiens tels que Claude Monet, Vincent van Gogh et Paul Gauguin. Sa carrière a duré près de 60 ans et a produit de nombreux chefs-d’œuvre modernes.

Le Scream est l’une des pièces d’art moderne les plus emblématiques au monde. Il est réputé pour incarner le profond sentiment d’angoisse et d’anxiété qui a imprégné le début de l’ère moderniste. La peinture est en grande partie autobiographique car elle est basée sur L’expérience de Munch entendre un « cri de la nature » perçant après avoir été laissé par deux de ses amis, qui apparaissent en arrière-plan de la pièce., Il existe deux versions de la peinture; l’une est située au Musée Munch à Oslo et l’autre à la Galerie nationale D’Oslo.,

Le Cavalier Bleu (1903) par Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky, un des pionniers de l’abstraction dans l’art moderniste et créé un vaste pont entre le post-impressionnisme et de l’expressionnisme., Son travail a subi plusieurs changements stylistiques, passant du réaliste et organique au géométrique et abstrait. Il a également fondé Der Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu) à Munich en 1911, qui est devenu l’un des premiers groupes formels d’artistes expressionnistes.

The Blue Rider est un excellent exemple du passage de Kandinsky entre les styles de peinture impressionniste et expressionniste. Bien qu’il ait des influences impressionnistes claires dans la technique et le style, son empâtement lourd, sa coloration audacieuse et ses coups de pinceau légèrement rugueux sont des éléments de l’Expressionnisme précoce., La nature abstraite de la pièce a également invité l’interprétation du spectateur; certains ont prétendu voir un bébé dans les bras du Cavalier.,

la Danse Autour du Veau d’Or (1910) par Emil Nolde

Emil Nolde était un peintre expressionniste et une partie de l’allemand Die Brücke (Le Pont) groupe d’artistes expressionnistes., On se souvient de lui comme l’un des plus grands coloristes du modernisme du 20ème siècle, utilisant de grands traits rugueux et des teintes contrastées pour créer des pièces dynamiques. La nature exacerbée de son travail produit des réactions émotionnelles chez ses spectateurs, créant une relation entre l’artiste et le public.

la Danse Autour du Veau d’Or représente un passage du livre de l’Exode. Selon le conte dans l’Ancien Testament, les Israélites ont fait le veau d’Or pour apaiser les gens quand Moïse a voyagé jusqu’au Mont Sinaï car ils craignaient qu’il ne revienne pas., La peinture représente les personnes peu sophistiquées effectuant une danse votive autour de l’idole, ignorant sa fausseté. Les coups de pinceau robustes et les couleurs vives soulignent l’émotivité accrue de la pièce.,

Les Grands Chevaux Bleus (1911) par Franz Marc

Franz Marc est un artiste allemand qui a également été l’un des membres fondateurs de Der Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu) du groupe. Son travail utilise des couleurs vives et un style nettement plus cubiste que certains de ses contemporains., Marc a souvent représenté des animaux dans son art avec un sens profond mais discret de l’émotion, gagnant en notoriété parmi d’autres artistes influents à l’époque.

Les grands chevaux bleus ont été présentés dans la première exposition de Der Blaue Reiter en 1911. La pièce présente des couleurs primaires viriles et contrastées. La couleur bleue et la courbure douce des chevaux centraux forment « un sentiment d’harmonie, de paix et d’équilibre” contre le rouge vif des collines en arrière-plan. Marc a déclaré que ce contraste affichait la juxtaposition entre spiritualité tranquille et violence, évoquant un sentiment de transcendance.,

Autoportrait avec une usine de lanternes chinoises (1912) par Egon Schiele

Egon Schiele était un peintre expressionniste autrichien et le mentor de son compatriote Gustav Klimt. Malgré une carrière et une vie courtes, Schiele est considéré comme une influence moderniste prolifique., Son travail est connu pour ses expressions dynamiques, sa sexualité non raffinée et ses formes corporelles inhabituelles qui sont révélatrices du style expressionniste précoce.

L’Autoportrait avec une plante de lanterne chinoise présente une profondeur d’émotion malgré la simplicité de la pièce. L’artiste est assis à un angle, regardant le spectateur avec un regard de scepticisme. Sa tête et ses traits du visage sont agrandis, et le corps tordu anormalement, insinuant une tension subtile qui imprègne la pièce. La plante en arrière-plan grue également sur le côté, imitant la courbure du corps de l’artiste., Le visage est rendu avec une profondeur de couleur intense et des détails musclés, contrairement aux vêtements et au fond environnants, suggérant un aspect fortement psychologique à la pièce.

la Rue, Berlin (1913) de Ernst Ludwig Kirchner

Ernst Ludwig Kirchner, avec Emil Nolde, été membre du groupe Die Brücke des expressionnistes allemands., Son travail se caractérise par des couleurs vives, des coups de pinceau larges et contrastés et des formes anguleuses et nettes. Son utilisation expressive de la couleur a été inspirée par le travail des peintres post-impressionnistes et expressionnistes Vincent van Gogh, Albrecht Dürer et Edvard Munch.

Street, Berlin dépeint la vision méprisante de Kirchner de la vie à Berlin. En témoignent les coups de pinceau intenses et tranchants de la pièce et les contrastes de couleurs déconcertants. Les visages des sujets sont presque indiscernables les uns des autres, soulignant la superficialité vide de la haute vie berlinoise., Les personnages se tiennent sur un sol incliné, débordant presque du tableau lui-même, créant un sentiment de claustrophobie et de désorientation.

la nuit (1918-19) de Max Beckmann

Max Beckmann était un peintre, écrivain et sculpteur allemand qui était connu pour la vie nocturne dramatisée, scènes mythiques ou bibliques dans son travail., Bien qu’il soit généralement étiqueté comme un peintre expressionniste, il a rejeté le mouvement et a nié en faire partie. Beckmann souvent représenté son propre visage dans son travail, ce qui peut être identifié par un visage triste avec une grosse tête.

la nuit était un produit de la Neue Sachlichkeit, ou mouvement de la Nouvelle Objectivité, qui a été établi comme une rébellion anti-expressionniste. La pièce présente des angles vifs et des figures chaotiques qui se chevauchent comme une expression du désenchantement DE Beckmann envers la vie dans l’Allemagne d’après-guerre., La pièce dépeint des éléments horribles du sexe, de la mort et de la violence, attirant l’attention sur la surstimulation et l’obscénité de la société moderne.

Couché Nu (1919) par Amedeo Modigliani

Amedeo Modigliani est un peintre italien et un artiste qui a vécu et travaillé en France. Il est connu pour ses portraits nus de femmes qui se caractérisent par des cous et des corps allongés, des expressions faciales vierges et un contact visuel avec le spectateur., Son travail n’a pas été bien reçu jusqu’à sa mort, mais il reste aujourd’hui l’un des peintres les plus prolifiques de son temps.

Le Nu couché fait partie d’une série de portraits nus de Modigliani commencée en 1916. Les portraits ont été influencés par les représentations de Vénus dans l’art antique gréco-romain et de la Renaissance italienne, et les femmes sont souvent idéalisées en tant que telles. L’utilisation de la coloration douce de la peau se démarque des arrière-plans intérieurs sombres, connotant un sentiment d’intimité entre le sujet et l’artiste. Le sujet en Nu couché se pose avec une aisance décontractée comme s’il était détendu en présence du peintre.,

Portrait d’un Homme (1919) de Erich Heckel

Erich Heckel est un peintre allemand et un autre membre fondateur de l’expressionniste Die Brücke groupe. Il était également connu pour sa gravure sur bois, qui présentait des formes angulaires, des lignes fortes et des schémas de couleurs simplistes. Sa peinture comportait des lignes plus douces et moins rigides et une variété de mélanges de couleurs, affichant des influences de Vincent van Gogh.,

Portrait D’un homme est une composition de gravure sur bois peinte. Comme ses autres portraits gravés sur bois, la pièce présente des traits nets et définis. La figure incarne le traumatisme et l’insécurité qui ont frappé l’Allemagne d’après-guerre à l’époque. Il est assis les yeux sur le côté et les mains jointes à son menton, émettant un double sentiment de défaite et d’anticipation. La palette de couleurs fraîche et grossièrement peinte prête également à ce sentiment d’anxiété.,

château et Soleil (1928) de Paul Klee

Paul Klee était un artiste suisse dont le style de peinture éclectique incorporait des éléments de l’expressionnisme, du surréalisme et du cubisme. Son travail comportait des blocs de couleurs vives et des formes géométriques. Il a expérimenté la couleur, la forme et la théorie du design tout au long de sa carrière, et ses écrits sur le sujet sont considérés comme faisant partie intégrante de la compréhension du modernisme.,

Castle and Sun représente un château médiéval ou un paysage urbain moderne, avec des triangles plus petits éclipsés par une ligne d’horizon de tours. Comme beaucoup de peintures de Klee, Castle and Sun est rendu dans un style de bloc de couleur géométrique, avec des détails lumineux et contrastés sur un fond rouge profond. Le soleil en arrière-plan apparaît également comme s’il pouvait s’agir d’une lune. L’utilisation d’images peu claires Pose une dualité juxtaposante qui est omniprésente dans la pièce, invitant le spectateur à tirer sa propre conclusion sur ce que le tableau dépeint.