Expressionismus als Kunstbewegung kann sehr breit und schwer zu charakterisieren sein. Es erstreckt sich über verschiedene Länder, Medien, Bewegungen und Perioden., Expressionistische Kunst wurde daher nicht durch eine Reihe ästhetischer Prinzipien definiert, sondern als Werkzeug des Ausdrucks und der gesellschaftlichen Kommentierung. Unten sind 10 ikonische Gemälde, die die evokative und dynamische Natur der expressionistischen Zeit darstellen.,

Der Schrei (1893) von Edvard Munch

Edvard Munch gilt als einer der bedeutendsten und einflussreichsten Künstler der Moderne. Er war Teil der symbolistischen Bewegung und Pionier der expressionistischen Malerei., Er wurde von Impressionisten und Postimpressionisten in Paris wie Claude Monet, Vincent van Gogh und Paul Gauguin beeinflusst. Seine Karriere dauerte fast 60 Jahre und produzierte zahlreiche moderne Meisterwerke.

Der Schrei ist eines der kultigsten modernen Kunstwerke der Welt. Es ist bekannt dafür, das tiefe Gefühl von Angst und Angst zu verkörpern, das die frühe Moderne durchdrang. Das Gemälde ist weitgehend autobiografisch, da es auf Munchs Erfahrung basiert, einen durchdringenden „Schrei der Natur“ zu hören, nachdem es von zwei seiner Freunde zurückgelassen wurde, die im Hintergrund des Stücks erscheinen., Es gibt zwei Versionen des Gemäldes; Eine befindet sich im Munch Museum in Oslo und eine in der Osloer Nationalgalerie.,

Der Blaue Reiter (1903) von Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky war ein Pionier der Abstraktion in moderne Kunst und erstellt eine umfassende Brücke zwischen post-Impressionismus und des Expressionismus., Seine Arbeit erlebte mehrere stilistische Veränderungen, die sich von realistisch und organisch zu geometrisch und abstrahiert entwickelten. 1911 gründete er in München die Gruppe Der Blaue Reiter, die zu einer der frühesten formalen Gruppen expressionistischer Künstler wurde.

Der Blaue Reiter ist ein hervorragendes Beispiel für Kandinskys Wechsel zwischen impressionistischen und expressionistischen Malstilen. Während es klare impressionistische Einflüsse in Technik und Stil hat, sind seine schwere Impasto, kräftige Färbung und leicht raue Pinselstriche Elemente des frühen Expressionismus., Die abstrahierte Natur des Stücks lud auch den Betrachter zur Interpretation ein; Einige behaupteten, ein Baby in den Armen des Reiters zu sehen.,

Tanz um das Goldene Kalb (1910) von Emil Nolde

Emil Nolde war ein expressionistischer Maler und Teil der deutschen Die Brücke Gruppe expressionistischer Künstler., Jahrhunderts in Erinnerung, indem er große, raue Striche und kontrastierende Farbtöne verwendet, um dynamische Stücke zu schaffen. Die erhöhte Natur seiner Arbeit führt zu emotionalen Reaktionen bei den Zuschauern und schafft eine Beziehung zwischen Künstler und Publikum.

Tanz um das Goldene Kalb zeigt eine Passage aus dem Buch Exodus. Nach der Geschichte im Alten Testament machten die Israeliten das Goldene Kalb, um die Menschen zu besänftigen, als Moses auf den Berg Sinai reiste, weil sie befürchteten, dass er nicht zurückkehren könnte., Das Gemälde porträtiert die unkomplizierten Menschen, die einen Votivtanz um das Idol führen, ohne sich seiner Falschheit bewusst zu sein. Die robusten Pinselstriche und leuchtenden Farben unterstreichen die erhöhte Emotionalität des Stückes.,

Die großen blauen Pferde (1911) von Franz Marc

Franz Marc war ein deutscher Künstler, der auch Gründungsmitglied der Gruppe Der Blaue Reiter war. Seine Arbeit verwendete helle Farben und einen deutlich kubistischeren Stil als einige seiner Zeitgenossen., Marc stellte Tiere in seiner Kunst oft mit einem tiefen, aber dezenten Gefühl der Emotion dar und erlangte zu dieser Zeit unter anderen einflussreichen Künstlern Bekanntheit.

Die großen Blauen Pferde wurden 1911 in der ersten Ausstellung von Der Blaue Reiter gezeigt. Das Stück zeichnet sich durch männlich helle, kontrastierende Grundfarben aus. Die blaue Farbe und die weiche Krümmung der Zentralpferde bilden „ein Gefühl der Harmonie, des Friedens und des Gleichgewichts“ vor dem kräftigen Rot der Hügel im Hintergrund. Marc erklärte, dass dieser Kontrast das Nebeneinander von ruhiger Spiritualität und Gewalt zeigte und ein Gefühl der Transzendenz hervorrief.,

Selbstporträt mit chinesischer Laternenpflanze (1912) von Egon Schiele

Egon Schiele Schiele war ein österreichischer expressionistischer Maler und Mentee von Gustav Klimt. Trotz einer kurzen Karriere und eines kurzen Lebens wird Schiele als produktiver Einfluss der frühen Moderne in Erinnerung gerufen., Seine Arbeit ist bekannt für seine dynamischen Ausdrücke, unraffinierte Sexualität und ungewöhnliche Körperformen, die auf den frühen expressionistischen Stil hinweisen.

Selbstporträt mit chinesischer Laternenpflanze zeigt trotz der Einfachheit des Stückes eine Tiefe der Emotion. Der Künstler sitzt schräg und betrachtet den Betrachter mit Skepsis. Seine Kopf – und Gesichtszüge sind vergrößert und der Körper verdreht sich unnatürlich, was eine subtile Spannung andeutet, die das Stück durchdringt. Die Pflanze im Hintergrund kränt sich ebenfalls zur Seite und ahmt die Körperkrümmung des Künstlers nach., Das Gesicht wird im Gegensatz zur umgebenden Kleidung und zum Hintergrund mit intensiver Farbtiefe und muskulösen Details wiedergegeben, was auf einen akut psychologischen Aspekt des Stücks hindeutet.

Straße, Berlin (1913) von Ernst Ludwig Kirchner

Ernst Ludwig Kirchner war zusammen mit Emil Nolde Mitglied von die Gruppe Die Brücke deutscher Expressionisten., Seine Arbeit zeichnete sich durch lebendige Blockfarben, breite, kontrastierende Pinselstriche und scharfe, eckige Formen aus. Sein expressiver Farbgebrauch wurde von den Arbeiten der postimpressionistischen und frühen expressionistischen Maler Vincent van Gogh, Albrecht Dürer und Edvard Munch inspiriert.

Straße, Berlin zeigt Kirchners verächtliche Sicht auf das Leben in Berlin. Dies wird durch die intensiven, scharfen Pinselstriche und beunruhigenden Farbkontraste des Stücks belegt. Die Gesichter der Probanden sind fast nicht voneinander zu unterscheiden und unterstreichen die leere Oberflächlichkeit des Berliner High Life., Die Figuren stehen auf geneigtem Boden, fast überlaufen aus dem Gemälde selbst, ein Gefühl von Klaustrophobie und Desorientierung zu schaffen.

Die Nacht (1918-19) von Max Beckmann

Max Beckmann war ein deutscher Maler, Schriftsteller und Bildhauer, war bekannt für die dramatisierte Nachtleben, mythischen oder biblischen Szenen, die in seiner Arbeit., Obwohl er allgemein als expressionistischer Maler bezeichnet wird, lehnte er die Bewegung ab und bestritt, ein Teil davon zu sein. Beckmann stellte in seiner Arbeit oft sein eigenes Gesicht dar, das an einem Stirnrunzeln mit großem Kopf zu erkennen ist.

Die Nacht war ein Produkt der Neuen Sachlichkeit oder New Objectivity Movement, die als anti-expressionistische Rebellion gegründet wurde. Das Stück zeigt scharfe Winkel und chaotische, sich überlappende Figuren als Ausdruck von Beckmanns Enttäuschung über das Leben im Nachkriegsdeutschland., Das Stück porträtiert grausame Elemente von Sex, Tod und Gewalt und macht auf die Überstimulation und Obszönität der modernen Gesellschaft aufmerksam.

Reclining Nude (1919) von Amedeo Modigliani

Amedeo Modigliani war ein italienischer Maler und Künstler, lebte und arbeitete in Frankreich. Er ist bekannt für seine Nacktporträts von Frauen, die sich durch längliche Hälse und Körper, leere Mimik und Augenkontakt mit dem Betrachter auszeichnen., Seine Arbeit wurde bis zu seinem Tod nicht gut aufgenommen, aber heute ist er einer der produktivsten Maler seiner Zeit.

Reclining Nude ist Teil einer Reihe von Nacktporträts von Modigliani, die 1916 begann. Die Porträts wurden von Darstellungen der Venus in der antiken griechisch-römischen und italienischen Renaissancekunst beeinflusst, und die Frauen werden oft als solche idealisiert. Die Verwendung einer weichen Hautfarbe hebt sich von dunklen, inneren Hintergründen ab und vermittelt ein Gefühl der Intimität zwischen Subjekt und Künstler. Das Motiv in liegendem Akt legt sich mit lässiger Leichtigkeit zurück, als wäre es in Gegenwart des Malers entspannt.,

Porträt eines Mannes (1919) von Erich Heckel

Erich Heckel war ein deutscher Maler und ein weiteres Gründungsmitglied von the die Brücke expressionist group. Er war auch bekannt für seine Holzschnitte, die eckige Formen, starke Linienführung und vereinfachte Farbschemata enthielten. Sein Gemälde zeigte weichere, weniger starre Linien und eine Vielzahl von Farbmischungen, die Einflüsse von Vincent van Gogh zeigten.,

Porträt eines Mannes ist eine gemalte Holzschnittkomposition. Wie seine anderen Holzschnittporträts weist das Stück scharfe, definierte Merkmale auf. Die Figur verkörpert das Trauma und die Unsicherheit, die das Nachkriegsdeutschland damals plagten. Er sitzt mit den Augen zur Seite und seine Hände an seinem Kinn umklammert, ein doppeltes Gefühl der Niederlage und Vorfreude ausstrahlen. Das kühle, grob gemalte Farbschema verleiht auch diesem Gefühl der Angst.,

Schloss und Sonne (1928) von Paul Klee

Paul Klee war ein Schweizer Künstler, dessen eklektischen Malstil integriert elemente des Expressionismus, Surrealismus und Kubismus. Seine Arbeit zeigte kräftige Farbblöcke und geometrische Formen. Er experimentierte im Laufe seiner Karriere mit Farbe, Form und Designtheorie, und seine Schriften zu diesem Thema gelten als integraler Bestandteil des Verständnisses der Moderne.,

Castle and Sun zeigt entweder eine mittelalterliche Burg oder ein modernes Stadtbild mit kleineren Dreiecken, die von einer Skyline von Türmen überschattet werden. Wie viele von Klees Gemälden wird Castle and Sun in einem geometrischen Farbblock-Stil mit hellen, kontrastierenden Details vor einem tiefroten Hintergrund dargestellt. Die Sonne im Hintergrund erscheint auch, als könnte es ein Mond sein. Die Verwendung unklarer Bilder stellt eine gegenüberliegende Dualität dar, die in dem Stück allgegenwärtig ist, und lädt den Betrachter ein, seine eigene Schlussfolgerung darüber zu ziehen, was das Gemälde darstellt.