Lichtenstein a ensuite quitté New York pour étudier à L’Ohio State University, qui offrait des cours en studio et un diplôme en Beaux-arts. Ses études ont été interrompues par un passage de trois ans dans l’armée pendant et après la Seconde Guerre mondiale entre 1943 et 1946. Après avoir suivi des programmes de formation en langues, en génie et en pilotage, qui ont tous été annulés, il a été ordonné, dessinateur et artiste.,

Lichtenstein est rentré chez lui pour rendre visite à son père mourant et a été libéré de l’armée avec éligibilité pour le G. I. Bill. Il est retourné à des études dans L’Ohio sous la supervision d’un de ses professeurs, Hoyt L. Sherman, qui est largement considéré comme ayant eu un impact significatif sur son travail futur (Lichtenstein nommera plus tard un nouveau studio qu’il a financé à OSU comme le Hoyt L. Sherman Studio Art Center).

Lichtenstein est entré dans le programme d’études supérieures de L’Ohio State et a été embauché comme instructeur d’art, un poste qu’il a occupé pendant et pendant les dix années suivantes., En 1949, Lichtenstein a reçu une Maîtrise en Beaux-Arts de L’Université D’État de L’Ohio.

en 1951, Lichtenstein présente sa première exposition personnelle à la Carlebach Gallery de New York.Il a déménagé à Cleveland la même année, où il est resté pendant six ans, bien qu’il ait souvent voyagé à New York. Pendant ce temps, il a entrepris des emplois aussi variés que dessinateur à décorateur de fenêtres entre les périodes de peinture. Son travail à cette époque fluctuait entre le cubisme et L’Expressionnisme. En 1954, son premier fils, David Hoyt Lichtenstein, maintenant auteur-compositeur, est né., Son deuxième fils, Mitchell Lichtenstein, est né en 1956.

en 1957, il retourne dans le nord de L’état de New York et recommence à enseigner. C’est à cette époque qu’il adopte le style expressionniste abstrait, se convertissant tardivement à ce style de peinture. Lichtenstein a commencé à enseigner dans le nord de L’état de New York à L’Université D’État de New York à Oswego en 1958. À cette époque, il a commencé à incorporer des images cachées de personnages de dessins animés tels que Mickey Mouse et Bugs Bunny dans ses œuvres abstraites.,

prendre de l’importance

en 1960, il a commencé à enseigner à L’Université Rutgers où il a été fortement influencé par Allan Kaprow, qui était également enseignant à l’Université. Cet environnement a contribué à raviver son intérêt pour la Proto-pop imagery.In 1961, Lichtenstein commence ses premières peintures pop en utilisant des images de dessins animés et des techniques dérivées de l’apparition de l’impression commerciale. Cette phase se poursuivrait jusqu’en 1965, et comprenait l’utilisation d’images publicitaires suggérant le consumérisme et le ménage.,Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D. C.) est sa première œuvre à utiliser à grande échelle des figures à bords durs et des points Ben-Day. Cette pièce est venue d’un défi d’un de ses fils, qui a pointé une bande dessinée de Mickey Mouse et a dit : » je parie que tu ne peux pas peindre aussi bien que ça, hein, Papa? »La même année, il a produit six autres œuvres avec des personnages reconnaissables d’emballages de gomme et de dessins animés.

en 1961, Leo Castelli commence à exposer le travail de Lichtenstein dans sa galerie à New York., Lichtenstein a eu son premier one-man show à la galerie Castelli en 1962; toute la collection a été achetée par des collectionneurs influents avant même l’ouverture du salon. Un groupe de peintures réalisées entre 1961 et 1962 se concentre sur des objets domestiques solitaires tels que des baskets, des hot-dogs et des balles de golf. En septembre 1963, il a pris un congé de son poste d’enseignant au Douglass College à Rutgers.,

ses œuvres ont été inspirées par des bandes dessinées mettant en scène la guerre et des histoires romantiques « à cette époque,” Lichtenstein raconta plus tard, « je m’intéressais à tout ce que je pouvais utiliser comme sujet émotionnellement fort – généralement l’amour, la guerre, ou quelque chose qui était très chargé et sujet émotionnel pour être opposé aux techniques de peinture

Période de Lichtenstein la plus haute du profil

C’est à cette époque que Lichtenstein commence à se faire connaître non seulement en Amérique mais dans le monde entier. Il est retourné à New York pour être au centre de la scène artistique et a démissionné de L’Université Rutgers en 1964 pour se concentrer sur sa peinture. Lichtenstein a utilisé de l’huile et de la peinture Magna (début acrylique) dans ses œuvres les plus connues, telles que Drowning Girl (1963), qui a été approprié de l’histoire principale dans Secret Hearts no.83 de DC Comics. (Drowning Girl est maintenant suspendu au Musée d’Art Moderne de New York.,) Drowning Girl présente également des contours épais, des couleurs vives et des Points Ben-Day, comme s’ils étaient créés par reproduction photographique. De son propre travail, Lichtenstein dirait que les expressionnistes abstraits  » ont posé des choses sur la toile et ont répondu à ce qu’ils avaient fait, aux positions et aux tailles des couleurs. Mon style est complètement différent, mais la nature des lignes est à peu près la même; les miennes ne semblent pas calligraphiques, comme celles de Pollock ou de Kline. »

plutôt que de tenter de reproduire ses sujets, le travail de Lichtenstein s’est attaqué à la façon dont les médias les dépeignent., Il ne se prendrait jamais trop au sérieux, cependant, en disant: « je pense que mon travail est différent de la bande dessinée – mais je ne l’appellerais pas transformation; Je ne pense pas que ce que l’on entend par elle est important pour l’art. »Lorsque le travail de Lichtenstein a été exposé pour la première fois, de nombreux critiques d’art de l’époque ont contesté son originalité. Son travail a été sévèrement critiqué comme vulgaire et vide. Le titre d’un article du magazine Life en 1964 demandait: « Est-il le pire artiste des États-Unis?, »Lichtenstein a répondu à ces affirmations en proposant des réponses telles que les suivantes: « plus mon travail est proche de l’original, plus le contenu est menaçant et critique. Cependant, mon travail est entièrement transformé en ce que mon but et ma perception sont entièrement différents. Je pense que mes peintures sont transformées de manière critique, mais il serait difficile de le prouver par une ligne d’argument rationnelle. »Il a discuté de l’expérience de cette critique lourde dans une interview avec April Bernard et Mimi Thompson en 1986., Suggérant qu’il était parfois difficile d’être critiqué, Lichtenstein a déclaré: « Je ne doute pas quand je peins réellement, c’est la critique qui vous fait vous demander, c’est le cas. »

son image la plus célèbre est sans doute Whaam! (1963, Tate Modern, Londres), l’un des premiers exemples connus de pop art, adapté d’un panneau de bande dessinée dessiné par Irv Novick dans un numéro de 1962 de DC Comics’ All-American Men of War. La peinture représente un avion de chasse tirant une roquette sur un avion ennemi, avec une explosion rouge et jaune. Le style cartoon est accentué par l’utilisation du lettrage onatopéique  » Whaam!, »et la légende en boîte » j’ai appuyé sur le contrôle de tir … et devant moi des fusées ont flambé dans le ciel … »Ce diptyque est de grande taille, mesurant 1,7 x 4,0 m (5 pi 7 po x 13 pi 4 po). Whaam suit les thèmes de la bande dessinée de certaines de ses peintures précédentes et fait partie d’un corpus d’œuvres sur le thème de la guerre créées entre 1962 et 1964. C’est l’une de ses deux grandes peintures remarquables sur le thème de la guerre. Il a été acheté par la Tate Gallery en 1966, après avoir été exposé à la Leo Castelli Gallery en 1963, et (maintenant à la Tate Modern) est resté dans leur collection depuis., En 1968, L’entrepreneur de Darmstadt Karl Ströher acquiert plusieurs œuvres majeures de Lichtenstein, telles que Nurse (1964), Compositions I (1964), We rose up slowly (1964) et Yellow and Green Brushstrokes (1966). Après avoir été prêté au Hessiches Landesmuseum Darmstadt pendant plusieurs années, le directeur fondateur du Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, a pu acquérir un total de 87 œuvres de la collection Ströher en 1981, principalement du Pop Art américain et de L’art Minimal pour le musée en construction jusqu’en 1991.,

Lichtenstein a commencé à expérimenter la sculpture vers 1964, démontrant un talent pour la forme qui était en contradiction avec la planéité insistante de ses peintures. Pour Head of Girl (1964) et Head with Red Shadow (1965), il collabore avec un céramiste qui sculpte la forme de la tête en argile. Lichtenstein a ensuite appliqué une glaçure pour créer le même genre de motifs graphiques qu’il utilisait dans ses peintures; l’application de lignes noires et de points Ben-Day sur des objets tridimensionnels a entraîné un aplatissement de la forme.,

la plupart des œuvres les plus connues de Lichtenstein sont des copies relativement proches, mais pas exactes, de panneaux de bandes dessinées, un sujet qu’il a largement abandonné en 1965, bien qu’il incorpore parfois des bandes dessinées dans son travail de différentes manières dans les décennies suivantes. Ces panneaux ont été dessinés à l’origine par des artistes de bandes dessinées tels que Jack Kirby et les artistes de DC Comics Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick et Jerry Grandenetti, qui ont rarement reçu de crédit., Jack Cowart, directeur exécutif de la Fondation Lichtenstein, conteste L’idée que Lichtenstein était un copiste, disant: « le travail de Roy était un émerveillement des formules graphiques et de la codification du sentiment qui avaient été élaborées par d’autres. Les panneaux ont été modifiés dans l’échelle, la couleur, le traitement et leurs implications. Il n’y a pas de copie exacte., »Cependant, certains ont critiqué L’utilisation par Lichtenstein d’images de bandes dessinées et d’œuvres d’art, en particulier dans la mesure où cette utilisation a été considérée comme une approbation d’une vision condescendante de la bande dessinée par le courant dominant de l’art; le dessinateur Art Spiegelman a commenté que « Lichtenstein n’a fait ni plus ni moins pour »

Les œuvres de Lichtenstein basées sur des panneaux agrandis de bandes dessinées ont engendré un débat généralisé sur leurs mérites en tant qu’art. Lichtenstein lui-même a admis: « je copie nominalement, mais je reformule vraiment la chose copiée en d’autres termes., Ce faisant, l’original acquiert une texture totalement différente. Ce ne sont pas des coups de pinceau épais ou fins, ce sont des points et des couleurs plates et des lignes inflexibles. »Eddie Campbell a blogué que » Lichtenstein a pris une petite photo, plus petite que la paume de la main, imprimée en quatre encres de couleur sur du papier journal et l’a fait exploser à la taille conventionnelle à laquelle « l’art » est fait et exposé et l’a fini en peinture sur toile. »En ce qui concerne Lichtenstein, Bill Griffith a dit un jour: » il y a du grand art et du petit art., Et puis il y a le high art qui peut prendre le low art, l’amener dans un contexte de high art, l’approprier et l’élever dans autre chose. »

bien que le travail basé sur la bande dessinée de Lichtenstein ait été accepté, des préoccupations sont toujours exprimées par les critiques qui disent que Lichtenstein n’a pas crédité, payé des redevances ou demandé la permission aux artistes originaux ou aux détenteurs de droits d’auteur. Dans une interview pour un documentaire de BBC Four en 2013, Alastair Sooke a demandé au dessinateur de bandes dessinées Dave Gibbons s’il considérait Lichtenstein comme un plagiaire. Gibbons répondit: « Je dirais « imitateur »., Dans la musique par exemple, vous ne pouvez pas simplement siffler l’air de quelqu’un d’autre ou interpréter l’air de quelqu’un d’Autre, Peu importe à quel point, sans créditer et payer l’artiste original. C’est-à-dire, C’est  » WHAAM! de Roy Lichtenstein, d’après Irv Novick’. »Sooke lui-même soutient que « Lichtenstein a transformé L’œuvre de Novick de plusieurs manières subtiles mais cruciales.,original creators of his comic works était une réflexion sur la décision de National Periodical Publications, le prédécesseur de DC Comics, d’omettre tout crédit pour leurs auteurs et artistes:

en plus d’incarner le préjugé culturel contre la bande dessinée en tant que Véhicules de l’art, des exemples comme L’appropriation par Lichtenstein du vocabulaire de la bande dessinée mettent en évidence l’importance de prendre en considération le format de publication lors de la définition de la bande dessinée, ainsi que l’économie politique impliquée par des types spécifiques de publications historiques, en l’occurrence la bande dessinée grand public américaine., Dans quelle mesure National Periodical Publications (plus tard DC) a-t-elle été responsable du rejet des rôles de Kanigher et Novick en tant qu’artistes à part entière en ne leur accordant pas le plein crédit d’auteur sur la publication elle-même? »

de plus, Campbell note qu’il fut un temps où les artistes de bandes dessinées refusaient souvent l’attribution de leur travail.,

Dans un compte rendu publié en 1998, Novick a déclaré qu’il avait rencontré Lichtenstein dans l’armée en 1947 et, en tant qu’officier supérieur, avait répondu aux plaintes larmoyantes de Lichtenstein concernant les tâches subalternes qui lui étaient assignées en le recommandant pour un meilleur emploi. Jean-Paul Gabilliet a remis en question ce récit, affirmant que Lichtenstein avait quitté l’armée un an avant le moment où Novick dit que l’incident a eu lieu. Bart Beaty, notant que Lichtenstein s’était approprié Novick pour des œuvres telles que Whaam! et D’accord Hot-Shot, D’accord!,, dit que L’histoire de Novick « semble être une tentative de diminuer personnellement » l’artiste le plus célèbre.

en 1966, Lichtenstein est passé de son imagerie très célèbre du début des années 1960, et a commencé sa série de peintures modernes, y compris plus de 60 peintures et dessins d’accompagnement. En utilisant ses points Ben-Day caractéristiques, ses formes et ses lignes géométriques, il a rendu des images incongrues et stimulantes à partir de structures architecturales familières, de motifs empruntés à L’Art Déco et d’autres motifs subtilement évocateurs, souvent séquentiels., La série de sculptures modernes de 1967-8 fait référence à des motifs de l’architecture Art Déco.

travaux ultérieurs

Au début des années 1960, Lichtenstein reproduit des chefs-D’œuvre de Cézanne, Mondrian et Picasso avant de se lancer dans la série brushstrokes en 1965., Lichtenstein a continué à revisiter ce thème plus tard dans sa carrière avec des œuvres telles que Bedroom at Arles qui dérive de la chambre à coucher de Vincent van Gogh à Arles.

en 1970, Lichtenstein est chargé par le Los Angeles County Museum of Art (dans le cadre de son programme D’Art et de technologie développé entre 1967 et 1971) de réaliser un film. Avec L’aide D’Universal Film Studios, L’artiste a conçu et produit Three Landscapes, un film de paysages marins, directement lié à une série de collages avec des thèmes de paysage qu’il a créés entre 1964 et 1966., Bien que Lichtenstein ait prévu de produire 15 courts métrages, l’installation de trois écrans-réalisée avec le cinéaste indépendant basé à New York Joel Freedman – s’est avérée être la seule entreprise de l’artiste dans le médium.

toujours en 1970, Lichtenstein a acheté une ancienne maison de transport à Southampton, Long Island, construit un studio sur la propriété, et a passé le reste des années 1970 dans un isolement relatif. Dans les années 1970 et 1980, son style a commencé à se relâcher et il a élargi ce qu’il avait fait auparavant. Lichtenstein a commencé une série de peintures de miroirs en 1969., En 1970, tout en poursuivant la série des miroirs, il commence à travailler sur le sujet des entablements. Les Entablements consiste en une première série de tableaux de 1971 à 1972, suivie par une seconde série en 1974-76, et la publication d’une série de secours imprime en 1976. Il a produit une série de » studios D’artistes  » qui ont incorporé des éléments de son travail précédent. Un exemple notable étant L’atelier de L’artiste, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis) qui intègre cinq autres œuvres précédentes, intégrées à la scène.,

lors d’un voyage à Los Angeles en 1978, Lichtenstein est fasciné par la collection D’estampes expressionnistes allemandes et de Livres illustrés de L’avocat Robert Rifkind. Il a commencé à produire des œuvres qui empruntaient des éléments stylistiques trouvés dans les peintures expressionnistes. L’Arbre Blanc (1980) évoque les paysages lyriques Der Blaue Reiter, tandis que Dr.Waldmann (1980) rappelle Dr. Mayer-Hermann (1926) D’Otto Dix. De petits dessins au crayon de couleur ont été utilisés comme modèles pour les gravures sur bois, un support privilégié par Emil Nolde et Max Pechstein, ainsi que Dix et Ernst Ludwig Kirchner., Toujours à la fin des années 1970, le style de Lichtenstein a été remplacé par des œuvres plus surréalistes telles que Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aix-la-Chapelle). Une importante série de peintures surréalistes-Pop de 1979 à 1981 est basée sur des thèmes Amérindiens. Ces œuvres vont d’Amerind Figure (1981), une sculpture grandeur nature stylisée rappelant un totem profilé en bronze patiné noir, à la monumentale tapisserie de laine Amerind Landscape (1979)., Les œuvres » indiennes  » ont tiré leurs thèmes, comme les autres parties de la série surréaliste, de l’art contemporain et d’autres sources, y compris des livres sur le design Amérindien de la petite bibliothèque de Lichtenstein.

Les natures mortes, sculptures et dessins de Lichtenstein, qui s’étendent de 1972 au début des années 1980, couvrent une variété de motifs et de thèmes, y compris les plus traditionnels tels que les fruits, les fleurs et les vases. En 1983, Lichtenstein réalise deux affiches anti-apartheid, simplement intitulées « contre L’Apartheid »., Dans sa série Reflection, produite entre 1988 et 1990, Lichtenstein réutilise ses propres motifs d’œuvres antérieures. Interiors (1991-1992) est une série d’œuvres représentant des environnements domestiques banals inspirés des annonces de meubles que l’artiste a trouvées dans les annuaires téléphoniques ou sur les panneaux d’affichage., S’inspirant des estampes monochromes D’Edgar Degas présentées dans une exposition au Metropolitan Museum of Art de New York en 1994, les motifs de ses paysages de la série Chinese Style sont formés de points de Benday simulés et de contours de blocs, rendus dans des couleurs dures et vives, avec toutes les traces de la main enlevées. Le nu est un élément récurrent dans le travail de Lichtenstein des années 1990, comme dans Collage for Nude with red Shirt (1995).

en plus des peintures et des sculptures, Lichtenstein a également réalisé plus de 300 estampes, principalement en sérigraphie.,

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