Médiévale periodEdit

• Une scène de la Tapisserie de Bayeux représentant Odon, Évêque de Bayeux, de ralliement le Duc Guillaume de troupes lors de la Bataille de Hastings, en 1066

• Herrad de Landsberg, Auto-portrait du Hortus deliciarum, c., 1180

• Hildegarde de Bingen, « Homme universel » illumination du Liber Divinorum Operum D’Hildegarde, 1165

• Hildegarde de Bingen, la maternité de l’esprit et de l’eau, 1165, de Liber divinorum Operum, Benediktinerinnenabtei Sankt Hildegarde, Eibingen (bei Rüdesheim)

les artistes de la période médiévale comprennent claricia, diemudus, Ende, guda, Herrade de Landsberg et Hildegarde de Bingen., Au début du Moyen Âge, Les femmes travaillaient souvent aux côtés des hommes. Enluminures manuscrites, broderies et chapiteaux sculptés de l’époque montrent clairement des exemples de femmes à l’œuvre dans ces arts. Les Documents montrent qu’ils étaient aussi des brasseurs, des bouchers, des marchands de laine et des monnayeurs. Les artistes de l’époque, y compris les femmes, appartenaient à un petit sous-groupe de la société dont le statut leur permettait de se libérer de ces types de travail plus pénibles. Les femmes artistes étaient souvent de deux classes alphabétisées, soit des femmes aristocratiques riches ou des religieuses., Les femmes de la première catégorie créaient souvent des broderies et des textiles; celles de la dernière catégorie produisaient souvent des enluminures.

Il y avait un certain nombre d’ateliers de broderie en Angleterre à l’époque, en particulier à Canterbury et Winchester; Opus Anglicanum ou broderie anglaise était déjà célèbre dans toute l’Europe – un inventaire papal du 13ème siècle comptait plus de deux cents pièces. On suppose que les femmes étaient presque entièrement responsables de cette production.,

la Tapisserie de Bayeuxmodifier

l’une des broderies les plus célèbres (ce n’est pas une tapisserie) de la période médiévale est la Tapisserie de Bayeux, qui a été brodée de laine sur neuf panneaux de lin et mesure 230 pieds de long. Son C. soixante-dix scènes racontent la bataille de Hastings et la conquête normande de l  » Angleterre. La Tapisserie de Bayeux peut avoir été créée soit dans un atelier commercial par une dame royale ou aristocratique et sa suite, soit dans un atelier dans un couvent., Sylvette Lemagnen, restauratrice de la tapisserie, dans son ouvrage La Tapisserie de Bayeux paru en 2005 déclare:

La Tapisserie de Bayeux est l’une des réalisations suprêmes du roman Normand …. Sa survie presque intacte sur neuf siècles est à peine miraculeuse … Sa longueur exceptionnelle, l’harmonie et la fraîcheur de ses couleurs, son exécution exquise et le génie de son esprit directeur se combinent pour le rendre fascinant à l’infini.,

le Haut Moyen ÂgeModifier

au 14ème siècle, un Atelier royal est documenté, basé à la Tour de Londres, et il peut y avoir eu d’autres arrangements antérieurs. L’enluminure manuscrite nous offre de nombreux artistes nommés de la période médiévale, y compris Ende, une religieuse espagnole du 10ème siècle; Guda, une religieuse allemande du 12ème siècle; et Claricia, une laïque du 12ème siècle dans un scriptorium Bavarois., Ces femmes, et beaucoup d’autres enlumineurs anonymes, ont bénéficié de la nature des couvents comme le principal lieu d’apprentissage pour les femmes de l’époque et l’option la plus tenable pour les intellectuels parmi eux.

dans de nombreuses régions D’Europe, avec les réformes grégoriennes du 11ème siècle et la montée de la féodalité, les femmes ont fait face à de nombreuses restrictions qu’elles n’ont pas rencontrées au début de la période médiévale. Avec ces changements sociétaux, le statut du couvent a changé., Dans les îles britanniques, la conquête normande marque le début du déclin progressif du couvent en tant que siège d’apprentissage et de pouvoir pour les femmes. Les couvents étaient subordonnés à des abbés masculins, plutôt que d’être dirigés par une abbesse, comme ils l’avaient été auparavant. En Scandinavie païenne (en Suède), La seule femme runemaster historiquement confirmée, Gunnborga, a travaillé au 11ème siècle.

en Allemagne, cependant, sous la dynastie ottonienne, les couvents ont conservé leur position d’institutions d’apprentissage. Cela pourrait être en partie parce que les couvents étaient souvent dirigés et peuplés par des femmes célibataires de familles royales et aristocratiques. Par conséquent, le plus grand travail de femmes de la fin du Moyen Âge provient d’Allemagne, comme en témoigne celui de Herrade de Landsberg et Hildegarde de Bingen. Hildegarde de Bingen (1098-1179) est un exemple particulièrement beau d’intellectuel et d’artiste Médiéval Allemand., Elle a écrit les œuvres divines d’un homme Simple, la vie méritoire, soixante-cinq hymnes, une pièce de miracle et un long traité de neuf livres sur les différentes natures des arbres, des plantes, des animaux, des oiseaux, des poissons, des minéraux et des métaux. Dès son plus jeune âge, elle prétendait avoir des visions. Lorsque la papauté a soutenu ces revendications de la directrice, sa position d’intellectuelle importante a été galvanisée. Les visions sont devenues une partie de L’une de ses œuvres séminales en 1142, Scivias (connaître les voies du Seigneur), qui se compose de trente-cinq visions relatant et illustrant l’histoire du salut., Les illustrations des Scivias, comme illustré dans la première illustration, représentent Hildegarde éprouvant des visions alors qu’elle était assise dans le monastère de Bingen. Ils diffèrent grandement des autres créés en Allemagne au cours de la même période, car ils se caractérisent par des couleurs vives, l’accent mis sur la ligne et des formes simplifiées. Bien Qu’Hildegarde n’ait probablement pas écrit les images, leur nature idiosyncratique porte à croire qu’elles ont été créées sous sa supervision étroite.

Le 12ème siècle a vu l’essor de la ville en Europe, avec l’augmentation des échanges, des voyages, et des universités., Ces changements dans la société ont également engendré des changements dans la vie des femmes. Les femmes étaient autorisées à diriger les entreprises de leur mari si elles étaient veuves. L’épouse de Bath dans les contes de Canterbury de Chaucer est l’un de ces cas. Pendant ce temps, les femmes ont également été autorisées à faire partie de certaines guildes d’artisans. Les archives de la guilde montrent que les femmes étaient particulièrement actives dans les industries textiles en Flandre et dans le nord de la France. Les manuscrits médiévaux ont beaucoup de marginalia représentant des femmes avec des broches., En Angleterre, les femmes étaient responsables de la création D’Opus Anglicanum, ou de riches broderies à usage ecclésiastique ou profane sur les vêtements et divers types de tentures. Les femmes sont également devenues plus actives dans l’illumination. Un certain nombre de femmes ont probablement travaillé aux côtés de leurs maris ou de leurs pères, y compris la fille de Maître Honoré et la fille de Jean le Noir., Au 13ème siècle, la plupart des manuscrits enluminés étaient produits par des ateliers commerciaux, et à la fin du Moyen Âge, lorsque la production de manuscrits était devenue une industrie importante dans certains centres, les femmes semblent avoir représenté la majorité des artistes et des scribes employés, en particulier à Paris. Le mouvement vers l’imprimerie, et l’illustration de livres vers les techniques de gravure sur bois et de gravure, où les femmes semblent avoir été peu impliquées, ont représenté un revers pour les progrès des femmes artistes.,

pendant ce temps, Jefimija (1349-1405), femme noble, veuve et religieuse orthodoxe serbe, s’est fait connaître non seulement comme poète qui a écrit une complainte pour son fils mort, Uglješa, mais aussi comme une habile couturière et graveuse. Sa complainte pour son Fils bien-aimé, qui immortalisait la douleur de toutes les mères pleurant leurs enfants décédés, était gravée au dos du diptyque (icône à deux panneaux représentant une Vierge à l’enfant) que Teodosije, évêque de Serres, avait offert à L’enfant Uglješa lors de son baptême., L’œuvre d’art, déjà précieuse à cause de l’or, des pierres précieuses et de la belle sculpture sur ses panneaux de bois, est devenue inestimable après que la complainte de Jefemija a été gravée sur son dos.

dans la Venise du XVe siècle, la fille de L’artiste verrier, Angelo Barovièr, était connue pour avoir été l’artiste derrière un design en verre particulier de Murano Vénitien. Elle était Marietta Barovier, une artiste verrière vénitienne. Apparemment, plusieurs siècles ont dû s’écouler avant que les femmes soient en mesure de poursuivre le médium dans L’art du verre.,

RenaissanceEdit

• St. Catherine of Bologna (Caterina dei Vigri), (Maria und das Jesuskind mit Frucht), c. 1440s. She is the patron saint of artists.,

• Sofonisba Anguissola, Self-Portrait, 1554

• Esther Inglis, Portrait, 1595

• Fede Galizia, Judith with the Head of Holofernes, 1596. The figure of Judith is believed to be a self-portrait.,

• Lavinia Fontana, Minerva Dressing, 1613, Galleria Borghese, Rome

artistes de L’ère de la Renaissance comprend, Sofonisba Anguissola, Lucia Anguissola, Lavinia Fontana, faith, Galicia, Diana scultori Ghisi, Caterina van Hemessen, Esther Inglis, Barbara Longhi, Maria Ormani, Marietta robusti (fille du Tintoret), properzia de’ Rossi, Levina Teerlinc, Mayken Verhulst et Sainte Catherine de Bologne (Caterina dei vigri).,

C’est la première période de l’histoire Occidentale dans laquelle un certain nombre de laïques femmes artistes acquis une réputation internationale. L’augmentation du nombre de femmes artistes au cours de cette période Peut être attribuée à des changements culturels majeurs., Un tel changement est venu de la Contre-Réforme réagissant contre le protestantisme et donnant lieu à un mouvement vers l’humanisme, une philosophie affirmant la dignité de tous les peuples, qui est devenu central dans la pensée de la Renaissance et a contribué à élever le statut de la femme. En outre, l’identité de l’artiste individuel en général était considérée comme plus importante. Les artistes importants de cette période dont les identités sont inconnues cessent pratiquement d’exister. Deux textes importants, sur les femmes célèbres et la Cité des femmes, illustrent ce changement culturel., Boccaccio, un humaniste du XIVe siècle, a écrit de mulieribus claris (Latin pour On Famous Women) (1335-59), un recueil de biographies de femmes. Parmi les 104 biographies qu’il a incluses, il y avait celle de Thamar (ou Thmyris), un ancien peintre de vases grecs. Curieusement, parmi les enluminures manuscrites du 15ème siècle sur des femmes célèbres, Thamar a été représenté peignant un autoportrait ou peut-être peignant une petite image de la Vierge à l’enfant., Christine de Pizan, une remarquable écrivaine, rhétoricienne et critique française de la fin du Moyen Âge, a écrit Le Livre De La Cité des dames en 1405, un texte sur une ville allégorique dans laquelle les femmes indépendantes vivaient à l’abri de la calomnie des hommes. Dans son travail, elle a inclus de vraies femmes artistes, comme Anastasia, qui était considérée comme l’une des meilleures enlumineuses parisiennes, bien qu’aucune de ses œuvres n’ait survécu. D’autres textes humanistes ont conduit à une éducation accrue pour les femmes italiennes.

Le plus remarquable d’entre eux était il Cortegiano ou le courtisan du 16ème siècle humaniste italien Baldassare Castiglione., Ce travail extrêmement populaire a déclaré que les hommes et les femmes devraient être éduqués dans les arts sociaux. Son influence a rendu acceptable pour les femmes de s’engager dans les arts visuels, musicaux et littéraires. Grâce à Castiglione, ce fut la première période de l’histoire de la renaissance au cours de laquelle les femmes nobles ont pu étudier la peinture. Sofonisba Anguissola a été le plus réussi de ces aristocrates mineurs qui ont d’abord bénéficié d’une éducation humaniste et ont ensuite été reconnus comme peintres. Née à Crémone, Anguissola était à la fois une pionnière et un modèle pour les générations futures d’artistes femmes., Les artistes qui n’étaient pas des femmes nobles ont également été touchés par la montée de l’humanisme. En plus des sujets conventionnels, des artistes tels que Lavinia Fontana et Caterina van Hemessen ont commencé à se représenter dans des autoportraits, non seulement en tant que peintres, mais aussi en tant que musiciens et érudits, mettant ainsi en évidence leur éducation bien équilibrée. Fontana a bénéficié des attitudes éclairées dans sa ville natale, Bologne où l’université avait admis des femmes savantes depuis le Moyen Âge. Avec la montée de l’humanisme, il y a eu un passage des artisans aux artistes., Les artistes, contrairement aux artisans antérieurs, devaient maintenant avoir des connaissances en perspective, en mathématiques, en art ancien et en étude du corps humain. À la fin de la Renaissance, la formation des artistes a commencé à passer de l’atelier du maître à l’Académie, et les femmes ont commencé une longue lutte, pas résolue avant la fin du 19ème siècle, pour avoir un accès complet à cette formation. L’étude du corps humain nécessitait de travailler à partir de nus et de cadavres masculins. Cela a été considéré comme un arrière-plan essentiel pour créer des scènes de groupe réalistes., Les femmes ont généralement été empêchées de s’entraîner avec des nus masculins, et par conséquent, elles ont été empêchées de créer de telles scènes. De telles représentations de nus étaient nécessaires pour les compositions religieuses à grande échelle, qui ont reçu les commandes les plus prestigieuses.

bien que de nombreuses femmes aristocratiques aient eu accès à une formation artistique, bien que sans bénéficier du dessin de figures à partir de modèles masculins nus, la plupart de ces femmes ont choisi le mariage plutôt que de faire carrière dans l’art. C’était le cas, par exemple, de deux des Sœurs de Sofonisba Anguissola., Les femmes reconnues comme artistes à cette époque étaient soit des religieuses, soit des enfants de peintres. Parmi les rares artistes italiens apparus au 15ème siècle, ceux connus aujourd’hui sont associés aux couvents. Ces artistes qui étaient religieuses comprennent Caterina dei Virgi, Antonia Uccello, et Suor Barbara Ragnoni. Au cours des 15e et 16e siècles, la grande majorité des femmes qui ont obtenu un minimum de succès en tant qu’artistes étaient les enfants de peintres. C’est probablement parce qu’ils ont pu obtenir une formation dans les ateliers de leurs pères., Des exemples de femmes artistes qui ont été formées par leurs pères incluent la peintre Lavinia Fontana, la portraitiste miniature Levina Teerlinc et la portraitiste Caterina van Hemessen. Les femmes artistes Italiennes de cette période, Même celles formées par leur famille, semblent quelque peu inhabituelles. Cependant, dans certaines parties de l’Europe, en particulier dans le nord de la France et en Flandre, il était plus fréquent que les enfants des deux sexes entrent dans la profession de leur père. En fait, dans les Pays-Bas où les femmes avaient plus de liberté, il y avait un certain nombre d’artistes de la Renaissance qui étaient des femmes., Par exemple, les archives de la Guilde de Saint-Luc à Bruges montrent non seulement qu’elles admettent des femmes comme membres pratiquants, mais aussi que dans les années 1480, vingt-cinq pour cent de ses membres étaient des femmes (beaucoup travaillant probablement comme enlumineurs de manuscrits).

Nelli’s Last Suppermodifier

récemment redécouvert fragiles 22 pieds rouleau de toile à Florence s’est avéré être un remarquable trésor. Mais pour les actions révolutionnaires de la philanthrope américaine, Jane Fortune (décédée en 2018) et de L’auteure basée à Florence, Linda Falcone et de leur organisation, Advancing Women Artists Foundation, le rouleau aurait pu prendre plus de poussière. Quatre ans de restauration minutieuse par une équipe dirigée par une femme, révèle l’éclat du 16ème siècle, autodidacte, suor Plautilla Nelli, une religieuse, et seule femme de la renaissance connue pour avoir peint La Cène., L’œuvre a été exposée au musée Santa Maria Novella de Florence en octobre 2019. Au début de 2020, AWA a parrainé la restauration de 67 œuvres d’artistes féminines, exhumées dans les collections Florentines.

Baroque eraEdit

• Artemisia Gentileschi, Auto-Portrait comme un Joueur de Luth, c., 1615-17, Curtis Galeries, Minneapolis

• Josefa de Ayala (Josefa De Óbidos), still-life, C., 1679, Santarém, de la Bibliothèque Municipale

• Giovanna Garzoni, nature morte avec Bol de Citrons, 1640, gouache sur vélin, Getty Museum, à Pacific Palisades, à Los Angeles, La californie

• Rachel Ruysch, nature morte avec Bouquet de Fleurs et de Prunes, huile sur toile, Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles

• Mary Beale, Auto-portrait, c.,ra comprennent: Mary Beale, Élisabeth Sophie Chéron, Maria Theresa van Thielen, Katharina Pepijn, Catharina Peeters, Johanna Vergouwen, Michaelina Wautier, Isabel de Cisneros, Giovanna Garzoni Artemisia Gentileschi, Judith Leyster, Maria Sibylla Merian, Louise Moillon, Josefa de Ayala mieux connu comme Josefa de Óbidos, Maria van Oosterwijk, Magdalena de Passe, Clara Peeters, Maria Virginia Borghese (fille de collectionneur d’art Olimpia Aldobrandini), Luisa Roldán dite La Roldana, Rachel Ruysch, Maria Theresa Van Thielen, Anna Maria van Thielen, Françoise-Catherina Van Thielen et Elisabetta Sirani., Comme à la Renaissance, de nombreuses femmes parmi les artistes baroques sont issues de familles d’artistes. Artemisia Gentileschi en est un exemple. Elle a été formée par son père, Orazio Gentileschi, et elle a travaillé à ses côtés sur plusieurs de ses commandes. Luisa Roldán a été formée dans L’atelier de sculpture de son père (Pedro Roldán).

  Les femmes artistes de cette période ont commencé à changer la façon dont les femmes étaient représentées dans l’art. Beaucoup de femmes travaillant comme artistes à l’époque Baroque n’étaient pas en mesure de s’entraîner à partir de modèles nus, qui étaient toujours des hommes, mais elles connaissaient très bien le corps féminin., Des femmes comme Elisabetta Sirani ont créé des images de femmes comme des êtres conscients plutôt que des muses détachées. L’un des meilleurs exemples de cette expression romanesque est dans Judith décapitant Holopherne D’Artemisia Gentileschi, dans lequel Judith est représentée comme une femme forte déterminant et vengeant son propre destin. Letizia Treves, conservatrice à la National Gallery de Londres 2020 Gentileschi show a commenté: « vous ne pouvez pas le voir sans penser à Tassi violant Gentileschi. »Les éléments du tableau sont » équilibrés avec une telle habileté qu’ils parlent d’un peintre qui a privilégié la virtuosité à la passion., »Alors que D’autres artistes, dont Botticelli et la femme plus traditionnelle, Fede Galizia, ont représenté la même scène avec une Judith passive, dans son traitement roman, Judith de Gentileschi semble être un acteur capable de la tâche à accomplir. L’Action en est l’essence et une autre peinture d’elle de Judith quittant la scène. La nature morte est apparue comme un genre important vers 1600, en particulier aux Pays-Bas. Les femmes étaient à l’avant-garde de cette tendance de la peinture. Ce genre était particulièrement adapté aux femmes, car elles pouvaient accéder facilement aux matériaux pour la nature morte., Dans le Nord, ces praticiens comprenaient Clara Peeters, peintre de banketje ou de pièces de petit-déjeuner, et de scènes de produits de luxe arrangés; Maria van Oosterwijk, peintre de fleurs de renommée internationale; et Rachel Ruysch, peintre d’arrangements floraux visuellement chargés. Dans d’autres régions, la nature morte était moins courante, mais il y avait des femmes artistes importantes dans le genre, y compris Giovanna Garzoni, qui a créé des arrangements de légumes réalistes sur parchemin, et Louise Moillon, dont les peintures de nature morte de fruits ont été remarquées pour leurs couleurs brillantes.,6e0240e »>

  Angelica Kauffman, Literature and Painting, 1782, Kenwood House