quand j’ai commencé à apprendre l’histoire de l’art, je me souviens que je voulais comprendre une chose avant tout. Je voulais connaître la chronologie. En d’autres termes, la grande histoire d’un style suivi du suivant: romantisme, Impressionnisme, Post-Impressionnisme, Cubisme, etc.

j’avais le sentiment que l’histoire de l’art était comme une course-relais d’artistes, chacun passant le relais de l’un à l’autre, construisant une chaîne de cause à effet de l’histoire et du développement.,

Au-delà de vouloir connaître les ismes, j’avais aussi d’autres questions: Qu’est-ce que le « Baroque » et est-il venu avant ou après la Renaissance? En fait, à bien y penser, quelle était la Renaissance? « Classique » faisait-Il référence à la musique classique ou à autre chose? Quelle est la différence entre « art moderne » et  » art contemporain?

Il m’a fallu un peu de temps pour comprendre qu’il existe des réponses à la fois simples et complexes à ces questions.

Mais la première chose que j’ai faite, pour satisfaire ma curiosité, a été de trouver une liste de mouvements artistiques et de l’écrire afin de la fixer dans ma mémoire., Il va quelque chose comme ceci:

• l’art Médiéval
• de la Renaissance 1300-1600
• Baroque 1600-1730
• Rococo 1720-1780
• le Néoclassicisme, 1750-1830
• le Romantisme 1780-1880
• l’Impressionnisme 1860-1890
• le Post-impressionnisme 1886-1905
• l’Expressionnisme 1905-1930
• le Cubisme 1907-1914
• Futurisme 1910-1930
• Art Déco 1909-1939
• l’Expressionnisme Abstrait des années 1940
• art Contemporain de 1946 à nos

C’est une bonne liste., (Astuce: si vous voulez une version plus approfondie de cette liste, avec des exemples d’artistes et d’images, téléchargez my Essential Styles in Western Art History.)

un cadre simple comme celui-ci est indispensable pour trouver vos repères au début. Après de nombreuses années de recherche et de réflexion sur l’art, je me retrouve toujours à me référer à cette liste.

où commencez-vous réellement?

la vérité est que personne ne commence à penser à l’histoire de l’art sans avoir d’abord rencontré un art en premier lieu. Peut-être que C’était une peinture au goutte-à-goutte de Jackson Pollock., C’était peut-être une visite à la Chapelle Sixtine à Rome. Peut-être que quelqu’un vous a donné une carte postale avec un tableau de Claude Monet sur le devant.

quelque part, un intérêt est suscité., Je fais ce point parce que nous arrivons tous à l’histoire de l’art d’une sorte de perspective, et c’est sur cette perspective que nous sommes susceptibles de construire notre carte mentale de la façon dont les différents styles d’art, et finalement les artistes individuels, s’emboîtent. C’est aussi la façon dont les préjugés peuvent se faufiler dans notre compréhension même si nous ne les entendons pas. Mais ne nous inquiétons pas pour l’instant

Pour moi, mon intérêt a été déclenché un jour où, à 16 ans, mon professeur d’art à l’école m’a pris à part et m’a demandé si j’avais déjà entendu parler d’un peintre appelé Wassily Kandinsky. Je n’ai jamais eu., Comme mes propres peintures en classe commençaient à s’orienter vers l’abstraction (sans que j’en aie vraiment l’intention), mon professeur d’art a pensé que je pourrais trouver Kandinsky intéressant.

j’ai suivi ses conseils et se rendit à la bibliothèque de l’école où j’ai trouvé un livre consacré à l’artiste russe. Je n’avais jamais vu quelque chose de semblable. Kandinsky était un russe qui a passé une grande partie de sa vie adulte en Allemagne où il a enseigné à L’école D’Art du Bauhaus. En tant que peintre, on lui doit certaines des toutes premières œuvres purement abstraites de l’art occidental.,

pour partager ici, j’ai choisi une pièce appelée Jaune-Rouge-bleu que Kandinsky a peinte en 1925.

lorsque j’ai regardé ce tableau pour la première fois, j’ai particulièrement aimé le grand ruban de noir qui descend le long du côté droit, comme une rivière ou un sentier entre les sommets des collines. J’ai aussi aimé la façon dont les différentes nuances de couleurs se superposent, se croisent et se combinent pour former de nouvelles formes en dessous. Je n’avais vraiment aucune idée de ce que le travail ‘signifiait’. J’ai simplement aimé regarder l’explosion de couleurs et de formes apparaître et disparaître avec un drame étrange et théâtral.,

prochaines étapes

Si nous voulions placer Kandinsky dans la chronologie des mouvements artistiques énumérés ci-dessus, alors il siégerait à l’intérieur du mouvement connu sous le nom D’Expressionnisme (vers 1905-1930). L’Expressionnisme est né en Allemagne au début du 20ème siècle, principalement à travers la poésie et la peinture. Des artistes comme Kandinsky ont employé des formes déformées et des couleurs fortes afin d’évoquer des humeurs ou des angoisses. Pour Kandinsky, la subjectivité de l’art avait une qualité spirituelle. Les couleurs avaient le pouvoir d’affecter les réactions émotionnelles profondes chez le spectateur., La Peinture, écrit-il,  » peut développer les mêmes énergies que la musique. »

Nous pouvons donc placer confortablement Kandinsky dans le mouvement de L’Expressionnisme. Cela nous amène jusqu’à présent, mais en catégorisant Kandinsky, nous risquons également de dissimuler certaines vérités importantes.

par exemple, le fait qu’il ait eu un arc de carrière propre, où son travail a pris différentes formes car il s’est associé à différents artistes dans différentes villes européennes. En outre, L’Expressionnisme lui-même est un terme générique qui englobe de nombreux artistes différents avec des styles différents, certains abstraits et d’autres figuratifs.,

je fais ce point pour illustrer le fait que l’art se fait au milieu de circonstances réelles, et que les généralisations ne sont utiles que jusqu’à un certain point. Par conséquent, une prochaine étape utile pour un historien de l’art lorsqu’il regarde une œuvre d’art est de commencer à construire un sens du temps et du lieu spécifique à l’œuvre et à l’artiste en question. Il y a toutes sortes de façons de le faire. Par exemple, on pourrait commencer par réfléchir aux questions suivantes:

• L’artiste a-t-il eu des amis ou des contemporains qui ont pu influencer le style de l’œuvre?,
• L’artiste avait-il un professeur ou venait-il d’une tradition?
• L’artiste a-t-il écrit sur son propre travail?
• Quels sont les documents à la disposition de l’artiste à l’époque?
• L’artiste était-il un homme ou une femme, et la réponse pourrait-elle avoir une incidence sur le type d’art qu’ils pourraient créer?
• Peut-course ou d’autres spécificités de l’identité de l’artiste un rôle à jouer?
• L’œuvre a-t-elle été montrée en public, et si oui, quelles ont été les réactions des premiers spectateurs?,

ces questions ne sont nullement exhaustives, mais elles pointent peut-être la réalité de tout processus créatif: que tous les artistes travaillent dans un contexte, avec toutes les opportunités et les contraintes que ce contexte peut entraîner.

L’histoire est une interprétation

je me souviens, il y a longtemps, avoir eu une discussion avec quelqu’un sur la nature de l’histoire. Je me souviens avoir dit que  » l  » histoire est en grande partie une question d” interprétation, « à laquelle l » autre personne a répondu quelque chose dans le sens de,  » sûrement pas. L’histoire ne parle-t-elle pas des faits de ce qui s’est réellement passé?, »

cette idée — que l’histoire est affaire de faits, pas d’interprétation — semble particulièrement pertinente dans l’histoire de l’art, puisque les œuvres sont là devant nous même si l’artiste est mort depuis longtemps. Mais en réalité, la façon dont nous interagissons et comprenons l’art est en grande partie une question de la façon dont le récit de l’histoire de l’art a été produit.

Il existe d’innombrables façons d’explorer cela, mais je m’en tiendrai à un exemple bien connu.

Je ne doute pas que vous ayez entendu parler de la Renaissance., Pour le décrire simplement, la Renaissance était une période de temps, centrée principalement autour de L’Italie, dans laquelle les arts ont prospéré sous une concentration de patronage et stimulée par la redécouverte de textes du monde antique de Rome et de Grèce, dont la littérature, l’apprentissage et la politique ont été admirés comme un âge de grande réussite.

L’époque de la Renaissance comprenait certains des artistes les plus célèbres de l’histoire, y compris Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange., L’une des principales sources de détails historiques sur les artistes de cette époque provient d’un livre intitulé Lives of the Artists, une série de biographies d’artistes écrites par un peintre et architecte italien du XVIe siècle nommé Giorgio Vasari.

Le livre est généralement considéré comme la première étude de l’histoire de l’art., Il est extrêmement détaillé et reste utile encore aujourd’hui pour les historiens de l’art qui cherchent à comprendre le développement de l’art occidental.

le problème avec ce livre est que Vasari écrivait d’une position extrêmement partisane, car il était principalement intéressé à défendre Florence et Rome comme les centres mêmes de l’excellence artistique, sans aucune référence à l’art qui était fait en dehors de L’Italie.,

Vasari a utilisé une structure en trois parties dans le livre, un cadre correspondant à peu près aux 14e, 15e et 16e siècles, pour décrire comment les artistes de ces trois périodes ont progressivement redécouvert les normes des anciens Grecs et Romains. Michel-Ange est traité comme l’expression ultime du renouveau, un artiste qui « a triomphé des artistes anciens, des artistes modernes et même de la Nature elle-même. »

ainsi, la conception historique de Vasari établit une correspondance entre le passage du temps et la réalisation artistique toujours croissante des artistes italiens., La marche en avant du progrès a une direction spécifique parce que Vasari identifie un modèle pour sa perfection.

Aujourd’hui, la Renaissance est l’une des pierres angulaires de l’art, que W. J. Bouwsma décrit comme « l’organisation dramatique traditionnelle de l’histoire occidentale. »Dans cette organisation, la Renaissance est un tournant historique qui clôt le Moyen Âge et inaugure l’ère moderne. C’est « le chapitre inaugural de l’histoire qui mène à notre propre époque., »

en d’autres termes, L’effet des écrits de Vasari sur ses compatriotes a été d’aider à promouvoir la Renaissance italienne à la position élevée de grande réussite dans toute l’histoire de l’art.

Conclusions

j’ai décrit au début de cet article mon sentiment que l’histoire de l’art était comme une course-relais d’artistes, chacun passant le relais de la créativité de l’un à l’autre. Comme l’illustre la discussion sur la Renaissance, C’est Vasari que je dois finalement remercier pour mon image de l’histoire de l’art en relais.

mais l’art est-il toujours une question de progrès?,

l’idée de progrès est très attrayante pour les historiens car elle donne un cadre narratif linéaire simple, celui de l’histoire se dirigeant vers un point culminant idéalisé.

Le principal problème avec cette façon de voir l’histoire de l’art, c’est qu’il a tendance à être exclusif, en ce qu’elle prend le point de vue étroit qui l’art Occidental, est la trame principale de l’histoire de l’art. Où, par exemple, l’art bouddhiste pourrait-il s’intégrer dans la course de relais? Ce sujet de l’art Islamique, art turc, Japonais de l’art ou de l’art de l’Afrique de l’Ouest?,

la vérité est que de nombreuses formes d’art dans le monde se sont développées indépendamment les unes des autres ou avec un chevauchement minimal. Vasari était un italien vivant à Florence, et en tant que tel était intéressé par la façon dont l’art merveilleux autour de lui a été fait. C’est compréhensible.

ce que nous devons faire, cependant, c’est se rappeler que toute l’histoire de l’art est inclinée avec un parti pris vers le conteur. C’est ce qui en fait un sujet intéressant à apprendre. Et pourquoi, où que nous regardions, il y a toujours plus à comprendre sur l’histoire de l’art.