Cuando empecé a aprender sobre la historia del arte, recuerdo que quería entender una cosa por encima de todo. Quería saber la línea de tiempo. En otras palabras, la gran historia de un estilo seguido del siguiente: Romanticismo, Impresionismo, postimpresionismo, Cubismo, etc.

tuve la sensación de que la historia del arte era como una carrera de relevos de artistas, cada uno pasando el testigo de uno a otro, construyendo una cadena de causa y efecto de la historia y el desarrollo.,

más allá de querer saber sobre los-ismos, también tenía otras preguntas: ¿qué era ‘barroco’ y vino antes o después del Renacimiento? En realidad, ahora que lo pienso, ¿qué fue el Renacimiento? ¿’Clásica’ se refiere a la música clásica o a algo más? ¿Cuál es la diferencia entre «arte moderno» y «arte contemporáneo»?

Me tomó un poco de tiempo entender que hay respuestas simples y complejas a estas preguntas.

pero lo primero que hice, para satisfacer mi curiosidad, fue encontrar una lista de movimientos artísticos y escribirla para fijarla en mi memoria., Fue algo así:

• Arte Medieval
• Renacimiento 1300-1600
• Barroco 1600-1730
• Rococó 1720-1780
• Neoclasicismo 1750-1830
• Romanticismo 1780-1880
• Impresionismo 1860-1890
• postimpresionismo 1886-1905
• expresionismo 1905-1930
• cubismo 1907-1914
• futurismo 1910-1930
• Art Deco 1909-1939
• Expresionismo abstracto 1940s
• Arte Contemporáneo 1946-presente

Esta es una buena lista., (Pista: si quieres una versión más detallada de esta lista, con ejemplos de artistas e imágenes, descarga my Essential Styles in Western Art History.)

un marco simple como este es indispensable para encontrar su orientación al principio. Después de muchos años de mirar y pensar en el arte, todavía me encuentro refiriéndome a esta lista.

¿dónde empiezas realmente?

la verdad es que nadie comienza a pensar en la historia del arte sin haber encontrado primero algo de arte en primer lugar. Tal vez era una pintura por goteo de Jackson Pollock., Tal vez fue una visita a la Capilla Sixtina en Roma. Tal vez alguien te dio una postal con una pintura de Claude Monet en el frente.

de alguna manera, en algún lugar, se enciende un interés., Hago este punto porque todos llegamos a la historia del arte desde algún tipo de perspectiva, y es sobre esta perspectiva que es probable que construyamos nuestro mapa mental de cómo los diferentes estilos de arte, y en última instancia los artistas individuales, encajan entre sí. También es cómo los sesgos son capaces de colarse en nuestro entendimiento, incluso si no queremos que lo hagan. Pero no nos preocupemos por eso por ahora

para mí, mi interés se despertó un día cuando, a los 16 años, mi profesor de arte en la escuela me llevó a un lado y me preguntó si alguna vez había oído hablar de un pintor llamado Wassily Kandinsky. Nunca lo he hecho., Como mis propias pinturas en clase estaban empezando a moverse hacia la abstracción (sin que yo realmente lo intentara), mi profesor de arte pensó que podría encontrar interesante a Kandinsky.

seguí su consejo y fui a la biblioteca de la escuela donde encontré un libro dedicado al artista ruso. Nunca había visto nada igual. Kandinsky fue un ruso que pasó gran parte de su vida adulta en Alemania, donde enseñó en la Escuela de arte Bauhaus. Como pintor, se le atribuye la realización de algunas de las primeras obras puramente abstractas en el arte occidental.,

para compartir aquí, he elegido una pieza llamada Amarillo-Rojo-Azul que Kandinsky pintó en 1925.

Cuando vi por primera vez esta pintura, me gustó especialmente la gran cinta negra que desciende a lo largo del lado derecho, como un río o un camino entre las cumbres. También me gustó la forma en que los diferentes tonos de color se superponen, se cruzan y se combinan para formar nuevas formas debajo. Realmente no tenía idea de lo que el trabajo «significaba». Simplemente disfruté viendo la explosión de color y forma apareciendo y desapareciendo con un extraño drama teatral.,

Next steps

si quisiéramos colocar a Kandinsky en la línea de tiempo de los movimientos artísticos mencionados anteriormente, entonces se sentaría dentro del movimiento conocido como Expresionismo (alrededor de 1905-1930). El expresionismo se originó en Alemania a principios del siglo XX, principalmente a través de la poesía y la pintura. Artistas como Kandinsky emplearon formas distorsionadas y colores fuertes para evocar estados de ánimo o ansiedades. Para Kandinsky, la subjetividad del arte tenía una cualidad espiritual. Los colores tenían el poder de afectar respuestas emocionales profundas en el espectador., La pintura, escribió, » puede desarrollar las mismas energías que la música.»

para que podamos colocar cómodamente a Kandinsky en el movimiento del expresionismo. Hacer esto nos lleva hasta aquí, pero al categorizar a Kandinsky también corremos el riesgo de ocultar algunas verdades importantes.

por ejemplo, el hecho de que tuviera un arco de carrera propio, donde su trabajo tomó diferentes formas al asociarse con diferentes artistas en diferentes ciudades europeas. Además, el expresionismo en sí es un término general que abarca a muchos artistas diferentes con diferentes estilos, algunos abstractos y otros figurativos.,

hago este punto para ilustrar el hecho de que el arte se hace en medio de circunstancias reales, y que las generalizaciones son útiles solo hasta un punto. Por lo tanto, un siguiente paso útil para un historiador del arte cuando mira una obra de arte es comenzar a construir un sentido de tiempo y lugar específico para la obra de arte y el artista en cuestión. Hay todo tipo de maneras de hacer esto. Por ejemplo, uno podría comenzar pensando en las siguientes preguntas:

• ¿tenía el artista amigos o contemporáneos que pudieran haber influido en el estilo de la obra?,
• ¿el artista o maestro que venimos de una tradición?
• ¿El artista escribió sobre su propio trabajo?
• ¿Cuáles eran los materiales disponibles para el artista en ese momento?
• Fue el artista un hombre o una mujer, y podría La respuesta tener una influencia en el tipo de arte que podría crear?
• ¿podría la raza u otras características específicas de la identidad del artista jugar un papel?
• Se mostró la obra en público, y si es así, ¿cuáles fueron las reacciones de los primeros espectadores?,

estas preguntas no son exhaustivas, pero tal vez apuntan a la realidad de cualquier proceso creativo: que todos los artistas trabajan dentro de un contexto, con todas las oportunidades y limitaciones que este contexto podría conllevar.

La historia es interpretación

recuerdo, hace mucho tiempo, tener una discusión con alguien sobre la naturaleza de la historia. Recuerdo haber dicho que «la historia es en gran medida una cuestión de interpretación», a lo que la otra persona respondió algo como: «seguramente no. ¿No es la historia sobre los hechos de lo que realmente sucedió?,»

esta idea — que la historia se trata de hechos, no de interpretación-parece especialmente pertinente en la historia del arte, ya que las obras de arte están allí frente a nosotros, incluso si el artista ha muerto hace mucho tiempo. Pero en realidad, la forma en que interactuamos y entendemos el arte es en gran medida una cuestión de cómo se ha producido la narrativa de la historia del arte.

Hay innumerables maneras de explorar esto, pero me mantendré en un ejemplo bien conocido.

no tengo duda de que has oído hablar del Renacimiento., Para describirlo simplemente, el Renacimiento fue un período de tiempo, centrado principalmente en Italia, en el que las artes florecieron bajo una concentración de mecenazgo y estimuladas por el redescubrimiento de textos del mundo antiguo de Roma y Grecia, cuya literatura, aprendizaje y Política fueron admirados como una edad de alto logro.

la era del Renacimiento incluyó algunos de los artistas más famosos de la historia, incluyendo Leonardo Da Vinci, Rafael y Miguel Ángel., Una de las principales fuentes de detalle histórico sobre los artistas de esta época proviene de un libro llamado Lives of the Artists, una serie de biografías de artistas escritas por un pintor y arquitecto italiano del siglo XVI llamado Giorgio Vasari.

El libro es generalmente considerado como el primer estudio de la historia del arte., Es inmensamente detallado y sigue siendo útil incluso hoy en día para los historiadores del arte que buscan entender el desarrollo del arte occidental.

el problema con este libro es que Vasari escribía desde una posición extremadamente partidista, ya que estaba principalmente interesado en defender Florencia y Roma como los centros de excelencia artística, sin apenas referencia al arte que se estaba haciendo fuera de Italia.,

Vasari utilizó una estructura de tres partes en el libro, un marco aproximadamente correspondiente a los siglos XIV, XV y XVI, para describir cómo los artistas durante estos tres períodos redescubrieron progresivamente los estándares de los antiguos griegos y romanos. Miguel Ángel es tratado como la máxima expresión de la renovación, un artista que «triunfó sobre los artistas antiguos, los artistas modernos e incluso la propia naturaleza.»

así, el diseño histórico de Vasari dibuja una correspondencia entre el paso del tiempo y el logro artístico cada vez mayor de los artistas italianos., La marcha hacia adelante del progreso tiene una dirección especificada porque Vasari identifica un modelo para su perfección.

hoy en día, el Renacimiento se erige como una de las piedras angulares del arte, que W. J. Bouwsma describe como «la organización dramática tradicional de la historia occidental.»En esta organización, el Renacimiento es un punto de inflexión histórico que cierra la Edad Media y marca el comienzo de la era moderna. Es «el capítulo inaugural de la historia que conduce a nuestro tiempo.,»

En otras palabras, el efecto de la escritura de Vasari sobre sus compatriotas fue ayudar a promover el Renacimiento italiano a la posición elevada de alto logro en toda la historia del arte.

conclusiones

describí al comienzo de este artículo mi sensación de que la historia del arte era como una carrera de relevos de artistas, cada uno pasando el testigo de la creatividad de uno a otro. Como espero que ilustre la discusión sobre el Renacimiento, es a Vasari a quien tengo que agradecer en última instancia por mi imagen de carrera de relevos de la historia del arte.

Pero el arte es siempre sobre el progreso?,

la idea de progreso es muy atractiva para los historiadores porque da un marco narrativo lineal simple, el de la historia que se mueve hacia un punto alto idealizado.

el principal problema con esta forma de ver la historia del arte es que tiende a ser exclusiva, ya que tiene la visión estrecha de que el arte occidental es la historia principal de la historia del arte. ¿Dónde, por ejemplo, podría El Arte budista encajar en la carrera de relevos? ¿Qué pasa con el arte islámico, el arte turco, el arte japonés o el arte de África Occidental?,

la verdad es que muchas formas de arte en todo el mundo se han desarrollado independientemente unas de otras o con alguna superposición mínima. Vasari era un italiano que vivía en Florencia, y como tal estaba interesado en cómo se hacía el maravilloso arte que lo rodeaba. Es comprensible.

lo que debemos hacer, sin embargo, es recordar que toda la historia del arte está inclinada hacia el narrador. Eso es lo que lo convierte en un tema interesante para aprender. Y por qué, dondequiera que miremos, siempre hay más que entender sobre la historia del arte.