Led Zeppelin: Physical Graffiti
desde el funk candente de Opener Custard Pie hasta los vertiginosos cambios de tempo de In My Time of Dying, estaba claro que junto con su dominio del blues eléctrico, Led Zeppelin había ampliado considerablemente su perspectiva sobre el Graffiti físico., Las incursiones en la acústica elegante (Bron-Yr-Aur), el country rock de California (Down By the Seaside) y el blues de Dixieland (Boogie con Stu) arreglaron las ambiciones de Zepp más allá de la amplificada adoración de Elmore James. El ápice era Cachemira, ese hipnótico himno de Oriente Medio a la pesadez, impulsado por el hipnótico pisoteo de Bonzo y un amplio salpicadero orquestal.
Guest reviewing for Classic Rock, producer Youth quizás lo resumió mejor: «el lado dos termina con otra piedra angular y posiblemente su mejor momento, The mighty Kashmir., Otra epopeya de más de ocho minutos y testimonio del estatus inigualable de Bonham como el mejor baterista de todos los tiempos. Diseñado por Ron Nevison (que también diseñó otro mejor contendiente de doble álbum, The Who’s Quadrophenia), la batería de Bonzo está en fase, hay un extraño compás que desmiente la simplicidad del ritmo y el vudú puro de que twixes tu cabeza., Bonham es como Hannibal, cabalgando a través de los Alpes en enormes elefantes an un trance extático inspirado en los desiertos de la India y el norte de África Robert»
el propio Robert Plant ha comentado: «desearía que fuéramos recordados por Cachemira más que por la escalera al cielo. Es tan correcto; no hay nada exagerado, ninguna histeria vocal. Perfecto Zeppelin.»
Iron Maiden – the Number of the Beast
ampliamente considerado como uno de los mejores álbumes de heavy metal de todos los tiempos, el número de The Beast convirtió a Iron Maiden en superestrellas., Su primer álbum con Bruce Dickinson, les trajo top 10 hits en el Reino Unido y los estableció como los principales jugadores en el escenario mundial. También contiene algunas de las mejores canciones jamás escritas en nombre del heavy metal.
la primera oportunidad que alguien tuvo de escuchar el nuevo Iron Maiden fue en febrero de 1982, con el lanzamiento del primer sencillo Run to the Hills. Un éxito Top 10 en el Reino Unido, Run to the Hills es uno de los himnos de metal más celebrados de todos los tiempos., Introdujo a todo el mundo a la «sirena de ataque aéreo» – Eso es Bruce Dickinson, obviamente – y clavó por completo el enfoque fanfarrón y entusiasta de Maiden y los niveles locos de energía en poco menos de cuatro minutos de abandono triunfante y eufórico del heavy metal. Sigue siendo ridículamente emocionante 35 años después, a pesar de caer regularmente del favor en los sets en vivo de la banda. Correr a las colinas es, inevitablemente, la elección de la gente.
«sabía que me había unido a una gran banda», dijo Dickinson. «También sabía que podía hacerlo aún mejor., Tuve una visión para el número de la Bestia: mi voz pegada a Maiden equivale a algo mucho más grande.»
santificado sea tu nombre fue recientemente votado como la mejor canción de Maiden por los lectores de la revista Metal Hammer y trajo el telón pre-encore hacia abajo en prácticamente cada uno de los conciertos de la banda durante al menos dos décadas después de que TNOTB fuera lanzado. Una de sus mejores epopeyas, y posiblemente la canción Maiden por excelencia, santificado gives te da todo lo bueno de esta banda en siete minutos abrumadoramente dramáticos y emocionantes., Machine Head, Cradle Of Filth, Dream Theater y Iced Earth tienen versiones grabadas, lo que sirve para demostrar la gran influencia que esta canción – y el álbum en el que aparece – ha tenido en generaciones de músicos de metal.
AC/DC: Powerage
En pocas palabras, Powerage es posiblemente el mejor álbum de rock de los 70. pero, intercalado entre dos de los otros picos de la banda, Let There Be Rock y Highway To Hell, el cuarto lanzamiento internacional de AC / DC, no se proclamó inmediatamente como su mejor álbum., Que Powerage es el único título del álbum de AC/DC que no aparece en un coro de una de sus canciones habla de una de las virtudes clave del disco: sutileza.
Por supuesto, hay poco de sutil acerca de los riffs estranguladores en Riff Raff o el crujido pateado en los dientes, pero en otros lugares – en el bellamente lachrymose Down Payment Blues, el juguetón What’s Next To The Moon, el lastimero, en el bolsillo Gone Shootin’-AC / DC muestran una disciplina, control y poder restringido que solo los jugadores más maduros y seguros pueden lograr.
enfáticamente, es el último álbum del líder Bon Scott., Gran parte de la belleza de Powerage proviene de los retratos maravillosamente dibujados de Bon Scott de hombres decepcionados y desesperados empujados más allá del punto de ruptura por el amor perdido y los bolsillos vacíos. Tan cocksure como podría ser, Scott siempre tuvo una afinidad por el roto y magullado; ese tipo con agujeros en sus zapatos, agujeros en sus dientes y parches en los parches en sus viejos vaqueros azules, y Powerage es una celebración de la fortaleza frente a los reveses que aplastan el alma.,
crucialmente, sin embargo, en el corazón del álbum Siempre hay esperanza, siempre un vistazo de cielos azules para aquellos golpeados en la cuneta, como lo demuestra Sin City, un glorioso ‘fuck you’ para el destino, un desafiante último hurra en la cara de las probabilidades cruelmente apiladas. Después de Powerage, AC / DC se volvería más ruidoso, pulido y más grande, pero nunca más mostrarían tanto corazón, alma y humanidad.
The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
para la generación que experimentó los Beatles de primera mano, Sgt., Pepper’s Lonely Hearts Club Band no fue solo el mejor álbum de los Beatles, también fue el mejor álbum de todos los tiempos. No había habido nada como esto antes: una especie de álbum conceptual, nacido de un experimento de estudio, y llevando la música grabada a donde nunca había ido antes. Su reputación dominó la visión popular y crítica de los Beatles durante casi 20 años, hasta que la llegada de los CD y la renovada popularidad de Fabs records como The White Album y, en particular, Revolver, cambiaron el equilibrio de Pepper.,
La gente comenzó a decir que con Penny Lane y Strawberry Fields Forever harvested for singles, Sgt. Pepper carecía de grandes canciones (aparte de con un poco de ayuda de mis amigos y un día en la vida). Dijeron que había mejores melodías y tanta experimentación en Revolver, cuya concisión y, bueno, falta de 1967-ness, lo hizo querido por un público más moderno.
Pero Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band tiene ahora más de 50 años, y sigue siendo un álbum brillante., Incluso sin todos los experimentos, las cintas lanzadas al aire, los clímax orquestales y el uso de músicos Indios, esto es (en gran medida) un conjunto de canciones extraordinarias. La introducción a Lovely Rita (y el grito inspirado de Paul McCartney de ‘Rita!’); el calor de con un poco de ayuda; el brillo espeluznante de un día en la vida; la repetición de la pista titular; el atrevimiento de dentro de ti, Sin Ti; la rima interna de ‘Y’ y ‘grand’ en cuando estoy sesenta y cuatro.
La música Rock fue cambiada por el Sargento Pepper y también lo fueron los Beatles., Paul McCartney dijo una vez de su carrera en solitario que cada nuevo álbum era una reacción al anterior, y así fue con el resto de la carrera de los Beatles: el Álbum Blanco es casi un polo opuesto a Pepper, con su cubierta simple y canciones a medio producir. Nunca volvieron a hacer nada como Pepper (aunque el reempaquetado del EP Magical Mystery Tour como álbum fue un intento de clonarlo). Sería injusto esperar que lo hicieran. Este es el álbum con el que todos los demás se miden.
la Reina: Una Noche En La Ópera
Los argumentos todavía la rabia., «Queen eran una banda de singles!»alguien dirá. «¡Como The Kinks, The Who y ELO! No los convierte en una mala banda, ¡para nada! Pero Greatest Hits i & II-esos son sus mejores álbumes
no los escuches. Queen eran perfeccionistas. Claro, dominaron el single. Famosamente, son la única banda donde cada miembro escribió un sencillo número 1., El bajista John Deacon escribió otro Bites The Dust, el baterista Roger Taylor escribió Radio Ga Ga, el guitarrista Brian May esculpió We Will Rock You de la mejor arcilla de rock, y el líder Freddie Mercury escribió la canción más famosa de A Night At the Opera, posiblemente la canción más famosa en todo el rock – Bohemian Rhapsody.,
A Night At the Opera no fue realmente donde encontraron sus pies – Sheer Heart Attack del año anterior fue donde su composición realmente entró en su cuenta – pero fue el álbum donde el público finalmente se puso al día, gracias a la mejor tarjeta de presentación de todos los tiempos, en Bo Rhap. Advertido por todos, incluido su amigo y DJ Kenny Everett que, a los seis minutos, era demasiado largo para la radio, Everett lo reprodujo 14 veces en su programa de radio ese fin de semana. Un DJ estadounidense siguió su ejemplo y de repente la compañía discográfica se sintió obligada a lanzar una canción que pensaban que era un suicidio comercial.,
«somos muy diferentes», dijo Mercury a Harry Doherty de Melody Maker en ese momento. «Hacemos las cosas en un estilo que es muy diferente a cualquier otra persona. Hay literalmente decenas de canciones que han sido rechazadas para este álbum. Si a la gente no le gustan las canciones que estamos haciendo en este momento, nos importa un carajo.»
Led Zeppelin: IV
por su impacto, inmediatez, concisión, resistencia, influencia y Zepness intrínseco, Led Zeppelin IV es imbatible. De todos sus discos, el cuarto álbum de Led Zeppelin, publicado a finales de 1971, sigue siendo su trabajo más admirado., Desde los riffs impecables de Page, pasando por la invención musical de Jones y la claridad vocal de Plant hasta el titánico sonido de batería de John Bonham, IV (A veces referido como «cuatro símbolos») todavía emite una frescura que desmiente su edad.
Black Dog’s machismo, rock and Roll’s Bonham-propelled brutality, plant’s honeyed, evocative Sandy Denny-complementado vocal on The Battle of Evermore, Stairway To Heaven’s mainstream-slaying production and dynamism – and that’s just side one.,
y hablar de influencia: después de definir más o menos el metal y el folk-rock, el BIS de IV fue proporcionar involuntariamente al hip-hop la fuente de su breakbeat definitivo, cuando se rompe el dique.
el epíteto ‘apretado pero suelto’ siempre ha descrito con precisión la estética de la banda. Chirridos, rasguños y sangrados de micrófono no eran errores a corregir en el ethos de producción de Page, sino ingredientes característicos e inherentes de la sensación. Combinado con el sonido de batería fuck-off más grande jamás comprometido con la cinta, IV se siente crudo y hecho a mano.,
ha sido amado y odiado en igual medida, pero en ningún lugar se ilustra mejor la comprensión Suprema de Page de la dinámica del rock que en Stairway to Heaven, con una canción que se burla y acaricia y luego culmina con nada menos que el mejor solo de guitarra del mundo. Todo lo que brilla no es oro. Pero esto sí. Para esto vinimos.,
Metallica: Master Of Puppets
El álbum más pesado en el top 20 es el disco que transformó a la banda de ser héroes de thrash de culto a una fuerza mayor de heavy metal – fácilmente la banda más importante de su generación en el género.
El tercer álbum de Metallica, no solo es Master of Puppets considerado con razón como un clásico del metal de todos los tiempos, sino que algunos todavía creen que este es el mejor álbum que la banda ha creado., Fue el primer álbum de Metallica lanzado en Estados Unidos en un sello importante, Elektra (todavía estaban firmados por Music For Nations en el Reino Unido y Europa), y fue el último en presentar a Cliff Burton, el bajista trágicamente muriendo durante la gira posterior de la banda.
es difícil sobreestimar lo importante que fue este álbum no solo para Metallica, sino para el metal en general. Dice Mark Tremonti de Alter Bride: «cuando escuché las barras de apertura de Battery, me voló completamente la mente. Todo el álbum me hizo creyente., Me gusta que fuera pesado y brutal en algunos puntos, pero que fuera tan hermoso en otros. Y me encantó la forma en que tenían sus versiones con el dedo, limpias, con influencias clásicas y luego te golpeaban en la cabeza con la guitarra eléctrica en el coro. Era como un concierto de heavy metal; casi como si Bach hubiera venido y ayudado a una banda de metal a escribir un álbum increíble.»
estructuralmente, Master of Puppets imitaba el formato de su predecesor, Ride The Lightning, pero aquí las ideas de Metallica estaban más desarrolladas, su confianza en sus propias habilidades era más pronunciada., El maestro de los títeres es intransigente e intransigente en todo momento, el trabajo de los hombres ahora completamente convencidos de su propio destino.
AC / DC: Back In Black
había un poderoso significado en ese título, y esa portada none-more-black. El 19 de febrero de 1980, el cantante de AC/DC Bon Scott fue encontrado muerto en un coche estacionado en East Dulwich, al sur de Londres. La noche anterior, había estado en Camden de Londres, viendo bandas y bebiendo hasta el olvido. En el camino a casa, se había metido en un estado tal que su compañero no podía despertarlo, así que lo dejó en el coche., Nunca volvió a despertar. «Intoxicación aguda por alcohol», dijo el certificado de defunción. «Muerte por desgracia.»Bon Scott tenía 33 años. El álbum anterior de AC/DC, Highway To Hell, había roto el top 20 en los Estados Unidos. Después de años de trabajar en bares australianos, y luego en el circuito de conciertos del Reino Unido, la banda parecía estar al borde del avance.
contra todo pronóstico, sin embargo, se reagruparon rápidamente, decidiendo que Bon lo querría de esa manera., Las audiciones se llevaron a cabo rápidamente para un nuevo cantante (fueron para Johnson después de que alguien recordara a Bon Scott delirando sobre el cantante de un éxito wonders Geordie) y seis meses más tarde, lanzado de nuevo en negro. El guitarrista Angus Young describió Back in Black como «nuestro tributo a Bon», pero se convirtió en mucho más que eso. El álbum más vendido de la carrera de AC/DC, Back in Black es la madre de todos los discos de regreso y posiblemente el mejor álbum de hard rock de todos los tiempos.,
en el álbum anterior Highway To Hell, Mutt Lange había pulido el sonido de la banda y los hizo más comerciales sin perder su identidad Central. You Shook Me All Night Long ilustra perfectamente la capacidad de Lange para llevar una sensibilidad pop totalmente aceptable a una banda de hard rock mientras ayuda a la banda a ofrecer un canto, «arms around your best mate’s shoulder» ganador de una canción.,
tiene tantas canciones clásicas: Hells Bells, Rock And Roll ain’t Noise Pollution, Shoot to Thrill, What Do You Do For Money Honey (una canción que data de las sesiones del álbum Powerage de 1978), y por supuesto esa canción que da título a genius, construida sobre un riff que suena como lo haría el blues si fuera deconstruido por Satan y luego reconstruido por Tony Stark.,
Guns N ‘ Roses: Appetite For Destruction
Appetite For Destruction es uno de los mejores discos de todos los tiempos, y uno de los más grandes – el álbum debut más vendido, nunca-con más de 30 millones de ventas en todo el mundo. Revolucionó la música rock a finales de los 80 y transformó Guns N’ Roses en superestrellas, su éxito aún más sorprendente dado el caos en el que se creó.,
pero en el corazón del álbum había un núcleo de canciones realmente geniales: en muchos sentidos, Welcome to the Jungle es la canción definitiva de Guns N’ Roses, y un abridor del álbum que, desde las palabras de apertura de Axl, ‘Oh my God’, advierte al oyente en términos inequívocos que es mejor que se abrochen el cinturón para el camino por delante. Detallando las primeras impresiones de Indiana boy Rose de Los Ángeles con los ojos abiertos y la boca abierta, esta fue la primera canción que Slash y Axl escribieron juntos, y sigue siendo la última declaración de Guns’ intrépido, imprudente, última pandilla en la ciudad., It’s So Easy fue el primer single de Guns EN EL REINO UNIDO, una introducción gruñona y hirviente que te retó a acercarte a estos odiosos, agresivos y misóginos gilipollas. No es la canción más sofisticada de la banda, pero ninguna otra canción temprana de Guns conlleva tal amenaza de chico malo.
y si gran parte de Appetite Of Destruction declara que Los Ángeles es un sucio, depravado y peligroso agujero de mierda, Paradise City es el kicker del álbum, una admisión de que Guns N’ Roses no querría estar en ningún otro lugar., El primer sencillo del quinteto en el Top 10 del Reino Unido, su simplista melodía singalong es posiblemente un poco demasiado ansiosa de complacer, aunque la canción puede haber tenido menos atractivo global si la banda no hubiera cambiado su letra original: ‘Take me down To The paradise city, where the girls are fat and they got big titties’. La guitarra de Slash, por su parte, transforma todo en un sleaze-rock nacido para correr, todo merodeando riffs y solos elegíacos.
el Señor, Brownstone, You’re Crazy, Out Ta Get Me: el álbum rezuma mala actitud y está lleno de grandes líneas (‘solía hacer un poco, pero un poco no lo haría, así que el poco se puso más y más’, ‘Algunas personas tienen un chip en su hombro/y’ algunos dirían que era yo’, ‘Bienvenido a la selva se pone peor aquí todos los días/aprendes a vivir como un animal en la selva donde tocamos’).
y en Sweet Child O’ Mine, Guns N ‘ Roses tenía un arma secreta: una hermosa balada de rock inspirada en los iconos del rock sureño Lynyrd Skynyrd., Slash no se preocupó mucho por la canción al principio, descartándola como «sappy» y su propia melodía de guitarra solista como «this stupid little riff». Pero encabezó la lista de Estados Unidos durante dos semanas en septiembre de 1988, regularmente encabeza las encuestas para encontrar el mejor solo de guitarra o riff, y sigue siendo la canción más querida de la carrera de Guns N’ Roses.
Appetite For Destruction llegó en el apogeo de la era hair metal y nació de la escena rock de Los Ángeles, pero sus raíces se encuentran en la gran música rock de los años 70 – en Aerosmith, Led Zeppelin, AC / DC y los Sex Pistols., Es el álbum más nuevo en el top 10 y comprensiblemente así – ¿alguien ha hecho un mejor disco de rock’n’roll desde su lanzamiento?
Pink Floyd: Dark Side of the Moon
es difícil exagerar la influencia de Pink Floyd como una fuerza definitoria en la cultura del rock. Y no se trata solo de la cantidad de discos que han vendido. Puedes extraer páginas de estadísticas relacionadas con el éxito de The Dark Side of the Moon, pero eso no te dice Por qué ese álbum – tanto la música como la propia portada del álbum – de 1973 se convirtió en un icono para una generación., O por qué Pink Floyd se convirtió en un fenómeno que ha afectado a todas las generaciones desde entonces.
la respuesta es que han hecho una de las músicas más sorprendentes y singulares del rock. Los punks pueden haber odiado a la banda y lo que a menudo (erróneamente) percibían que representaban, pero la bilis de Pink Floyd contra el sistema era a menudo tan venenosa como cualquier cosa que los punks pudieran escupir.
es un álbum que une a la gente – que a los chicos del metal les gustan tanto como a los rockeros alternativos. «Es el disco perfecto», dice Neil Fallon de Clutch., «Creo que The Dark Side Of The Moon es uno de los álbumes que hemos escuchado tanto que tendemos a hacernos un poco sordos a él, pero es perfecto. La letra coincide con la música y la música coincide con la letra. Recuerdo escuchar también a una edad muy joven, y que fue uno de los primeros registros recuerdo que cierre mis ojos. Todavía lo hago hasta el día de hoy, lo que dice algo.»
uno de los álbumes de rock más consumados jamás grabados, Dark Side fue un concepto ambicioso e innovador que se ha convertido en un clásico atemporal., Su temática gira en torno a las presiones de la vida moderna y la locura que puede provocar, y el sonido dinámico refuerza las imágenes contrastantes de las canciones, desde la paranoia de On The Run hasta el requiem seductor que es The Great Gig In the Sky, una contemplación sensible de la muerte que termina en un lugar que nunca esperarías dados los bonitos teclados que Richard Wright aporta al primer minuto de la canción. La cantante de sesión Clare Torry de repente desata una voz sin palabras desde un lugar desconocido y profundo dentro de su alma, bueno, ya no estás en Kansas.,
el impacto se intensificó al vincular los efectos de sonido, a menudo integrados en las canciones: un latido del corazón, la cacofonía de los relojes al principio de los tiempos y el tintineo de los altavoces que saltan de las monedas que abre el dinero. Waters decidió que el álbum necesitaba » una obertura «y»jugueteé con los latidos del corazón, los efectos de sonido y Clare Torry gritando, hasta que sonó bien». Háblame nació. De allí a Eclipse más cercano, el oyente su tomado en un viaje.
«la música crece, se hace más grande», dijo Rick Wright. «Lo levantábamos una y otra vez., Si ignoro la depresión de las palabras, que tiendo a hacer, creo que hay esperanza en ello, debido a la música.»
y hay. Hasta el día de hoy, TDSOTM tiene una belleza y vitalidad que todavía tiene el poder de emocionar.