Lichtenstein luego dejó Nueva York para estudiar en Ohio State University, que ofreció cursos de estudio y una licenciatura en Bellas Artes. Sus estudios fueron interrumpidos por un período de tres años en el ejército durante y después de la Segunda Guerra Mundial entre 1943 y 1946. Después de estar en programas de capacitación para idiomas, ingeniería y entrenamiento de pilotos, todos los cuales fueron cancelados, se desempeñó como ordenanza, dibujante y artista.,

Lichtenstein regresó a casa para visitar a su padre moribundo y fue dado de baja del ejército con la elegibilidad para el G. I. Bill. Regresó a los estudios en Ohio bajo la supervisión de uno de sus maestros, Hoyt L. Sherman, quien es ampliamente considerado como un impacto significativo en su futuro trabajo (Lichtenstein más tarde nombraría un nuevo estudio que financió en OSU como el Hoyt L. Sherman Studio Art Center).

Lichtenstein entró en el programa de posgrado en Ohio State y fue contratado como instructor de arte, un puesto que ocupó durante los siguientes diez años., En 1949 Lichtenstein recibió una Maestría en Bellas Artes de la Universidad Estatal de Ohio.

en 1951, Lichtenstein tuvo su primera exposición individual en la Carlebach Gallery de Nueva York.Se mudó a Cleveland en el mismo año, donde permaneció durante seis años, aunque con frecuencia viajó de regreso a Nueva York. Durante este tiempo realizó trabajos tan variados como un dibujante a un decorador de ventanas entre períodos de pintura. Su obra en esta época fluctuaba entre el cubismo y el expresionismo. En 1954 nació su primer hijo, David Hoyt Lichtenstein, ahora compositor., Su segundo hijo, Mitchell Lichtenstein, nació en 1956.

en 1957, regresó al norte del Estado de Nueva York y comenzó a enseñar de nuevo. Fue en esta época que adoptó el Expresionismo abstracto, siendo un convertido tardío a este estilo de pintura. Lichtenstein comenzó a enseñar en el norte del Estado de Nueva York en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego en 1958. Alrededor de este tiempo, comenzó a incorporar imágenes ocultas de personajes de dibujos animados como Mickey Mouse y Bugs Bunny en sus obras abstractas.,

Rise to prominence

en 1960, comenzó a enseñar en la Universidad de Rutgers, donde fue fuertemente influenciado por Allan Kaprow, quien también fue profesor en la Universidad. Este entorno le ayudó a reavivar su interés por el Proto-pop imagery.In 1961, Lichtenstein comenzó sus primeras pinturas pop utilizando imágenes de dibujos animados y técnicas derivadas de la aparición de la impresión comercial. Esta fase continuaría hasta 1965, e incluyó el uso de imágenes publicitarias que sugerían consumismo y tareas domésticas.,Su primer trabajo en presentar el uso a gran escala de figuras de bordes duros y puntos de Ben-Day fue Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D. C.). Esta pieza surgió de un desafío de uno de sus hijos, quien señaló un cómic de Mickey Mouse y dijo: «apuesto a que no puedes pintar tan bien, ¿eh, Papá? En el mismo año produjo otras seis obras con personajes reconocibles de envoltorios de goma y dibujos animados.

en 1961, Leo Castelli comenzó a exhibir el trabajo de Lichtenstein en su galería de Nueva York., Lichtenstein tuvo su primera exposición individual en la galería Castelli en 1962; toda la colección fue comprada por coleccionistas influyentes incluso antes de que la exposición se inaugurara. Un grupo de pinturas producidas entre 1961 y 1962 se centraron en objetos domésticos solitarios como zapatillas de deporte, perros calientes y pelotas de golf. En septiembre de 1963 tomó un permiso de ausencia de su puesto de profesor en Douglass College en Rutgers.,

sus obras se inspiraron en cómics que presentaban historias de guerra y románticas «en ese momento», relató Lichtenstein más tarde, «estaba interesado en cualquier cosa que pudiera usar como un tema que fuera emocionalmente fuerte, generalmente amor, guerra o algo que fuera un tema altamente cargado y emocional para ser opuesto a las técnicas de pintura eliminadas y deliberadas».

período del perfil más alto de Lichtenstein

fue en este momento que Lichtenstein comenzó a encontrar fama no solo en América sino en todo el mundo. Regresó a Nueva York para estar en el Centro de la escena artística y renunció a la Universidad de Rutgers en 1964 para concentrarse en su pintura. Lichtenstein usó óleo y pintura Magna (acrílica temprana) en sus obras más conocidas, como Drowning Girl (1963), que fue apropiada de la historia principal en Secret Hearts no.83 de DC Comics. (Drowning Girl ahora cuelga en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.,) Drowning Girl también presenta contornos gruesos, colores llamativos y puntos Ben-Day, como si fueran creados por reproducción fotográfica. De su propia obra, Lichtenstein diría que los expresionistas abstractos «pusieron las cosas en el lienzo y respondieron a lo que habían hecho, a las posiciones de color y tamaños. Mi estilo se ve completamente diferente, pero la naturaleza de escribir líneas es prácticamente la misma; el mío simplemente no sale con un aspecto caligráfico, como el de Pollock o el de Kline».

en lugar de intentar reproducir sus temas, el trabajo de Lichtenstein abordó la forma en que los medios de comunicación los retratan., Nunca se tomaría demasiado en serio, sin embargo, diciendo: «Creo que mi trabajo es diferente de las tiras cómicas, pero no lo llamaría transformación; no creo que lo que se entiende por ello sea importante para el arte.»Cuando la obra de Lichtenstein fue exhibida por primera vez, muchos críticos de arte de la época desafiaron su originalidad. Su trabajo fue duramente criticado como vulgar y vacío. El título de un artículo de la revista Life en 1964 preguntaba: «¿Es el peor artista de los Estados Unidos?, Lichtenstein respondió a tales afirmaciones ofreciendo respuestas como las siguientes: «cuanto más cerca está mi trabajo del original, más amenazante y crítico es el contenido. Sin embargo, mi trabajo se transforma completamente en que mi propósito y percepción son completamente diferentes. Creo que mis pinturas están críticamente transformadas, pero sería difícil demostrarlo con cualquier línea racional de argumento. Habló de experimentar esta fuerte crítica en una entrevista con April Bernard y Mimi Thompson en 1986., Sugiriendo que a veces era difícil ser criticado, Lichtenstein dijo: «no dudo cuando estoy pintando, es la crítica lo que te hace preguntarte, lo hace.»

Su imagen más célebre es posiblemente Whaam! (1963, Tate Modern, Londres), uno de los primeros ejemplos conocidos de arte pop, adaptado de un panel de cómics dibujado por Irv Novick en un número de 1962 de DC Comics All-American Men of War. La pintura representa un avión de combate disparando un cohete contra un avión enemigo, con una explosión roja y amarilla. El estilo de dibujos animados se ve realzado por el uso de las letras onomatopéyicas » Whaam!,»y la leyenda en caja» presioné el control de fuego … y delante de mí los cohetes ardían en el cielo …»Este díptico es de gran escala, mide 1.7 x 4.0 m (5 pies 7 pulgadas x 13 pies 4 pulgadas). Whaam sigue los temas basados en tiras cómicas de algunas de sus pinturas anteriores y es parte de un cuerpo de trabajo con temas de guerra creado entre 1962 y 1964. Es una de sus dos grandes pinturas notables con temas de guerra. Fue comprado por la Tate Gallery en 1966, después de haber sido expuesto en la Leo Castelli Gallery en 1963, y (ahora en la Tate Modern) ha permanecido en su colección desde entonces., En 1968, el empresario de Darmstadt Karl Ströher adquirió varias obras importantes de Lichtenstein, como Nurse (1964), Compositions I (1964), We rose up slowly (1964) y Yellow and Green Brushstrokes (1966). Después de estar en préstamo en el Hessiches Landesmuseum Darmstadt durante varios años, el director fundador del Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, pudo adquirir un total de 87 obras de la colección Ströher en 1981, principalmente arte Pop estadounidense y arte minimalista para el Museo En construcción hasta 1991.,

Lichtenstein comenzó a experimentar con la escultura alrededor de 1964, demostrando un don para la forma que estaba en desacuerdo con la insistente planitud de sus pinturas. Para Head of Girl (1964), y Head with Red Shadow (1965), colaboró con un ceramista que esculpió la forma de la cabeza en arcilla. Lichtenstein luego aplicó un esmalte para crear el mismo tipo de motivos gráficos que usó en sus pinturas; la aplicación de líneas negras y puntos Ben-Day a objetos tridimensionales resultó en un aplanamiento de la forma.,

La mayoría de las obras más conocidas de Lichtenstein son copias relativamente cercanas, pero no exactas, de paneles de cómics, un tema que abandonó en gran medida en 1965, aunque ocasionalmente incorporaría cómics a su trabajo de diferentes maneras en décadas posteriores. Estos paneles fueron dibujados originalmente por artistas de cómics como Jack Kirby y los artistas de DC Comics Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick y Jerry Grandenetti, que rara vez recibieron ningún crédito., Jack Cowart, director ejecutivo de la Fundación Lichtenstein, cuestiona la noción de que Lichtenstein era un copista, diciendo: «El trabajo de Roy era una maravilla de las fórmulas gráficas y la codificación del sentimiento que habían sido elaboradas por otros. Los paneles fueron cambiados en escala, color, Tratamiento y en sus implicaciones. No hay una copia exacta., Sin embargo, algunos han sido críticos con el uso de Lichtenstein de imágenes de cómics y piezas de arte, especialmente en la medida en que ese uso ha sido visto como un respaldo de una visión condescendiente de los cómics por la corriente principal del arte; el dibujante Art Spiegelman comentó que «Lichtenstein no hizo más o menos por los cómics que Andy Warhol hizo por soup.»

Las obras de Lichtenstein basadas en paneles ampliados de cómics generaron un amplio debate sobre sus méritos como arte. El propio Lichtenstein admitió: «estoy copiando nominalmente, pero realmente estoy repitiendo lo copiado en otros términos., Al hacer eso, el original adquiere una textura totalmente diferente. No son pinceladas gruesas o delgadas, son puntos y colores planos y líneas inflexibles.»Eddie Campbell blogueó que» Lichtenstein tomó una pequeña foto, más pequeña que la palma de la mano, impresa en cuatro tintas de color en papel periódico y la voló hasta el tamaño convencional en el que se hace y exhibe ‘arte’ y la terminó en pintura sobre lienzo. Con respecto a Lichtenstein, Bill Griffith dijo una vez: «hay arte alto y hay arte bajo., Y luego está el arte alto que puede tomar el arte bajo, llevarlo a un contexto de arte alto, apropiarse de él y elevarlo a otra cosa.

aunque el trabajo de Lichtenstein basado en el cómic ganó cierta aceptación, las preocupaciones todavía son expresadas por los críticos que dicen que Lichtenstein no acreditó, pagó regalías o buscó el permiso de los artistas originales o titulares de derechos de autor. En una entrevista para un documental de BBC Four en 2013, Alastair Sooke le preguntó al artista de cómics Dave Gibbons si consideraba a Lichtenstein un plagiario. Gibbons respondió: «Yo diría ‘imitador’., En la música, por ejemplo, no puedes simplemente silbar la melodía de otra persona o interpretar la melodía de otra persona, sin importar cuán mal, sin acreditar y dar un pago al artista original. Es decir, esto es ‘ WHAAM! by Roy Lichtenstein, after Irv Novick’. El propio Sooke sostiene que » Lichtenstein transformó la obra de Novick de varias maneras sutiles pero cruciales.,los creadores originales de sus trabajos Cómicos fueron una reflexión sobre la decisión de las publicaciones periódicas nacionales, predecesoras de DC Comics, de omitir cualquier crédito para sus escritores y artistas:

Además de encarnar el prejuicio cultural contra los cómics como vehículos de arte, ejemplos como la apropiación de Lichtenstein del vocabulario de los cómics destacan la importancia de tener en cuenta el formato de publicación a la hora de definir los cómics, así como la economía política implicada por tipos específicos de publicaciones históricas, en este caso el cómic convencional estadounidense., ¿Hasta qué punto las publicaciones periódicas nacionales (más tarde DC) fueron responsables del rechazo de los roles de Kanigher y Novick como artistas por derecho propio al no otorgarles el crédito de autor completo en la publicación en sí?»

Además, Campbell señala que hubo un tiempo en que los artistas de cómics a menudo declinaban la atribución por su trabajo.,

en un relato publicado en 1998, Novick dijo que había conocido a Lichtenstein en el ejército en 1947 y, como su oficial superior, había respondido a las quejas llorosas de Lichtenstein sobre las tareas menores que se le asignaron recomendándole un mejor trabajo. Jean-Paul Gabilliet ha cuestionado este relato, diciendo que Lichtenstein había dejado el ejército un año antes del momento en que Novick dice que el incidente tuvo lugar. Bart Beaty, señalando que Lichtenstein se había apropiado de Novick para obras como Whaam! y está bien Hot-Shot, está bien!,, dice que la historia de Novick «parece ser un intento de disminuir personalmente» el artista más famoso.

en 1966, Lichtenstein se alejó de sus célebres imágenes de principios de la década de 1960, y comenzó su serie de pinturas modernas, incluyendo más de 60 pinturas y dibujos acompañantes. Utilizando sus característicos puntos de Ben-Day y formas y líneas geométricas, interpretó imágenes incongruentes y desafiantes a partir de estructuras arquitectónicas familiares, Patrones tomados del Art Déco y otros motivos sutilmente evocadores, a menudo secuenciales., La serie de Esculturas modernas de 1967-8 hizo referencia a motivos de la arquitectura Art Déco.

trabajo posterior

a principios de la década de 1960, Lichtenstein reprodujo obras maestras de Cézanne, Mondrian y Picasso antes de embarcarse en la serie pinceladas en 1965., Lichtenstein continuó revisitando este tema más tarde en su carrera con obras como dormitorio en Arles que deriva de la habitación de Vincent Van Gogh en Arles.

en 1970, Lichtenstein fue comisionado por el Museo de arte del Condado de Los Ángeles (dentro de su programa de arte y tecnología desarrollado entre 1967 y 1971) para hacer una película. Con la ayuda de Universal Film Studios, el artista concibió y produjo tres Paisajes, una película de paisajes marinos, directamente relacionada con una serie de collages con temas de paisaje que creó entre 1964 y 1966., Aunque Lichtenstein había planeado producir 15 cortometrajes, la instalación de tres pantallas-hecha con el cineasta independiente con sede en Nueva York Joel Freedman-resultó ser la única aventura del artista en el medio.

también en 1970, Lichtenstein compró una antigua casa de transporte en Southampton, Long Island, construyó un estudio en la propiedad, y pasó el resto de la década de 1970 en relativa reclusión. En las décadas de 1970 y 1980, su estilo comenzó a aflojarse y amplió lo que había hecho antes. Lichtenstein comenzó una serie de pinturas de espejos en 1969., En 1970, mientras continuaba en la serie Mirrors, comenzó a trabajar en el tema de entablatures. Los Entablamentos consistió en una primera serie de pinturas de 1971 a 1972, seguido por un segundo de la serie en 1974-76, y la publicación de una serie de alivio imprime en 1976. Produjo una serie de «Estudios de artistas» que incorporaron elementos de su trabajo anterior. Un ejemplo notable es el estudio del artista, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis), que incorpora otras cinco obras anteriores, encajadas en la escena.,

durante un viaje a Los Ángeles en 1978, Lichtenstein estaba fascinado por la colección del abogado Robert Rifkind de grabados expresionistas alemanes y libros ilustrados. Comenzó a producir obras que tomaron prestados elementos estilísticos que se encuentran en las pinturas expresionistas. El Árbol Blanco (1980) evoca Paisajes líricos de Der Blaue Reiter, mientras que Dr. Waldmann (1980) recuerda Dr. Mayer-Hermann (1926) de Otto Dix. Se utilizaron pequeños dibujos a lápiz de colores como plantillas para xilografías, un medio favorecido por Emil Nolde y Max Pechstein, así como por Dix y Ernst Ludwig Kirchner., También a finales de la década de 1970, el estilo de Lichtenstein fue reemplazado por obras más surrealistas como Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). Una serie importante de pinturas surrealistas-Pop de 1979 a 1981 se basa en temas Nativos Americanos. Estas obras van desde la figura de Amerind (1981), una escultura estilizada de tamaño natural que recuerda a un tótem aerodinámico en bronce patinado negro, hasta el monumental tapiz de lana Amerind Landscape (1979)., Las obras «Indias» tomaron sus temas, como las otras partes de la serie surrealista, de arte contemporáneo y otras fuentes, incluidos libros sobre diseño indio americano de la pequeña biblioteca de Lichtenstein.

los bodegones, esculturas y dibujos de Lichtenstein, que abarcan desde 1972 hasta principios de la década de 1980, cubren una variedad de motivos y temas, incluidos los más tradicionales, como frutas, flores y jarrones. En 1983 Lichtenstein hizo dos carteles contra el apartheid, simplemente titulados «contra el Apartheid»., En su serie reflexión, producida entre 1988 y 1990, Lichtenstein reutilizó sus propios motivos de obras anteriores. Interiors (1991-1992) es una serie de obras que representan ambientes domésticos banales inspirados en anuncios de muebles que el artista encontró en guías telefónicas o en vallas publicitarias., Inspirándose en las impresiones monocromáticas de Edgar Degas presentadas en una exposición de 1994 en el Metropolitan Museum of Art De Nueva York, los motivos de su serie Landscapes in the Chinese Style se forman con puntos de Benday simulados y contornos de bloques, representados en colores duros y vivos, con todos los rastros de la mano eliminados. El desnudo es un elemento recurrente en el trabajo de Lichtenstein de la década de 1990, como en Collage for Nude with Red Shirt (1995).

además de pinturas y esculturas, Lichtenstein también realizó más de 300 impresiones, la mayoría en serigrafía.,

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