Artículo principal: Bayeux Tapestry

en Alemania, sin embargo, bajo la dinastía otoniana, los conventos conservaron su posición como instituciones de aprendizaje. Esto podría deberse en parte a que los conventos a menudo estaban encabezados y poblados por mujeres solteras de familias reales y aristocráticas. Por lo tanto, el mayor trabajo femenino del período Medieval tardío se origina en Alemania, como lo ejemplifican Herrade de Landsberg e Hildegarda de Bingen. Hildegarda de Bingen (1098-1179) es un ejemplo particularmente fino de un intelectual y artista Medieval alemán., Escribió las obras divinas de un hombre Simple, la vida meritoria, sesenta y cinco himnos, una obra de milagros y un largo tratado de nueve libros sobre las diferentes naturalezas de los árboles, las plantas, los animales, las aves, los peces, los minerales y los metales. Desde temprana edad, afirmó tener visiones. Cuando el Papado apoyó estas afirmaciones de la directora, su posición como intelectual importante fue galvanizada. Las visiones se convirtieron en parte de una de sus obras fundamentales en 1142, Scivias (Conoce los caminos del Señor), que consiste en treinta y cinco visiones que relatan e ilustran la historia de la salvación., Las ilustraciones de las Scivias, como se ejemplifica en la primera ilustración, representan a Hildegarda experimentando visiones mientras estaba sentada en el Monasterio de Bingen. Difieren mucho de otros creados en Alemania durante el mismo período, ya que se caracterizan por colores brillantes, énfasis en la línea y formas simplificadas. Aunque es probable que Hildegard no escribiera las imágenes, su naturaleza idiosincrática nos lleva a creer que fueron creadas bajo su estrecha supervisión.

el siglo XII vio el ascenso de la ciudad en Europa, junto con el aumento del comercio, los viajes y las universidades., Estos cambios en la sociedad también generaron cambios en la vida de las mujeres. Las mujeres podían dirigir los negocios de sus maridos si enviudaban. La esposa de Bath en los cuentos de Canterbury de Chaucer es uno de esos casos. Durante este tiempo, a las mujeres también se les permitió formar parte de algunos gremios artesanales. Los registros del gremio muestran que las mujeres eran particularmente activas en las industrias textiles en Flandes y el norte de Francia. Los manuscritos medievales tienen muchas marginalia que representan a mujeres con husos., En Inglaterra, las mujeres eran responsables de crear Opus Anglicanum, o ricos bordados para uso eclesiástico o secular en la ropa y varios tipos de tapices. Las mujeres también se volvieron más activas en la iluminación. Un número de mujeres probablemente trabajaron junto a sus esposos o padres, incluyendo la hija del Maître Honoré y la hija de Jean Le Noir., En el siglo XIII, la mayoría de los manuscritos iluminados se producían en talleres comerciales, y a finales de la Edad Media, cuando la producción de manuscritos se había convertido en una industria importante en ciertos centros, las mujeres parecían haber representado a la mayoría de los artistas y escribas empleados, especialmente en París. El movimiento a la impresión, y la ilustración de libros a las técnicas de grabado de xilografía y grabado, donde las mujeres parecen haber estado poco involucradas, representaron un revés para el progreso de las mujeres artistas.,

mientras tanto, Jefimija (1349-1405) una mujer serbia, Noble, viuda y monja ortodoxa se hizo conocida no solo como una poeta que escribió un lamento por su hijo muerto, Uglješa, sino también como una hábil costurera y grabadora. Su lamento por su amado hijo, que inmortalizó el dolor de todas las madres que lloraban a sus hijos fallecidos, estaba grabado en el dorso del díptico (icono de dos paneles que representa a una virgen y un niño) que Teodosije, Obispo de Serres, había presentado como regalo al niño Uglješa en su bautismo., La obra de arte, ya valiosa debido al oro, las piedras preciosas y la hermosa talla en sus paneles de madera, se volvió invaluable después de que el lamento de Jefemija fuera grabado en su espalda.

en la Venecia del siglo XV, la hija del artista del vidrio, Angelo Barovièr, era conocida por haber sido la artista detrás de un diseño de vidrio particular de Murano Veneciano. Era Marietta Barovier, una artista veneciana del vidrio. Al parecer, varios siglos tuvieron que transcurrir antes de que las mujeres fueran capaces de perseguir el medio en el arte del vidrio.,

RenaissanceEdit

• St. Catherine of Bologna (Caterina dei Vigri), (Maria und das Jesuskind mit Frucht), c. 1440s. She is the patron saint of artists.,

• Sofonisba Anguissola, Self-Portrait, 1554

• Esther Inglis, Portrait, 1595

• Fede Galizia, Judith with the Head of Holofernes, 1596. The figure of Judith is believed to be a self-portrait.,

• Lavinia Fontana, Minerva Dressing, 1613, Galleria Borghese, Rome

  artistas de la época del Renacimiento incluye, Sofonisba Anguissola, Lucia Anguissola, Lavinia Fontana, faith, Galicia, diana scultori Ghisi, Caterina van hemessen, Esther Inglis, Barbara Longhi, Maria Orani, Marietta robusti (hija de Tintoretto), properzia de’ Rossi, Levina Teerlinc, Mayken Verhulst, y Santa Catalina de Bolonia (Caterina dei vigri).,

  Lucia Anguissola, Doctora de Cremona, 1560, Museo del Prado, Madrid

  Este es el primer período en la historia occidental En el que un número de artistas femeninas seculares ganaron reputación internacional. El aumento del número de mujeres artistas durante este período puede atribuirse a importantes cambios culturales., Uno de esos cambios vino de la Contrarreforma reaccionando contra el Protestantismo y dando lugar a un movimiento hacia el humanismo, una filosofía que afirma la dignidad de todas las personas, que se convirtió en el centro del pensamiento renacentista y ayudó a elevar el estatus de la mujer. Además, la identidad del artista individual en general se consideraba más importante. Los artistas significativos de este período cuyas identidades son desconocidas prácticamente dejan de existir. Dos textos importantes, sobre las mujeres famosas y la ciudad de las mujeres, ilustran este cambio cultural., Boccaccio, un humanista del siglo XIV, escribió de mulieribus claris (en latín, sobre Mujeres Famosas) (1335-59), una colección de biografías de mujeres. Entre las 104 biografías que incluyó estaba la de Thamar (o Thmyris), un antiguo pintor griego de vasijas. Curiosamente, entre las iluminaciones manuscritas del siglo XV de on Famous Women, Thamar fue representado pintando un autorretrato o quizás pintando una pequeña imagen de la Virgen y el niño., Christine de Pizan, una notable escritora, retórica y crítica francesa de finales de la Edad Media, escribió El Libro de la ciudad de las damas en 1405, un texto sobre una ciudad alegórica en la que las mujeres independientes vivían libres de la calumnia de los hombres. En su trabajo incluyó mujeres artistas reales, como Anastasia, que fue considerada una de las mejores iluminadoras parisinas, aunque ninguna de sus obras ha sobrevivido. Otros textos humanistas llevaron a una mayor educación para las mujeres italianas.

  El más notable de ellos fue Il Cortegiano o el cortesano del humanista italiano del siglo XVI Baldassare Castiglione., Esta obra enormemente popular afirmaba que los hombres y las mujeres debían ser educados en las artes sociales. Su influencia hizo aceptable que las mujeres participaran en las artes visuales, musicales y literarias. Gracias a Castiglione, este fue el primer período de la historia del renacimiento en el que las mujeres nobles pudieron estudiar pintura. Sofonisba Anguissola fue el más exitoso de estos aristócratas menores que primero se beneficiaron de la educación humanista y luego pasaron a ser reconocidos como pintores. Anguissola, nacida en Cremona, fue pionera y modelo para futuras generaciones de mujeres artistas., Las artistas que no eran mujeres nobles también se vieron afectadas por el aumento del humanismo. Además de la temática convencional, artistas como Lavinia Fontana y Caterina van Hemessen comenzaron a retratarse a sí mismos en autorretratos, no solo como pintores, sino también como músicos y académicos, destacando así su educación integral. Fontana se benefició de las actitudes iluminadas en su ciudad natal, Bolonia, donde la universidad había admitido mujeres estudiosas desde la Edad Media. Junto con el aumento del humanismo, hubo un cambio de artesanos a artistas., Los artistas, A diferencia de los artesanos anteriores, ahora se esperaba que tuvieran conocimiento de la perspectiva, las matemáticas, el arte antiguo y el estudio del cuerpo humano. A finales del Renacimiento, la formación de los artistas comenzó a pasar del taller del maestro a la Academia, y las mujeres comenzaron una larga lucha, no resuelta hasta finales del siglo XIX, para obtener el pleno acceso a esta formación. El estudio del cuerpo humano requería trabajar a partir de desnudos masculinos y cadáveres. Esto se consideró un fondo esencial para crear escenas de grupo realistas., A las mujeres generalmente se les prohibía el entrenamiento con desnudos masculinos, y por lo tanto se les impedía crear tales escenas. Tales representaciones de desnudos fueron requeridas para las composiciones religiosas a gran escala, que recibieron los encargos más prestigiosos.

  aunque muchas mujeres aristocráticas tenían acceso a cierta formación en arte, aunque sin el beneficio de dibujar figuras de modelos masculinos desnudos, la mayoría de esas mujeres optaron por el matrimonio en lugar de una carrera en el arte. Así ocurrió, por ejemplo, con Dos Hermanas de Sofonisba Anguissola., Las mujeres reconocidas como artistas en este período eran monjas o hijos de pintores. De los pocos que surgieron como artistas italianos en el siglo XV, los conocidos hoy en día están asociados con los conventos. Estas artistas que fueron monjas incluyen Caterina dei Virgi, Antonia Uccello y Suor Barbara Ragnoni. Durante los siglos XV y XVI, la gran mayoría de las mujeres que obtuvieron un mínimo de éxito como artistas fueron hijos de pintores. Esto es probable porque pudieron obtener capacitación en los talleres de sus padres., Ejemplos de mujeres artistas que fueron formadas por sus padres incluyen la pintora Lavinia Fontana, la retratista en miniatura Levina Teerlinc y la retratista Caterina van Hemessen. Las mujeres artistas italianas durante este período, Incluso las entrenadas por su familia, parecen algo inusuales. Sin embargo, en ciertas partes de Europa, particularmente en el norte de Francia y Flandes, era más común que los niños de ambos sexos entraran en la profesión de su padre. De hecho, en los Países Bajos donde las mujeres tenían más libertad, había una serie de artistas del Renacimiento que eran mujeres., Por ejemplo, los registros del Gremio de San Lucas en Brujas muestran no solo que admiten mujeres como miembros practicantes, sino también que en la década de 1480 el veinticinco por ciento de sus miembros eran mujeres (muchos probablemente trabajando como iluminadores de manuscritos).

  Nelli’s Last SupperEdit

  la última cena, un óleo sobre lienzo de 7×2 metros, conservado en la Basílica de Santa Maria Novella, es la única obra firmada de Plautilla Nelli que se conoce que sobrevive.,

  un frágil rollo de lona de 22 pies recientemente redescubierto en Florencia ha resultado ser un tesoro excepcional. Pero para las acciones innovadoras de la filántropa estadounidense Jane Fortune (fallecida en 2018) y la autora con sede en Florencia, Linda Falcone y su organización, Advancing Women Artists Foundation, el rollo podría haber acumulado más polvo. Cuatro años de minuciosa restauración por un equipo dirigido por mujeres, revela la brillantez de la autodidacta del siglo 16, suor Plautilla Nelli, una monja, y única mujer renacentista conocida por haber pintado La Última Cena., La obra se exhibió en el Museo Santa Maria Novella de Florencia en octubre de 2019. A principios de 2020, AWA ha patrocinado la restauración de 67 obras de artistas femeninas, desenterradas en colecciones Florentinas.

  Barroco eraEdit

  Louise Moillon, El Vendedor de Frutas, 1631, Louvre

  • Artemisia Gentileschi, autorretrato como un Laúd Jugador, c., 1615–17, Curtis Galleries, Minneapolis

  • Josefa de Ayala (Josefa de Óbidos), Still-life, c., 1679, Santarém, Biblioteca Municipal

  • Giovanna Garzoni, bodegón con plato de Citrons, 1640, témpera sobre papel, Museo Getty, Pacific Palisades, en Los Ángeles, California

  • Rachel Ruysch, Todavía Vida con Ramo de Flores y Ciruelas, óleo sobre lienzo, museo Real de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas

  • Mary Beale, Auto-retrato, c.,ra include: Mary Beale, Élisabeth Sophie Chéron, Maria Theresa van Thielen, Katharina Pepijn, Catharina Peeters, Johanna Vergouwen, Michaelina Wautier, Isabel de Cisneros, Giovanna Garzoni Artemisia Gentileschi, Judith Leyster, Maria Sibylla Merian, Louise Moillon, Josefa de Ayala mejor conocida como Josefa de Óbidos, Maria van Oosterwijk, Magdalena de Passe, Clara Peeters, Maria Virginia Borghese (hija del coleccionista de arte Olimpia Aldobrandini), Luisa Roldán conocida como La Roldana, Rachel Ruysch, Maria Theresa van Thielen, Anna Maria van Thielen, Françoise-Catherina van Thielen y Elisabetta Sirani., Al igual que en el período renacentista, muchas mujeres entre los artistas barrocos provenían de familias de artistas. Artemisia Gentileschi es un ejemplo de esto. Fue entrenada por su padre, Orazio Gentileschi, y trabajó junto a él en muchos de sus encargos. Luisa Roldán se formó en el taller de escultura de su padre (Pedro Roldán).

    Las Mujeres Artistas en este período comenzaron a cambiar la forma en que las mujeres eran representadas en el arte. Muchas de las mujeres que trabajaban como artistas en la era barroca no eran capaces de entrenar a partir de modelos desnudos, que siempre eran masculinos, pero estaban muy familiarizadas con el cuerpo femenino., Mujeres como Elisabetta Sirani crearon imágenes de mujeres como seres conscientes en lugar de musas desapegadas. Uno de los mejores ejemplos de esta expresión de la novela está en Judith Decapitación Holofernes de Artemisia Gentileschi, en la que Judith es representada como una mujer fuerte determinando y vengando su propio destino. Letizia Treves, comisaria de la exposición Gentileschi 2020 de la National Gallery de Londres, ha comentado: «no se puede ver sin pensar en Tassi violando a Gentileschi.»Los elementos del cuadro están» equilibrados con tal habilidad que hablan de un pintor que priorizó el virtuosismo sobre la pasión., Mientras que otros artistas, incluyendo Botticelli y la mujer más tradicional, Fede Galizia, representaron la misma escena con una Judith pasiva, en su tratamiento de Novela, Judith de Gentileschi parece ser un actor capaz en la tarea en cuestión. La acción es la esencia de ella y otra pintura suya de Judith saliendo de la escena. La naturaleza muerta surgió como un género importante alrededor de 1600, particularmente en los Países Bajos. Las mujeres estaban a la vanguardia de esta tendencia pictórica. Este género era particularmente adecuado para las mujeres, ya que podían acceder fácilmente a los materiales para la naturaleza muerta., En el norte, estos practicantes incluyeron a Clara Peeters, una pintora de banketje o piezas de desayuno, y escenas de artículos de lujo arreglados; Maria van Oosterwijk, la pintora de flores de renombre internacional; y Rachel Ruysch, una pintora de arreglos florales visualmente cargados. En otras regiones, la naturaleza muerta era menos común, pero había mujeres importantes artistas en el género, como Giovanna Garzoni, que creó arreglos vegetales realistas en pergamino, y Louise Moillon, cuyas pinturas de naturaleza muerta de frutas se destacaron por sus colores brillantes.,6e0240e»>

    Angelica Kauffman, Literature and Painting, 1782, Kenwood House

  Anne Vallayer-Coster, Attributes of Music, 1770

  Marie-Gabrielle Capet, Self-portrait, 1783

  Ignacy Potocki by Anna Rajecka, 1784

  • Elisabeth Vigee-Le Brun (1755–1842), Self-portrait, c., 1780s, one of many she painted for sale

  • Rosalba Carriera (1675–1757), Self-portrait, 1715

  • Ulrika Pasch, Self portrait, c., 1770

  • Anna Dorothea Therbusch, Self-portrait, 1777

  • Adélaïde Labille-Guiard, Self-portrait with two pupils, Marie-Gabrielle Capet and Marie-Marguerite Carreaux de Rosemond 1785, Metropolitan Museum of Art

  • Marguerite Gérard, First steps, oil on canvas, 45.5 x 55 cm, c., 1788

  Los Artistas de este período Incluyen a Rosalba Carriera, Maria Cosway, Marguerite Gérard, Angelica Kauffman, Adélaïde Labille-Guiard, Giulia Lama, Mary Moser, Ulrika Pasch, Adèle Romany, Anna Dorothea Therbusch, Anne Vallayer-Coster, Elisabeth Vigée-Le Brun, Marie-Guillemine Benoist y Anna Rajecka, también conocida como Madame Gault de Saint-Germain.

  en muchos países de Europa, las Academias eran los árbitros del estilo. Las Academias también se encargaban de la formación de artistas, la exhibición de obras de arte y, inadvertidamente o no, la promoción de la venta de arte., La mayoría de las Academias no están abiertas a las mujeres. En Francia, por ejemplo, la poderosa Academia de París tenía 450 miembros entre el siglo XVII y la Revolución francesa, y solo quince eran mujeres. De ellas, la mayoría eran hijas o esposas de miembros. A finales del siglo 18, La Academia Francesa decidió no admitir a ninguna mujer en absoluto. El pináculo de la pintura durante el período fue la pintura de historia, especialmente composiciones a gran escala con grupos de figuras que representan situaciones históricas o míticas., En preparación para crear tales pinturas, los artistas estudiaron moldes de esculturas antiguas y dibujaron de desnudos masculinos. Las mujeres tenían acceso limitado o nulo a este aprendizaje académico, y como tal no existen pinturas históricas a gran escala de mujeres de este período. Algunas mujeres se hicieron un nombre en otros géneros como el retrato. Elisabeth Vigee-Lebrun utilizó su experiencia en el retrato para crear una escena alegórica, Peace Bringing Back Plenty, que clasificó como pintura de historia y utilizó como su base para la admisión en la Academia., Después de la exhibición de su trabajo, se le exigió que asistiera a clases formales, o perdería su licencia para pintar. Se convirtió en una Favorita de la corte y en una celebridad, que pintó más de cuarenta autorretratos, que pudo vender.

  en Inglaterra, dos mujeres, Angelica Kauffman y Mary Moser, fueron miembros fundadores de la Royal Academy of Arts en Londres en 1768. Kauffmann ayudó a Maria Cosway a entrar en la Academia., Aunque Cosway ganó éxito como pintora de escenas mitológicas, ambas mujeres permanecieron en una posición algo ambivalente en la Real Academia, como lo demuestra el retrato de grupo de los académicos de la Real Academia por Johan Zoffany ahora en la Colección Real. En él, solo los hombres de la Academia se reúnen en un gran estudio de artistas, junto con modelos masculinos desnudos. Por razones de decoro dadas las modelos desnudas, las dos mujeres no se muestran como presentes, sino como retratos en la pared., El énfasis en el arte académico en los estudios del desnudo durante el entrenamiento siguió siendo una barrera considerable para las mujeres que estudiaban arte hasta el siglo XX, tanto en términos de acceso real a las clases como en términos de actitudes familiares y sociales para que las mujeres de clase media se convirtieran en artistas. Después de estos tres, ninguna mujer se convirtió en miembro de pleno derecho de la Academia hasta Laura Knight en 1936, y las mujeres no fueron admitidas en las escuelas de la Academia hasta 1861. A finales del siglo XVIII, hubo importantes avances para las artistas que eran mujeres., En París, el salón, la exposición de obras fundada por la Academia, se abrió a los pintores no académicos en 1791, lo que permitió a las mujeres mostrar su trabajo en la prestigiosa exposición anual. Además, las mujeres eran más frecuentemente aceptadas como estudiantes por artistas famosos como Jacques-Louis David y Jean-Baptiste Greuze.