Lichtenstein verließ New York, um an der Ohio State University zu studieren, die Studiokurse und einen Abschluss in bildender Kunst anbot. Sein Studium wurde durch einen dreijährigen Aufenthalt in der Armee während und nach dem Zweiten Weltkrieg zwischen 1943 und 1946 unterbrochen. Nachdem er an Schulungsprogrammen für Sprachen, Ingenieurwesen und Pilotenausbildung teilgenommen hatte, die alle abgesagt wurden, diente er als Geordneter, Zeichner und Künstler.,

Lichtenstein kehrte nach Hause zurück, um seinen sterbenden Vater zu besuchen und wurde mit der Berechtigung zum G. I. Bill aus der Armee entlassen. Er kehrte unter der Aufsicht eines seiner Lehrer, Hoyt L. Sherman, nach Ohio zurück, von dem allgemein angenommen wird, dass er einen erheblichen Einfluss auf seine zukünftige Arbeit hatte (Lichtenstein nannte später ein neues Studio, das er an der OSU finanzierte, als Hoyt L. Sherman Studio Art Center).

Lichtenstein trat in das Graduiertenprogramm des Ohio State ein und wurde als Kunstlehrer eingestellt, einen Posten, den er für die nächsten zehn Jahre innehatte., 1949 erhielt Lichtenstein einen Master of Fine Arts an der Ohio State University.

1951 hatte Lichtenstein seine erste Einzelausstellung in der Carlebach Gallery in New York.Im selben Jahr zog er nach Cleveland, wo er sechs Jahre blieb, obwohl er häufig nach New York zurückreiste. Während dieser Zeit übernahm er zwischen Malperioden so unterschiedliche Aufgaben wie Zeichner und Fensterdekorateur. Seine Arbeit schwankte zu dieser Zeit zwischen Kubismus und Expressionismus. 1954 wurde sein erster Sohn David Hoyt Lichtenstein, heute Songwriter, geboren., Sein zweiter Sohn, Mitchell Lichtenstein, wurde 1956 geboren.

1957 zog er zurück nach New York und begann wieder zu unterrichten. Zu dieser Zeit nahm er den Stil des abstrakten Expressionismus an und konvertierte spät zu diesem Malstil. Lichtenstein begann 1958 an der State University of New York in Oswego zu unterrichten. Über diese Zeit begann er, versteckte Bilder von Zeichentrickfiguren wie Mickey Mouse und Bugs Bunny in seine abstrakten Werke zu integrieren.,

Aufstieg zur Bekanntheit

1960 begann er an der Rutgers University zu unterrichten, wo er stark von Allan Kaprow beeinflusst wurde, der auch Lehrer an der Universität war. Dieses Umfeld half, sein Interesse an Proto-Pop zu wecken imagery.In 1961 begann Lichtenstein seine ersten Pop-Gemälde mit Comic-Bildern und Techniken aus dem Erscheinen des kommerziellen Drucks abgeleitet. Diese Phase würde sich fortsetzen und beinhaltete die Verwendung von Werbebildern, die auf Konsumismus und Hausfrauen hindeuteten.,Seine erste Arbeit, die den großflächigen Einsatz von hartkantigen Figuren und Ben-Day-Punkten zeigte, war Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, DC). Dieses Stück kam von einer Herausforderung von einem seiner Söhne, der auf ein Mickey Mouse Comic-Buch zeigte und sagte; “ Ich wette, du kannst nicht so gut malen, eh, Dad?“Im selben Jahr produzierte er sechs weitere Werke mit erkennbaren Charakteren aus Gummiverpackungen und Cartoons.

1961 begann Leo Castelli, Lichtensteins Werke in seiner Galerie in New York auszustellen., Lichtenstein hatte 1962 seine erste Ein-Mann-Ausstellung in der Castelli Gallery; Die gesamte Sammlung wurde von einflussreichen Sammlern gekauft, bevor die Show überhaupt eröffnet wurde. Eine Gruppe von Gemälden, die zwischen 1961 und 1962 produziert wurden, konzentrierte sich auf einsame Haushaltsgegenstände wie Turnschuhe, Hot Dogs und Golfbälle. Im September 1963 verabschiedete er sich von seinem Lehrauftrag am Douglass College in Rutgers.,

Seine Werke waren inspiriert von Comics mit Kriegs-und Romantikgeschichten“ Zu dieser Zeit“, erzählte Lichtenstein später,“interessierte ich mich für alles, was ich als emotional starkes Thema verwenden konnte – normalerweise Liebe, Krieg oder etwas, das hoch aufgeladen war und emotionales Thema, das den entfernten und bewussten Maltechniken entgegengesetzt war“.

Zeit des Lichtensteins höchsten Profil

wurde Lichtenstein zu dieser Zeit nicht nur in Amerika, sondern weltweit berühmt. Er zog zurück nach New York, um im Zentrum der Kunstszene zu stehen, und trat 1964 von der Rutgers University zurück, um sich auf seine Malerei zu konzentrieren. Lichtenstein verwendete Öl und Magna (frühe Acrylfarbe) in seinen bekanntesten Werken, wie Drowning Girl (1963), das aus der Hauptgeschichte in DC Comics‘ Secret Hearts No. 83 angeeignet wurde. (Ertrinken Mädchen hängt jetzt im Museum of Modern Art, New York.,) Ertrinken Mädchen verfügt auch über dicke Umrisse, kräftige Farben und Ben-Day Punkte, als ob durch fotografische Reproduktion erstellt. Von seiner eigenen Arbeit würde Lichtenstein sagen, dass die abstrakten Expressionisten „die Dinge auf die Leinwand legten und auf das reagierten, was sie getan hatten, auf die Farbpositionen und-größen. Mein Stil sieht ganz anders aus, aber die Art, Linien zu setzen, ist ziemlich die gleiche; meine kommen einfach nicht kalligraphisch aus, wie Pollocks oder Kline. “

Anstatt zu versuchen, seine Motive zu reproduzieren, griff Lichtensteins Arbeit die Art und Weise an, wie die Massenmedien sie darstellen., Er würde sich jedoch nie zu ernst nehmen und sagen: „Ich denke, meine Arbeit unterscheidet sich von Comic – Strips-aber ich würde es nicht Transformation nennen; Ich glaube nicht, dass das, was damit gemeint ist, für die Kunst wichtig ist.“Als Lichtensteins Werk zum ersten Mal ausgestellt wurde, stellten viele Kunstkritiker der damaligen Zeit seine Originalität in Frage. Seine Arbeit wurde hart als vulgär und leer kritisiert. Der Titel eines Life-Magazins-Artikels im Jahr 1964 fragte: „Ist er der schlechteste Künstler in den USA?,“Lichtenstein reagierte auf solche Behauptungen mit Antworten wie: „Je näher meine Arbeit dem Original kommt, desto bedrohlicher und kritischer ist der Inhalt. Meine Arbeit ist jedoch insofern völlig verändert, als mein Zweck und meine Wahrnehmung völlig anders sind. Ich denke, meine Bilder sind kritisch transformiert, aber es wäre schwierig, dies durch eine rationale Argumentationslinie zu beweisen.“Er diskutierte diese schwere Kritik in einem Interview mit April Bernard und Mimi Thompson in 1986., Was darauf hindeutet, dass es manchmal schwierig war, kritisiert zu werden, sagte Lichtenstein: „Ich bezweifle nicht, wann ich tatsächlich male, es ist die Kritik, die dich wundert, es tut es.“

Sein berühmtestes Bild ist wohl Whaam! (1963, Tate Modern, London), eines der frühesten bekannten Beispiele der Pop-Art, adaptiert von einem Comic-Panel von Irv Novick in einer 1962-Ausgabe von DC Comics‘ All-American Men of War. Das Gemälde zeigt ein Kampfflugzeug, das eine Rakete in ein feindliches Flugzeug mit einer rot-gelben Explosion abfeuert. Der Cartoon-Stil wird durch die Verwendung des onomatopoeic Schriftzugs „Whaam!,“und die boxed caption“ Ich drückte die Feuerwache … und vor mir loderten Raketen durch den Himmel …“Das Diptychon ist große in Skala, Messen 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). Whaam folgt den Comic – basierten Themen einiger seiner früheren Gemälde und ist Teil einer Reihe von Kriegsthemen, die zwischen 1962 und 1964 entstanden sind. Es ist eines seiner beiden bemerkenswerten großen Kriegsmalereien. Es wurde 1966 von der Tate Gallery gekauft, nachdem es 1963 in der Leo Castelli Gallery ausgestellt worden war, und ist seitdem (jetzt in der Tate Modern) in ihrer Sammlung geblieben., 1968 erwarb der Darmstädter Unternehmer Karl Ströher mehrere bedeutende Werke Lichtensteins, darunter „Nurse“ (1964), “ I „(1964), „We rose up slowly“ (1964) und „Yellow and Green Brushstrikes“ (1966). Nach mehrjähriger Leiharbeit am Hessischen Landesmuseum Darmstadt konnte der Gründungsdirektor des Museums für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, 1981 insgesamt 87 Werke aus der Sammlung Ströher erwerben, hauptsächlich amerikanische Pop Art und Minimal Art für das bis 1991 im Bau befindliche Museum.,

Lichtenstein begann um 1964 mit dem Experimentieren mit Skulpturen und demonstrierte ein Händchen für die Form, die im Widerspruch zur beharrlichen Ebenheit seiner Gemälde stand. Für Head of Girl (1964) und Head with Red Shadow (1965) arbeitete er mit einem Keramiker zusammen, der die Form des Kopfes aus Ton formte. Lichtenstein wandte dann eine Glasur an, um die gleichen grafischen Motive zu erzeugen, die er in seinen Gemälden verwendete; Das Auftragen von schwarzen Linien und Ben-Day-Punkten auf dreidimensionale Objekte führte zu einer Abflachung der Form.,

Die meisten der bekanntesten Werke Lichtensteins sind relativ nahe, aber nicht genau, Kopien von Comic-Tafeln, ein Thema, das er weitgehend im Jahr 1965 aufgegeben, obwohl er gelegentlich Comics in seine Arbeit auf unterschiedliche Weise in späteren Jahrzehnten integrieren würde. Diese Tafeln wurden ursprünglich von Comiczeichnern wie Jack Kirby und den DC-Comiczeichnern Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick und Jerry Grandenetti gezeichnet, die selten Anerkennung erhielten., Jack Cowart, Exekutivdirektor der Lichtenstein Foundation, bestreitet die Vorstellung, dass Lichtenstein ein Kopist war, und sagte: „Roys Arbeit war ein Wunder der grafischen Formeln und der Kodifizierung der Gefühle, die von anderen ausgearbeitet worden waren. Die Platten wurden geändert, Skala, Farbe, Behandlung und in Ihren Folgen. Es gibt keine genaue Kopie.,“Einige waren jedoch kritisch gegenüber Lichtensteins Verwendung von Comic-Bildern und Kunstwerken, insbesondere insofern, als diese Verwendung als Befürwortung einer bevormundenden Sichtweise auf Comics durch den Kunstmainststream angesehen wurde; Karikaturist Art Spiegelman kommentierte, dass“ Lichtenstein nicht mehr oder weniger für Comics getan hat als Andy Warhol für Comics.“

Lichtensteins Arbeiten, die auf vergrößerten Tafeln aus Comics basieren, lösten eine breite Debatte über ihre Verdienste als Kunst aus. Lichtenstein selbst gab zu: „Ich kopiere nominell, aber ich stelle das kopierte Ding wirklich anders wieder her., Dabei erhält das Original eine völlig andere Textur. Es sind keine dicken oder dünnen Pinselstriche, es sind Punkte und flache Farben und unnachgiebige Linien.“Eddie Campbell bloggte, dass“ Lichtenstein nahm ein winziges Bild, kleiner als die Handfläche, in vier Farbtinten auf Zeitungspapier gedruckt und blies es bis zu der herkömmlichen Größe, bei der ‚Kunst‘ gemacht und ausgestellt und fertig es in Farbe auf Leinwand.“In Bezug auf Lichtenstein sagte Bill Griffith einmal:“ Es gibt hohe Kunst und es gibt niedrige Kunst., Und dann gibt es hohe Kunst, die niedrige Kunst annehmen, in einen hohen Kunstkontext bringen, sie aneignen und zu etwas anderem erheben kann.“

Obwohl Lichtensteins Comic-basierte Arbeit eine gewisse Akzeptanz erlangte, werden Bedenken immer noch von Kritikern geäußert, die sagen, dass Lichtenstein den ursprünglichen Künstlern oder Urheberrechtsinhabern keine Lizenzgebühren gutgeschrieben, gezahlt oder die Erlaubnis eingeholt hat. In einem Interview für einen BBC Four-Dokumentarfilm im Jahr 2013 fragte Alastair Sooke den Comiczeichner Dave Gibbons, ob er Lichtenstein für einen Plagiaristen halte. Gibbons antwortete: „Ich würde ‚Nachahmer‘ sagen., In der Musik zum Beispiel, Sie können nicht einfach jemand anderes Melodie pfeifen oder jemand anderes Melodie durchführen, egal wie schlecht, ohne irgendwie anrechnen und die Zahlung an den ursprünglichen Künstler geben. Das heißt, das ist ‚ WHAAM! von Roy Lichtenstein, nach Irv Novick‘.“Sooke selbst behauptet, dass“ Lichtenstein Novicks Kunstwerk auf subtile, aber entscheidende Weise verändert hat.,original Schöpfer seiner Comic-Werke war eine Reflexion über die Entscheidung von National Periodical Publications, der Vorgänger von DC Comics, jede Anerkennung für ihre Autoren und Künstler zu unterlassen:

Neben der Verkörperung der kulturellen Vorurteile gegen Comic-Bücher als Vehikel der Kunst, Beispiele wie Lichtensteins Aneignung des Vokabulars der Comics unterstreichen die Bedeutung der Veröffentlichung Format in Betracht bei der Definition von Comics, sowie die politische Ökonomie impliziert durch bestimmte Arten von historischen Publikationen, in diesem Fall der amerikanischen Mainstream-Comic., Inwieweit war National Periodical Publications (später DC) für die Ablehnung der Rollen von Kanigher und Novick als eigenständige Künstler verantwortlich, indem sie ihnen nicht die volle autorliche Anerkennung für die Veröffentlichung selbst gewährten?“

Außerdem stellt Campbell fest, dass es eine Zeit gab, in der Comiczeichner die Zuschreibung für ihre Arbeit oft ablehnten.,

In einem 1998 veröffentlichten Bericht sagte Novick, er habe Lichtenstein 1947 in der Armee getroffen und als sein Vorgesetzter auf Lichtensteins tränenreiche Beschwerden über die ihm übertragenen Aufgaben reagiert, indem er ihm einen besseren Job empfohlen habe. Jean-Paul Gabilliet hat diesen Bericht in Frage gestellt und gesagt, dass Lichtenstein die Armee ein Jahr vor dem Zeitpunkt verlassen hatte, als Novick sagte, der Vorfall habe stattgefunden. Bart Beaty bemerkte, dass Lichtenstein Novick für Werke wie Whaam angeeignet hatte! und Okay, Hot-Shot, Okay!,, sagt, dass Novicks Geschichte“ ein Versuch zu sein scheint, den berühmteren Künstler persönlich zu verringern“.

1966 wandte sich Lichtenstein von seinen viel beachteten Bildern der frühen 1960er Jahre ab und begann seine Serie Moderner Gemälde mit über 60 Gemälden und begleitenden Zeichnungen. Mit seinen charakteristischen Ben-Day-Punkten und geometrischen Formen und Linien machte er unpassende, herausfordernde Bilder aus vertrauten architektonischen Strukturen,Mustern aus Art Déco und anderen subtil evokativen, oft sequentiellen Motiven., Die moderne Skulpturenserie von 1967-8 bezog sich auf Motive aus der Art Déco Architektur.

Später arbeiten

In den frühen 1960er Jahren, Lichtenstein reproduziert die Meisterwerke von Cézanne, Mondrian und Picasso bevor Sie sich auf die Pinsel-Serie in 1965., Lichtenstein setzte dieses Thema später in seiner Karriere mit Werken wie Bedroom at Arles, die aus Vincent van Goghs Schlafzimmer in Arles stammten, fort.

1970 wurde Lichtenstein vom Los Angeles County Museum of Art (im Rahmen seines zwischen 1967 und 1971 entwickelten Kunst-und Technologieprogramms) beauftragt, einen Film zu drehen. Mit Hilfe der Universal Film Studios konzipierte und produzierte der Künstler Drei Landschaften, einen Film über Meereslandschaften, der in direktem Zusammenhang mit einer Reihe von Collagen mit Landschaftsthemen stand, die er zwischen 1964 und 1966 schuf., Obwohl Lichtenstein geplant hatte, 15 Kurzfilme zu produzieren, entpuppte sich die dreiteilige Installation, die mit dem in New York ansässigen unabhängigen Filmemacher Joel Freedman entstand,als das einzige Wagnis des Künstlers in das Medium.

Auch 1970 erwarb Lichtenstein ein ehemaliges Carriage House in Southampton, Long Island, baute ein Studio auf dem Grundstück und verbrachte den Rest der 1970er Jahre in relativer Abgeschiedenheit. In den 1970er und 1980er Jahren begann sich sein Stil zu lockern und er erweiterte, was er zuvor getan hatte. Lichtenstein begann 1969 mit einer Serie von Spiegelbildern., 1970 begann er, während er die Mirrors-Serie fortsetzte, mit der Arbeit zum Thema Entablatures. Die Entablatures bestanden aus einer ersten Serie von Gemälden von 1971 bis 1972, gefolgt von einer zweiten Serie in 1974-76 und der Veröffentlichung einer Reihe von Reliefdrucken in 1976. Er produzierte eine Reihe von „Artists Studios“, die Elemente seiner früheren Arbeit enthielten. Ein bemerkenswertes Beispiel ist Artist ‚ s Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis), beinhaltet fünf andere frühere Werke, eingebaut in die Szene.,

Während einer Reise nach Los Angeles im Jahr 1978 war Lichtenstein fasziniert von Robert Rifkinds Sammlung deutscher expressionistischer Drucke und illustrierter Bücher. Er begann, Werke zu produzieren, die Stilelemente aus expressionistischen Gemälden entlehnten. Der Weiße Baum (1980) erinnert an Lyrik Der Blauen Reiter Landschaften, während Dr. Waldmann (1980) an Otto Dix Dr. Mayer-Hermann (1926) erinnert. Kleine Buntstiftzeichnungen wurden als Vorlagen für Holzschnitte verwendet, ein Medium, das von Emil Nolde und Max Pechstein sowie Dix und Ernst Ludwig Kirchner bevorzugt wurde., Auch in den späten 1970er Jahren wurde Lichtensteins Stil durch surrealere Werke wie Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen) ersetzt. Eine große Serie von surrealistischen Pop-Gemälden von 1979 bis 1981 basiert auf Themen der amerikanischen Ureinwohner. Diese Arbeiten reichen von Amerind Figure (1981), einer stilisierten lebensgroßen Skulptur, die an einen stromlinienförmigen Totempfahl in schwarz patinierter Bronze erinnert, bis hin zum monumentalen Wollteppich Amerind Landscape (1979)., Die“ indischen “ Werke nahmen ihre Themen, wie auch die anderen Teile der surrealistischen Serie, aus zeitgenössischer Kunst und anderen Quellen auf, darunter Bücher über indisches Design aus Lichtensteins kleiner Bibliothek.

Lichtensteins Stillleben Gemälde, Skulpturen und Zeichnungen, die sich von 1972 bis Anfang der 1980er Jahre erstrecken, decken eine Vielzahl von Motiven und Themen ab, darunter die traditionellsten wie Obst, Blumen und Vasen. 1983 machte Lichtenstein zwei Anti-Apartheid-Plakate mit dem Titel „Against Apartheid“., In seiner zwischen 1988 und 1990 produzierten Reflexionsreihe verwendete Lichtenstein eigene Motive aus früheren Arbeiten. Interiors (1991-1992) ist eine Reihe von Werken, die banale häusliche Umgebungen darstellen, die von Möbeln inspiriert sind, die der Künstler in Telefonbüchern oder auf Werbetafeln gefunden hat., Inspiriert von den monochromatischen Drucken von Edgar Degas, die 1994 in einer Ausstellung im Metropolitan Museum of Art in New York zu sehen waren, werden die Motive seiner Landschaften in der chinesischen Stilserie mit simulierten Benday-Punkten und Blockkonturen geformt, die in harten, lebendigen Farben wiedergegeben werden, wobei alle Spuren der Hand entfernt werden. Der Akt ist ein wiederkehrendes Element in Lichtensteins Arbeit der 1990er Jahre, wie in Collage für Akt mit rotem Hemd (1995).

Neben Gemälden und Skulpturen fertigte Lichtenstein auch über 300 Drucke, meist im Siebdruck.,

Gruppe 5 Racing Version von BMW 320i, gemalt in 1977 durch Roy Lichtenstein

In 1989, Lichtenstein erstellt eine riesige zwei-panel wandbild vor allem für die Tel Aviv Museum of Art

1969 wurde Lichtenstein von Gunter Sachs beauftragt, Komposition und Leda und der Schwan für die Pop-Art-Schlafzimmersuite des Sammlers im Palace Hotel in St. Moritz zu kreieren., In den späten 1970er und 1980er Jahren erhielt Lichtenstein große Aufträge für Arbeiten an öffentlichen Orten: the Sculptures Lamp (1978) in St. Mary ‚ s, Georgia; Mermaid (1979) in Miami Beach; die 26 Fuß hohen Pinselstriche im Flug (1984, bewegt 1998) am internationalen Flughafen Port Columbus; das fünfstöckige hohe Wandbild mit blauem Pinselstrich (1984-85) im Equitable Center, New York; und El Cap de Barcelona (1992) in Barcelona. Im Jahr 1994 schuf Lichtenstein das 53 Fuß lange, Emaille-auf-Metall-Wandbild Times Square in der U-Bahn-Station Times Square., 1977 wurde er von BMW beauftragt, eine Rennversion des BMW 320i der Gruppe 5 für den dritten Teil des BMW Art Car Project zu malen. Das DreamWorks Records Logo war sein letztes abgeschlossenes Projekt. „Ich bin nicht im Geschäft, so etwas zu tun (ein Firmenlogo) und beabsichtige nicht, es noch einmal zu tun“, erlaubt Lichtenstein. „Aber ich kenne Mo Ostin und David Geffen und es schien interessant.“

Anerkennung

• 1977 Skowhegan Medaille für Malerei, Skowhegan Schule, Skowhegan, Maine.
• 1979 American Academy of Arts and Letters, New York.,
• 1989 American Academy in Rome, Rom, Italien. Artist-in-residence.
• 1991-Creative Arts Award in der Malerei, Brandeis University, Waltham, Massachusetts, USA.
• 1993 Amici de Barcelona, von Bürgermeister Pasqual ‚ Maragall, L’Alcalde de Barcelona.
• 1995 Kyoto-Preis, Inamori Foundation, Kyoto, Japan.
• 1995 National Medal of Arts, Washington DC,

Lichtenstein erhielt zahlreiche Ehrendoktorwürde u.a. von der George Washington University (1996), dem Bard College, dem Royal College of Art (1993), der Ohio State University (1987), dem Southampton College (1980) und dem California Institute of the Arts (1977). Er diente auch im Vorstand der Brooklyn Academy of Music.