Vergleichen Sie die Filme, die haben gewann das Beste Bild bei den Academy Awards, die denen, die mit nach Hause genommen Beste Original-Drehbuch, und Sie werden feststellen, dass, so oft wie nicht, der letztere ist, desto mehr beeindruckende Liste., Manchmal überschneiden sie sich, aber wenn sie es nicht tun – „Pulp Fiction“ und „Forrest Gump“, „Talk to Her“ und „Chicago“, „Melvin and Howard“ und „Ordinary People“ — fühlt es sich fast wie ein stillschweigendes Eingeständnis an, dass die Akademie dem Film einen Knochen wirft, an den man sich mehr erinnert als an den ultimativen Gewinner.

Es macht also nur Sinn, dass in dieser Kategorie eine beliebige Anzahl großartiger Filmemacher geehrt wurden, ohne jemals die beste Regie oder das beste Bild zu gewinnen: Quentin Tarantino, Sofia Coppola, Spike Jonze., Diese Wortschmiede sind es wert, gefeiert zu werden, und das sind die besten — und schlechtesten — von ihnen seit 2000.

„Crash“(2005)

Es ist wahrscheinlich wenig überraschend, dass Paul Haggis‘ Überraschungssieger für das beste Bild den letzten Platz auf dieser Liste einnimmt, da es dazu neigt, Diskussionen über die am wenigsten würdigen Oscar-Gewinner in letzter Zeit zu führen. „Brokeback Mountain“ galt als Favorit, Sein Überraschungsverlust wurde von vielen als Zeichen dafür interpretiert, dass Hollywood eher bereit war, einen Film anzunehmen, der Vorurteile verurteilt, als einen, der schwule Romantik feiert., Die Querschnittserzählung, die an einem sehr rassistischen Tag in Los Angeles stattfindet, ist tückisch und erfunden, wobei fast jede der überlappenden Geschichten so konzipiert ist, dass sie an den Herzen zieht und gleichzeitig eine schwerhändige Botschaft liefert, die sich häufig der Logik widersetzt; „Crash“ ist trotz (oder wegen) seiner Albernheit immer noch auf viszeraler Ebene wirksam, und die engagierte Ensemble-Besetzung (insbesondere Thandie Newton und Matt Dillon) macht das Beste aus dem Material., —Michael Nordine

„The King ‚ s Speech“ (2010)

Tradition herrscht in David Seidlers 2011 Gewinner, der King George (Colin Firth) und sein stotterndes Leiden geschickt als den Stoff eines großen Dramas behandelt — und für George war es sehr viel — ohne in Parodie oder melodram., Seidlers Drehbuch, das teilweise aus einer jahrelangen Besessenheit mit der Bindung zwischen dem König und dem Sprachtherapeuten Lionel Logue (Geoffrey Rush) hervorgegangen ist, ist ein Zweihänder, der ein Paar großartige Schauspieler benötigt, um jede Zeile zum Ticken zu bringen (auch diejenigen, die verständlicherweise schwer herauszukommen sind)-ist sowohl äußerst unterhaltsam als auch akribisch recherchiert. Es ist auch die Art von inspirierender Geschichte, die als kitschig oder Publikumsliebling verspottet werden kann, aber was ist daran falsch?, Seidler, ein ehemaliger Stotterer selbst, fand etwas Besonderes sowohl in dem Wunsch des Königs, es besser zu machen, als auch in dem Mann, der ihm dabei half — eine klassische Geschichte mit einigen einzigartigen Berührungen, die jeden dazu inspirieren sollten, sich zu äußern, auf welche Weise auch immer sie können. —Kate Erbland

„Gosford Park“ (2001)

„Downton Abbey“ – Schöpfer Julian Fellowes schrieb das Robert Altman Treffer, und während die gestapelten ensemble cast (Helen Mirren, Maggie Smith, Kristin Scott Thomas, Ryan Phillippe, etc.,) war auffällig genug, um den Großteil der Aufmerksamkeit zu erregen, dieses dichte, unvorhersehbare Skript war der perfekte Weg, um Fellowes‘ Karriere in die A-Liste zu bringen. Eng geschrieben mit einer cleveren Balance aus Oben-Unten-Dynamik, hochklassigem Humor und großartigen Wendungen jongliert dieses Murder Mystery mit einem riesigen Ensemble und neckt unterwegs eine ganze Reihe von Hinweisen. Das Publikum wird mitten in den Titularbereich fallen gelassen; Intrigen und Beleidigungen kommen schnell und wütend., – William Earl

„Midnight in Paris“(2011)

Es ist möglich, dass sich niemand weniger für“ Midnight in Paris “ interessierte als Woody Allen selbst, der den Preis zweimal mit nach Hause genommen hatte und nie an der Zeremonie teilnahm, aber es war ein Preis, der es wert war, gefeiert zu werden. Der finanziell erfolgreichste Film des produktiven Schriftstellers und Regisseurs, „Midnight“, war auch eine Art Comeback nach einer jahrelangen Dürre, in der“ Vicky Cristina Barcelona „und“ Match Point „Ausreißer unter Leuten wie“ Anything Else „und“ Cassandras Traum “ waren.,“Der Film ist sofort charmant in der Art und Weise, wie Allens beste Arbeit immer ist, mit Owen Wilson, der jede Nacht in die Vergangenheit reist, um Größen wie Ernest Hemingway, Pablo Picasso und Salvador Dalí zu treffen. Egal, ob Sie die 20er Jahre oder die Belle Époque besuchen, „Midnight in Paris“ verwöhnt und zeigt die Torheit des Irrtums des Goldenen Zeitalters. Die Vergangenheit ist vielleicht nicht so großartig, wie wir es uns vorstellen, aber zumindest ist dieser Film., – MN

„Little Miss Sunshine“(2006)

Es kommt nicht jedes Jahr ein Film, der so originell ist und einen doppelten Hauch von Humor und Herz verpackt, dass er aus allen Beteiligten Stars macht. Dies war der Fall bei der fröhlichen „Little Miss Sunshine“, die Abigail Breslin und Paul Dano vorstellte, Steve Carell als ernsthaften Schauspieler ankündigte, Alan Arkin seinen ersten Oscar einbrachte und die Karriere von Jonathan Dayton und Valerie Faris und Drehbuchautor Michael Arndt startete., Beweist, dass es nichts gibt, was das Publikum mehr liebt als eine dysfunktionale Familie in einem Oldtimer Volkswagen, Was an Arndts bittersüßer Ensemble-Komödie am beeindruckendsten ist, ist die Aufmerksamkeitsfigur. Es gibt keinen Dud unter den Haufen, in Bezug auf die Komplexität. Jedes Mitglied der Familie trägt seine eigenen Macken und Schmerzen gleichermaßen; Sie sind so fachmännisch gezeichnet, dass Arndt sie anscheinend nur in einen Van stecken und den Rest herausfinden ließ. Im Laufe der Generationen beleuchtet Arndt die Weisheit der Jugend, die Torheit des Alters und das Unwohlsein des Mittelalters., Im Mittelpunkt: Sehnsucht — und ein bisschen Sonnenschein. —Jude Dry

„Milk“ (2008)

„Juno“ (2007)

Diablo Cody ‚ s dialogue in „Juno“ ist so knacken Sie die Peitsche scharf und herrlich eigenwillig, dass es eine der seltenen indie-Filme, die hatten mainstream-Publikum zu zitieren für Monate., Cody ist eine unauslöschliche Heldin in Ellen Page gleichnamigen Youngster, ein motormouthed Teenager, der seine Ängste und Ängste unter einem Äußeren von alternativen sass und bissigen Comebacks versteckt. Vieles, was „Juno“ so charmant macht, ist die Art und Weise, wie der Dialog von Charakter zu Charakter fließt. Es verdankt so viel der Besonderheit von Wes Anderson wie dem jambischen Pentameter von Shakespeare., —Zack Sharf

„Birdman“(2014)

“ Birdman “ ist bekannt für seine Kinematografie, aber sein Drehbuch ist auch so etwas wie eine Betäubung in seiner Fähigkeit, eine Identitätskrise Charakterstudie mit einem satirischen Takedown des künstlerischen Ego zu verweben. Kein Wunder, dass es vier Leute brauchte, um das Drehbuch zu knacken; Regisseur Alejandro G. Iñárritu teilt Drehbuchkredite mit Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris Jr.und Armando Bo., Das Drehbuch kommt fachmännisch in den Kopf von Michael Keatons jungem Schauspieler Riggan Thomson, um zu untersuchen, wie zerbrechlich ein Mann werden muss, um von Gleichaltrigen, seinen Lieben und sich selbst „ernst genommen“ zu werden. Aber der Grund, warum das Skript erfolgreich ist, ist, dass es auch genau diese Vorstellung spießt. Gerade wenn Sie denken, dass „Birdman“ im Begriff ist, zu ernst zu werden, findet es einen Weg, Riggan an seine Stelle zu setzen und seine Notlage lächerlich selbstgesteuert erscheinen zu lassen. Es ist ein äußerst riskanter Balanceakt, der jedem Schritt des Weges gelingt., —ZS

„Django Unchained“(2012)

Das“ d “ mag schweigen, aber nichts anderes in Quentin Tarantinos Rache-Drama ist. Einer der oft umstrittensten Ausflüge des Autors, „Django Unchained“, ist nach mehreren Kennzahlen auch sein erfolgreichster: Er machte an der Abendkasse einen Umsatz von 425 Millionen US-Dollar weltweit, erhielt Kritikerlob und gewann QT seinen zweiten Oscar für das beste Originaldrehbuch., Dass dies die einzige Kategorie bleibt, in der der referenzielle Wortschmied gewonnen hat, ist ein Beweis für seine Fähigkeiten als Schreiber, einer, dessen endlos zitierbarer Dialog praktisch zu einem Genre für sich geworden ist; Hier erinnert uns Tarantino noch einmal daran, dass er, obwohl er oft nachgeahmt wird, noch repliziert werden muss. Seine liberale Verwendung dieses Wortes bleibt verständlicherweise für einige ein Deal-Breaker, und Tarantino ist nicht gerade dafür bekannt, seinen Kritikern einen Olivenzweig zu erweitern., Wenn dieser Ansatz jedoch zu einigen Versehen auf dem Weg geführt hat, hat er ihm auch geholfen, in jedem Stück ein einzigartiges Werk zu schaffen, das so bemerkenswert wie das Ganze ist. – MN

„Spotlight“(2015)

Tom McCarthy und Josh Singers“ Spotlight “ – Drehbuch ist ein Beweis für fleißigen Journalismus, der sich weigert, seine Helden zu verherrlichen oder ihre Suche nach der Wahrheit in eine ausbeuterische oder manipulative emotionale Reise zu verwandeln., Der Film erzählt von den Bemühungen von investigativen Journalisten des Boston Globe, systemischen Kindesmissbrauch in der Gegend von Boston durch zahlreiche römisch-katholische Priester aufzudecken. Singer und McCarthy Skript wird Schritt für Schritt durch den journalistischen Prozess gebaut und findet die eskalierenden Nervenkitzel in nitty gritty Forschung und Berichterstattung. Je mehr die Reporter aufdecken, desto packender wird „Spotlight“. Die Drehbuchautoren halten hier keine Hände. Sie wollen die Kraft der persönlichen Berichterstattung in einer Zeit beweisen, in der der Druck stirbt und die Digital dominiert. Mission erfüllt. —ZS

7., „Almost Famous“(2000)

Cameron Crowe hat eine Karriere aufgebaut, um sein beneidenswert faszinierendes Leben auf die Leinwand zu bringen, aber keiner seiner Filme war persönlicher als “ Almost Famous.“Crowe erfindet seine Ursprünge als Musikreporter für Rolling Stone und bringt ein erfahrenes Auge auf die Geschichte seiner Jugend, ohne die alchemistischen Eigenschaften von jugendlicher Vergötterung und erster Liebe aus den Augen zu verlieren., Babygesicht William Miller (Patrick Fugit) ist ein leicht zuordenbarer Erzähler, intelligent und süß genug, dass Sie sich fragen, ob die ganze Aufregung seine verlorene Unschuld wert ist. Es gibt keinen rotblütigen Kinogänger am Leben, der nicht von Kate Hudsons Penny Lane aufgenommen wurde, der Definition von unerreichbarem It-Girl cool. Crowe baut die Welt des Rock ’n‘ Roll der 70er Jahre so präzise und liebevoll auf, es ist einer dieser Filme, in denen du dir wünschst, du könntest eine Weile leben. Es ist unmöglich, sich nicht zu verlieben,und man vermutet, dass Crowe die gleiche Erfahrung damit hatte., —JD

„Talk to Her“(2002)

Pedro Almodóvars bester Film ist aus seinem genialsten Drehbuch geschlüpft, einem kurvigen und zarten Stück Schreiben, das eine Million verschiedene Knicke in die Küchenspüle wirft und sie zusammen in ein einzigartig florides Melodram eintauchen lässt. Almodóvar knüpft zwei senkrechte Romanzen zu einem einzigartigen Porträt von Einsamkeit und Besessenheit zusammen und verwendet alle Arten von Kunstfertigkeit, um uns in eine Geschichte einzubeziehen, die zu herzzerreißend wäre, um sich direkt zu konfrontieren., Über Rückblenden erzählt, von mehreren Komas hervorgehoben und von Matadoren über Pina Bausch bis hin zu einer massiven Pappmaché-Vagina unterbrochen, hat „Talk to Her“ genug erhöhte Absurdität, um eine ganze Saison einer Tagesseifenoper zu füllen. Und doch fokussiert jede der Exzentrizitäten des Drehbuchs das Gesamtbild neu, bis wir selbst für die gefährlichsten dieser Charaktere so viel Einfühlungsvermögen haben, dass wir nicht anders können, als die Schönheit in dem zu sehen, was sie zusammenbringt und die Tragödie in dem, was sie auseinanderhält., —David Ehrlich

„The Hurt Locker“ (2008)

Eine der denkwürdigsten Zeilen in „The Hurt Locker“ ist nie laut gesprochen: „der Krieg ist eine Droge.“Mark Boal nahm diese Beobachtung von Tara McKelvey als Inschrift zu seinem Drehbuch auf und gestaltete daraus, was viele andere vor ihm versucht hatten und versagt hatten: einen Irak-Kriegsfilm, der beim Publikum Anklang fand., Er begann auch eine fruchtbare Partnerschaft mit Kathryn Bigelow, was zu dem noch besseren „Zero Dark Thirty“ und dem diesjährigen „Detroit“ führte; Die beiden sind so aufeinander abgestimmt, dass es jetzt schwierig ist, sich vorzustellen, dass einer ohne den anderen arbeitet. Boals Bodenbild des Konflikts konzentriert sich auf die im Boden vergrabenen Bomben und die unglücklichen Seelen, die damit beauftragt sind, sie auszugraben, nämlich Jeremy Renners William James; Bei aller Spannung der weißen Knöchel findet die beste Szene des Films jedoch weit vom Schlachtfeld entfernt statt. Nachdem James als Zivilist nach Hause zurückgekehrt ist, spricht er mit seinem kleinen Sohn über Liebe., „Je älter du wirst, desto weniger Dinge, die du wirklich liebst“, sagt er, „und wenn du in mein Alter kommst, sind es vielleicht nur ein oder zwei Dinge. Bei mir, denke ich, ist es eins.“Wir wissen natürlich, wovon er spricht und warum er den Krieg nie wirklich verlassen wird., —MN

„Lost in Translation“ (2003)

Gehen Sie nicht zu Sofia Coppolas Gewinnerin von 2003, um Hinweise darauf zu erhalten, was diese berüchtigten letzten Worte sind — Bill Murray lehnte sich hin, um Scarlett Johansson ein Geheimnis zu erzählen, und ein Geheimnis soll es bleiben — wie die Filmemacherin notorisch ihren Stars sagte, sie solle das Ende improvisieren, saw fit., Die schriftliche Version — ein paar Worte „Ich werde dich vermissen“ – war in Ordnung genug, aber dass Coppola wusste, dass es besser, reicher und realer war, das Paar es selbst herausfinden zu lassen, spricht mit einer Schriftstellerin, die keine Angst hat, ihre Geschichte erzählen zu lassen, gut, seine eigene Geschichte. Sowohl Johanssons Charlotte als auch Murrays Bob Harris (Coppola, immer ein Stickler für Details, sogar auf die Tatsache, dass Bob Harris sehr viel einer dieser „immer beide Namen“ Art von Jungs ist) sind so cannily von Coppola gezeichnet, dass es scheint, als ob sie etwas improvisieren könnten und es angemessen erscheinen würde., Coppolas Drehbuch leistet ähnliche Arbeit, wenn es um die erstaunliche Komödie des Films geht, die ordentlich auf die Unbeholfenheit zurückgreift, buchstäblich in der Übersetzung verloren zu sein — sowie Alltagstraumata, die bereits auf der Seite amüsant sind, die auf der Leinwand zum Leben erweckt werden. —KE

„Her“(2013)

Wörter haben in Spike Jonzes“ Her “ eine besondere Prämie, die beide eine ganze (brave neue) Welt zusammenspinnen müssen, in der Technologie jedes Segment des Lebens berührt (mehr als es bereits tut, aber nicht zu viel) und sich gleichzeitig stark auf die Kraft sehr guter Konversation verlässt., Die skurrile Romanze ist besessen von ihnen — von den Worten, die Teddy (Joaquin Phoenix) als Teil seines Jobs schreibt, Liebesbriefe zu schreiben und Dankeskarten an die Worte, die Samantha (Scarlett Johansson) so schön sagt, dass Teddy nicht anders kann, als sich in sie zu verlieben, obwohl sie kein Mensch ist. Jonze lässt jeden zählen. Während „Sie“ baut auf, was passiert, eine seltsam traditionelle Liebesgeschichte zu sein-ernsthaft, es spielt keine Rolle, dass Samantha nur super-smart A. I.,, die Probleme, mit denen sie und Teddy konfrontiert sind, sind verblüffend relatable-die Tiefe des Gefühls und des Gefühls des wahren Weltaufbaus stellen sie einen Schnitt über andere Herzschlecker ihrer Art. —KE

„Manchester by the Sea“(2016)

Was bei der Diskussion über“ Manchester by the Sea“, einen der besten Filme des letzten Jahres und sicherlich der spannendste, oft übersehen wird, ist, wie verdammt lustig es ist., Kenneth Lonergans Drehbuch gleicht fast jede herzzerreißende Szene mit einem Moment der Leichtigkeit aus, die meisten mit freundlicher Genehmigung von Lucas Hedges (zwei Worte: „Basement Business“); Dies erweist sich als entscheidend, da der Film sonst für die meisten Menschen einfach zu traurig gewesen wäre, um durchzukommen. Jede Träne wird hier verdient, sei es durch Lachen oder (öfter) Trauer, wobei Lonergan immer wieder zeigt, dass „Du kannst auf mich zählen“ und „Margaret“ alles andere als Fluken waren., Er wird stark von seiner Besetzung unterstützt, besonders Casey Affleck und Michelle Williams, die in einer verheerenden Szene seine Worte auf eine Weise zum Leben erwecken, die sowohl schwer zu ertragen als auch unmöglich ist, sich abzuwenden. Diese Beschreibung gilt für „Manchester“ als ganzes. —MN

„Eternal Sunshine der Spotless Mind“ (2004)

Es ist kein Zufall, dass, gemeinsam, Charlie Kaufman und Michel Gondry das erfolgreichste Film der weder Ihrer Karriere. Setzen Sie zwei Visionäre zusammen, und sie sind verpflichtet, das Beste in einander zu bringen., Es ist ein zu romantisches Konzept, das Kaufman selbst entworfen hat, was die gemeinsame Geschichte mit Gondry und dem französischen Konzeptkünstler Pierre Bismuth erklärt. Trotzdem gibt es keinen Fehler Jim Carreys Joel Barish für etwas anderes als eine Kaufman-Kreation mit seinem Hangdog-Look und seiner unglücklichen Aura. Wir müssen ihm vergeben, dass er das ursprüngliche manische Pixie Dream Girl geboren hat, und außerdem hat Clementine mehr Chuzpe als ihre klobigen Nachkommen. Nachahmung mag die aufrichtigste Form der Schmeichelei sein, aber bei der Übersetzung geht immer etwas verloren., Es gibt etwas unglaublich Ansprechendes an der Hochbegabtenromantik, die Kaufmans melancholischen Surrealismus mit Gondrys wunderlicher Wärme vermischte. Es war eine perfekte Ehe, die keiner der Künstler jemals alleine replizierte. —JD