Wie kann Kunst die Bewegungen zusammen passen, und gibt es mehr als eine Geschichte?,

Als ich anfing, etwas über die Kunstgeschichte zu lernen, wollte ich vor allem eines verstehen. Ich wollte die Zeitleiste wissen. Mit anderen Worten, die große Geschichte des einen Stils-gefolgt vom nächsten: Romantik, Impressionismus, Postimpressionismus, Kubismus und so weiter.

Ich hatte das Gefühl, dass Kunstgeschichte wie ein Staffellauf von Künstlern war, die jeweils den Taktstock von einem zum anderen übergaben und eine Ursache-Wirkungs-Kette von Geschichte und Entwicklung aufbauten.,

Abgesehen davon, dass ich etwas über die-isms wissen wollte, hatte ich auch andere Fragen: Was war „Barock“ und kam es vor oder nach der Renaissance? Eigentlich, kommen Sie, um darüber nachzudenken, was war die Renaissance? Bezog sich „Klassik“ auf klassische Musik oder etwas ganz anderes? Was ist der Unterschied zwischen „moderner Kunst“ und „zeitgenössischer Kunst“?

Es hat eine Weile gedauert, bis ich verstanden habe, dass es sowohl einfache als auch komplexe Antworten auf diese Fragen gibt.

Aber das erste, was ich tat, um meine Neugier zu befriedigen, war, eine Liste von Kunstbewegungen zu finden und sie auszuschreiben, um sie in meinem Gedächtnis zu fixieren., Es ging ungefähr so:

• Mittelalterliche Kunst
• Renaissance 1300-1600
• Barock 1600-1730
• Rokoko 1720-1780
• Neoklassizismus 1750-1830
• Romantik 1780-1880
• Impressionismus 1860-1890
• Postimpressionismus 1886-1905
• Expressionismus 1905-1930
• Kubismus 1907-1914
• Futurismus 1910-1930
• Art Deco 1909-1939
• Abstrakter Expressionismus 1940er Jahre
• Zeitgenössische Kunst 1946-Gegenwart

Dies ist eine gute Liste., (Hinweis: Wenn Sie eine ausführlichere Version dieser Liste mit Beispielkünstlern und Bildern wünschen, laden Sie meine wesentlichen Stile in der westlichen Kunstgeschichte herunter.)

Ein einfaches Framework wie dieses ist unabdingbar, um sich am Anfang zurechtzufinden. Nach vielen Jahren des Nachdenkens und Nachdenkens über Kunst beziehe ich mich immer noch auf diese Liste.

Wo fangen Sie eigentlich an?

Die Wahrheit ist, niemand beginnt zu denken, über die Geschichte der Kunst, ohne Sie zuerst über einige Kunst-in den ersten Platz. Vielleicht war es ein Jackson Pollock drip painting., Vielleicht war es ein Besuch in der Sixtinischen Kapelle in Rom. Vielleicht hat dir jemand eine Postkarte mit einem Claude-Monet-Gemälde auf der Vorderseite gegeben.

– Irgendwie, irgendwo, ein Interesse entfacht wird., Ich mache diesen Punkt, weil wir alle aus einer Art Perspektive zur Kunstgeschichte kommen, und aus dieser Perspektive werden wir wahrscheinlich unsere mentale Karte davon aufbauen, wie verschiedene Kunststile und letztendlich einzelne Künstler zusammenpassen. Es ist auch, wie Vorurteile sich in unser Verständnis schleichen können, auch wenn wir es nicht so meinen. Aber machen wir uns vorerst keine Sorgen…

Eines Tages wurde mein Interesse geweckt, als mich mein Kunstlehrer in der Schule im Alter von 16 Jahren beiseite nahm und fragte, ob ich jemals von einem Maler namens Wassily Kandinsky gehört hätte. Ich hatte nie., Da meine eigenen Bilder in der Klasse anfingen, sich in Richtung Abstraktion zu bewegen (ohne dass ich es wirklich vorhatte), dachte mein Kunstlehrer, dass ich Kandinsky interessant finden könnte.

Ich nahm seinen Rat an und ging in die Schulbibliothek, wo ich ein Buch fand, das dem russischen Künstler gewidmet war. Ich hatte noch nie so etwas gesehen. Kandinsky war ein Russe, der einen Großteil seines Erwachsenenlebens in Deutschland verbrachte, wo er an der Bauhausschule für Kunst unterrichtete. Als Maler werden ihm einige der ersten rein abstrakten Werke der westlichen Kunst zugeschrieben.,

Um hier mitzuteilen, habe ich ein Stück namens Gelb-Rot-Blau gewählt, das Kandinsky 1925 malte.

Als ich mir dieses Gemälde zum ersten Mal ansah, gefiel mir besonders das große schwarze Band, das entlang der rechten Seite abfällt, wie ein Fluss oder ein Weg zwischen Hügeln. Ich mochte auch die Art und Weise, wie sich die verschiedenen Farbtöne überlappen, schneiden und kombinieren, um darunter neue Formen zu bilden. Ich hatte wirklich keine Ahnung, was die Arbeit „bedeutete“. Ich genoss es einfach, die Explosion von Farbe und Form zu betrachten, die mit einem seltsamen Theaterdrama auftauchte und verschwand.,

Nächste Schritte

Wenn wir Kandinsky wie oben aufgeführt in die Zeitleiste künstlerischer Bewegungen einfügen wollten, würde er in der Bewegung Expressionismus (um 1905-1930) sitzen. Jahrhunderts in Deutschland, hauptsächlich durch Poesie und Malerei. Künstler wie Kandinsky verwendeten verzerrte Formen und kräftige Farben, um Stimmungen oder Ängste hervorzurufen. Für Kandinsky hatte die Subjektivität der Kunst eine spirituelle Qualität. Farben hatten die Kraft, tiefe emotionale Reaktionen im Betrachter zu beeinflussen., Malerei, schrieb er ,“ kann die gleichen Energien wie Musik entwickeln.“

So können wir Kandinsky bequem in die Bewegung des Expressionismus einordnen. Dazu kommen wir so weit, aber wenn wir Kandinsky kategorisieren, riskieren wir auch, einige wichtige Wahrheiten zu verbergen.

Zum Beispiel die Tatsache, dass er einen eigenen Karrierebogen hatte, in dem seine Arbeit verschiedene Formen annahm, als er sich mit verschiedenen Künstlern in verschiedenen europäischen Städten verband. Der Expressionismus selbst ist auch ein Oberbegriff, der viele verschiedene Künstler mit unterschiedlichen Stilen umfasst, einige abstrakt und einige figurativ.,

Ich mache diesen Punkt, um zu verdeutlichen, dass Kunst inmitten realer Umstände gemacht wird und dass Verallgemeinerungen nur bis zu einem gewissen Punkt nützlich sind. Ein nützlicher nächster Schritt für einen Kunsthistoriker beim Betrachten eines Kunstwerks besteht daher darin, ein zeit-und Ortsgefühl aufzubauen, das für das Kunstwerk und den betreffenden Künstler spezifisch ist. Es gibt alle möglichen Möglichkeiten, dies zu tun. Zum Beispiel könnte man anfangen, über folgende Fragen nachzudenken:

• Hatte der Künstler Freunde oder Zeitgenossen, die den Stil des Werkes beeinflusst haben könnten?,
• Hatte der Künstler einen Lehrer oder stammte er aus einer Tradition?
• Hat die Künstlerin über ihre eigene Arbeit geschrieben?
• Was waren die Materialien, die dem Künstler damals zur Verfügung standen?
• War der Künstler ein Mann oder eine Frau, und könnte die Antwort einen Einfluss auf die Art von Kunst haben, die sie schaffen könnten?
• Könnten Rasse oder andere Besonderheiten der Identität des Künstlers eine Rolle spielen?
• Wurde das Kunstwerk öffentlich gezeigt, und wenn ja, wie waren die Reaktionen der ersten Zuschauer?,

Diese Fragen sind keineswegs erschöpfend, aber sie weisen vielleicht auf die Realität eines kreativen Prozesses hin: dass alle Künstler in einem Kontext arbeiten, mit allen Möglichkeiten und Einschränkungen, die dieser Kontext mit sich bringen könnte.

Geschichte ist Interpretation

Ich erinnere mich, dass ich vor langer Zeit mit jemandem über die Natur der Geschichte diskutiert habe. Ich erinnere mich, dass ich gesagt habe, dass“ Geschichte weitgehend eine Frage der Interpretation ist“, auf die die andere Person etwas in der Art von „Sicherlich nicht“ antwortete. Geht es in der Geschichte nicht um die Fakten dessen, was tatsächlich passiert ist?,“

Diese Idee — dass es in der Geschichte um Fakten geht, nicht um Interpretation — scheint in der Kunstgeschichte besonders relevant zu sein, da Kunstwerke vor uns stehen, auch wenn der Künstler längst gestorben ist. Aber in Wirklichkeit ist die Art und Weise, wie wir Kunst interagieren und verstehen, weitgehend eine Frage, wie die Erzählung der Kunstgeschichte produziert wurde.

Es gibt unzählige Möglichkeiten, dies zu erforschen, aber ich werde an einem bekannten Beispiel festhalten.

Ich habe keinen Zweifel, dass Sie von der Renaissance gehört haben., Um es einfach zu beschreiben, war die Renaissance eine Zeitspanne, die sich hauptsächlich auf Italien konzentrierte, in der die Künste unter einer Konzentration der Schirmherrschaft blühten und durch die Wiederentdeckung von Texten aus der antiken Welt Roms und Griechenlands angeregt wurden, deren Literatur, Lernen und Politik als Zeitalter hoher Leistung bewundert wurden.

Die Ära der Renaissance umfasste einige der berühmtesten Künstler der Geschichte, darunter Leonardo da Vinci, Raphael und Michelangelo., Eine der Hauptquellen für historische Details über Künstler dieser Zeit stammt aus einem Buch namens Leben der Künstler, eine Reihe von Künstlerbiografien, die von einem italienischen Maler und Architekten aus dem 16.

Das Buch gilt allgemein als das erste Studium der Kunstgeschichte., Es ist sehr detailliert und auch heute noch nützlich für Kunsthistoriker, die die Entwicklung der westlichen Kunst verstehen möchten.

Das Problem mit diesem Buch ist, dass Vasari aus einer extrem Partisanenposition schrieb, da er hauptsächlich daran interessiert war, Florenz und Rom als die Zentren künstlerischer Exzellenz zu befürworten, mit kaum einem Hinweis auf die Kunst, die außerhalb Italiens gemacht wurde.,

Vasari verwendete in dem Buch eine dreiteilige Struktur, einen Rahmen, der ungefähr dem 14., 15. und 16. Jahrhundert entsprach, um zu beschreiben, wie Künstler in diesen drei Perioden die Standards der griechischen und römischen Alten schrittweise wiederentdeckten. Michelangelo wird als der ultimative Ausdruck der Erneuerung behandelt, eine Künstlerin, die „über alte Künstler, moderne Künstler und sogar die Natur selbst triumphierte.“

So zieht Vasaris historisches Design eine Entsprechung zwischen dem Lauf der Zeit und der ständig wachsenden künstlerischen Leistung italienischer Künstler., Der Weitermarsch des Fortschritts hat eine bestimmte Richtung, weil Vasari ein Modell für seine Perfektion identifiziert.

Die Renaissance steht heute als einer der Eckpfeiler der Kunst,die W. J. Bouwsma als „die traditionelle dramatische Organisation der westlichen Geschichte.“In dieser Organisation ist die Renaissance ein historischer Wendepunkt, der das Mittelalter zu Ende bringt und die Moderne einleitet. Es ist „das erste Kapitel in der Geschichte, das zu unserer eigenen Zeit führt.,“

Mit anderen Worten, die Wirkung von Vasaris Schreiben über seine Landsleute bestand darin, die italienische Renaissance auf die erhöhte Position von Höchstleistungen in der gesamten Kunstgeschichte zu fördern.

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Ich habe zu Beginn dieses Artikels beschrieben, dass Kunstgeschichte wie ein Staffellauf von Künstlern war, die jeweils den Taktstock der Kreativität von einem zum anderen übergaben. Wie die Diskussion über die Renaissance hoffentlich verdeutlicht, ist es Vasari, dass ich letztendlich für mein Staffellauf-Bild der Kunstgeschichte danken muss.

Aber geht es in der Kunst immer um Fortschritt?,

Die Idee des Fortschritts ist für Historiker sehr reizvoll, weil sie einen einfachen linear-narrativen Rahmen bietet, den der Geschichte, die sich auf einen idealisierten Höhepunkt zubewegt.

Das Hauptproblem bei dieser Art der Betrachtung der Kunstgeschichte ist, dass sie dazu neigt, exklusiv zu sein, da sie die enge Ansicht vertritt, dass westliche Kunst die Hauptgeschichte der Kunstgeschichte ist. Wo zum Beispiel könnte buddhistische Kunst in den Staffellauf passen? Was ist mit islamischer Kunst, türkischer Kunst, japanischer Kunst oder der Kunst Westafrikas?,

Die Wahrheit ist, dass sich viele Kunstformen auf der ganzen Welt unabhängig voneinander oder mit minimaler Überlappung entwickelt haben. Vasari war ein Italiener, der in Florenz lebte und sich für die wunderbare Kunst um ihn herum interessierte. Das ist verständlich.

Was wir jedoch tun müssen, ist sich daran zu erinnern, dass die gesamte Kunstgeschichte mit einer Neigung zum Geschichtenerzähler geneigt ist. Das macht es so zu einem interessanten Thema. Und warum, wo immer wir hinschauen, gibt es immer mehr über die Kunstgeschichte zu verstehen.