Lichtenstein lämnade sedan New York för att studera vid Ohio State University, som erbjöd studiokurser och en examen i bildkonst. Hans studier avbröts av en treårig stint i armén under och efter andra världskriget mellan 1943 och 1946. Efter att ha varit i utbildningsprogram för språk, teknik och pilotutbildning, som alla avbröts, tjänade han som en ordnad, föredragande och konstnär.,

Lichtenstein återvände hem för att besöka sin döende far och skrevs ut från armén med rätt till G. I. Bill. Han återvände till studier i Ohio under överinseende av en av hans lärare, Hoyt L. Sherman, som allmänt anses ha haft en betydande inverkan på hans framtida arbete (Lichtenstein skulle senare namnge en ny studio han finansierade på OSU som Hoyt L. Sherman Studio Art Center).

Lichtenstein gick in i forskarutbildningen i Ohio State och anställdes som konstinstruktör, ett inlägg han höll på och av för de kommande tio åren., 1949 fick Lichtenstein en magisterexamen från Ohio State University.

1951, Lichtenstein hade sin första separatutställning på Carlebach Gallery i New York.Han flyttade till Cleveland samma år, där han stannade i sex år, även om han ofta reste tillbaka till New York. Under denna tid gjorde han jobb som varierade som föredragande till en fönsterdekoratör mellan perioder av målning. Hans arbete vid denna tidpunkt fluktuerade mellan kubism och Expressionism. 1954 föddes hans första son, David Hoyt Lichtenstein, nu en låtskrivare., Hans andra son, Mitchell Lichtenstein, föddes 1956.

1957 flyttade han tillbaka till upstate New York och började undervisa igen. Det var vid den här tiden att han antog den abstrakta Expressionismstilen, som en sen konvertera till denna typ av målning. Lichtenstein och började undervisa i upstate New York vid State University of New York i Oswego 1958. Om den här tiden började han införliva dolda bilder av tecknade tecken som Mickey Mouse och Bugs Bunny i hans abstrakta verk.,under 1960 började han undervisa vid Rutgers University där han var starkt påverkad av Allan Kaprow, som också var lärare vid universitetet. Denna miljö hjälpte reignite hans intresse för Proto-pop imagery.In 1961 började Lichtenstein sina första popmålningar med tecknade bilder och tekniker som härrör från utseendet av kommersiell utskrift. Denna fas skulle fortsätta till 1965, och inkluderade användningen av reklambilder som tyder på konsumentism och hemlagning.,Hans första arbete med att presentera den storskaliga användningen av hårdkantade figurer och Ben-Day dots var Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, DC). Detta stycke kom från en utmaning från en av hans söner, som pekade på en Musse Pigg serietidning och sa ;” Jag slår vad om att du inte kan måla så bra som det, va, Pappa?”Samma år producerade han sex andra verk med igenkännliga tecken från gummipackningar och teckningar.

1961 började Leo Castelli visa Lichtensteins verk på sitt galleri i New York., Lichtenstein hade sin första enmansshow på Castelli gallery 1962; hela samlingen köptes av inflytelserika samlare innan showen ens öppnat. En grupp målningar producerade mellan 1961 och 1962 fokuserade på ensamma hushållsobjekt som sneakers, varmkorv och golfbollar. I September 1963 tog han tjänstledighet från sin undervisningsposition på Douglass College på Rutgers.,

hans verk inspirerades av serier med krig och romantiska berättelser ”på den tiden” berättade Lichtenstein senare, ”jag var intresserad av allt jag kunde använda som ett ämne som var känslomässigt starkt – vanligtvis kärlek, krig eller något som var högt laddat och känslomässigt ämne för att vara motsatt till de borttagna och avsiktliga målningsteknikerna”.

Period av Lichtensteins högsta profil

det var vid denna tid som Lichtenstein började hitta berömmelse inte bara i Amerika utan i hela världen. Han flyttade tillbaka till New York för att vara i centrum för konstscenen och avgick från Rutgers University 1964 för att koncentrera sig på sin målning. Lichtenstein använde olja och Magna (tidig akryl) färg i sina mest kända verk, som Drowning Girl (1963), som tilldelades från huvudrollen i DC Comics hemliga hjärtan nr 83. (Drowning Girl hänger nu i Museum of Modern Art, New York.,) Drowning Girl har också tjocka konturer, djärva färger och Ben-Day dots, som om de skapats av fotografisk reproduktion. Av sitt eget arbete skulle Lichtenstein säga att de abstrakta expressionisterna ” lade ner saker på duken och svarade på vad de hade gjort, till färgpositionerna och storlekarna. Min stil ser helt annorlunda ut, men karaktären av att lägga ner linjer är ganska mycket densamma; Min kommer bara inte ut som calligraphic, som Pollocks eller Klines.”

i stället för att försöka reproducera sina ämnen, tacklade Lichtensteins arbete det sätt på vilket massmedia porträtterar dem., Han skulle aldrig ta sig för allvarligt, men säger: ”jag tror att mitt arbete skiljer sig från serietidningar – men jag skulle inte kalla det omvandling; jag tror inte att det som menas med det är viktigt att konst.”När Lichtensteins arbete först utställdes utmanade många konstkritiker av tiden sin originalitet. Hans arbete kritiserades hårt som vulgärt och tomt. Titeln på en Life magazine-artikel 1964 frågade: ”Är han den värsta artisten i USA?,”Lichtenstein svarade på sådana påståenden genom att erbjuda svar som följande: ”Ju närmare mitt arbete är originalet, desto mer hotande och kritiskt innehållet. Men mitt arbete är helt förändrat genom att mitt syfte och uppfattning är helt annorlunda. Jag tror att mina målningar är kritiskt förvandlade, men det skulle vara svårt att bevisa det av någon rationell argumentation.”Han diskuterade upplever denna tunga kritik i en intervju med April Bernard och Mimi Thompson 1986., Föreslår att det ibland var svårt att kritiseras, sa Lichtenstein, ” jag tvivlar inte när jag faktiskt målar, det är kritiken som får dig att undra, det gör det.”

hans mest berömda bild är utan tvekan Whaam! (1963, Tate Modern, London), ett av de tidigaste kända exemplen på popkonst, anpassad från en serietidning panel ritad av Irv Novick i en 1962 utgåva av DC Comics’ All-American Men of War. Målningen visar ett stridsflygplan som skjuter en raket i ett fiendens plan, med en röd-och-gul explosion. Den tecknade stilen förstärks av användningen av onomatopoeiska texten ” Whaam!,”och den boxade bildtexten” tryckte jag på brandkontrollen … och framför mig flammade raketer genom himlen …”Denna diptych är stor i skala, som mäter 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 i x 13 ft 4 i). Whaam följer de komiska strippbaserade teman av några av hans tidigare målningar och är en del av en kropp av krigstema arbete som skapats mellan 1962 och 1964. Det är en av hans två anmärkningsvärda stora krigstema målningar. Den köptes av Tate Gallery 1966, efter att ha utställts på Leo Castelli Gallery 1963, och (nu på Tate Modern) har varit kvar i sin samling sedan dess., 1968 förvärvade Darmstadt-entreprenören Karl Ströher flera stora verk av Lichtenstein, som Sjuksköterska (1964), kompositioner i (1964), vi steg upp långsamt (1964) och gula och gröna penseldrag (1966). Efter att ha lånats på Hessiches Landesmuseum Darmstadt i flera år, grundaren av Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, kunde förvärva totalt 87 verk från Ströher samlingen 1981, främst amerikansk popkonst och Minimal konst för museet under konstruktion fram till 1991.,

Lichtenstein började experimentera med skulptur omkring 1964 och demonstrerade en förmåga till den form som stod i strid med hans målnings insisterande planhet. För Head of Girl (1964), och Head with Red Shadow (1965), samarbetade han med en ceramiker som skulpterade formen av huvudet ur lera. Lichtenstein applicerade sedan en glasyr för att skapa samma slags grafiska motiv som han använde i sina målningar; tillämpningen av svarta linjer och ben-Dagspunkter på tredimensionella objekt resulterade i en utplattning av formen.,

de flesta av Lichtensteins mest kända verk är relativt nära, men inte exakta, kopior av serietidningspaneler, ett ämne som han till stor del övergav 1965, men han skulle ibland införliva serier i sitt arbete på olika sätt under senare årtionden. Dessa paneler ritades ursprungligen av sådana seriekonstnärer som Jack Kirby och DC Comics artister Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick och Jerry Grandenetti, som sällan fick någon kredit., Jack Cowart, verkställande direktör för Lichtensteins stiftelse, bestrider tanken att Lichtenstein var en kopiist och säger: ”Roys arbete var en underverk av de grafiska formlerna och kodifieringen av känslor som hade utarbetats av andra. Panelerna ändrades i skala, färg, behandling och i deras konsekvenser. Det finns ingen exakt kopia.,”Men vissa har varit kritiska till Lichtensteins användning av serietidningsbilder och konststycken, särskilt i den mån den användningen har setts som godkännande av en nedlåtande syn på serier av art mainstream; cartoonist Art Spiegelman kommenterade att ”Lichtenstein gjorde inte mer eller mindre för serier än Andy Warhol gjorde för soppa.”

Lichtensteins verk baserade på utvidgade paneler från serietidningar gav upphov till en utbredd debatt om deras meriter som konst. Lichtenstein själv erkände, ” Jag kopierar nominellt, men jag upprepar verkligen den kopierade saken i andra termer., Genom att göra det förvärvar originalet en helt annan textur. Det är inte tjocka eller tunna penseldrag, det är prickar och platta färger och orubbliga linjer.”Eddie Campbell bloggade att” Lichtenstein tog en liten bild, mindre än handflatan, tryckt i fyra färgfärger på tidningspapper och blåste upp den till den konventionella storleken där ”konst” är gjord och utställd och avslutade den i färg på duk.”När det gäller Lichtenstein sa Bill Griffith en gång,” det finns hög konst och det finns låg konst., Och sedan finns det hög konst som kan ta låg konst, föra den till en hög konst sammanhang, lämpligt det och höja den till något annat.”

Även om Lichtensteins komiska arbete fick viss acceptans, uttrycks fortfarande oro av kritiker som säger att Lichtenstein inte krediterade, betalade några royalties till eller sökte tillstånd från de ursprungliga artisterna eller upphovsrättsinnehavarna. I en intervju för en BBC Four dokumentär 2013, Alastair Sooke frågade serietidningen konstnären Dave Gibbons om han ansåg Lichtenstein en plagiarist. Gibbons svarade: ”Jag skulle säga ”copycat”., I musik till exempel kan du inte bara vissla någon annans melodi eller utföra någon annans melodi, oavsett hur illa, utan att på något sätt kreditera och ge betalning till den ursprungliga artisten. Det vill säga, det här är ” WHAAM! av Roy Lichtenstein, efter Irv Novick’.”Sooke själv hävdar att” Lichtenstein förvandlade Novicks konstverk på ett antal subtila men avgörande sätt.,originalskaparna av hans komiska verk var en reflektion över beslutet av nationella periodiska publikationer, föregångaren till DC Comics, att utelämna någon kredit för sina författare och artister:

förutom att belysa de kulturella fördomarna mot serietidningar som konstverk, belyser exempel som Lichtensteins anslag av ordförrådet för serier vikten av att ta publiceringsformat i beaktande när man definierar serier, liksom den politiska ekonomin som impliceras av specifika typer av historiska publikationer, i detta fall den amerikanska mainstream-serietidningen., I vilken utsträckning var de nationella Tidskriftspublikationerna (senare DC) ansvariga för avvisandet av Kanigher och Novicks roller som konstnärer i sig genom att inte bevilja dem full auktoriserad kredit på själva publikationen?”

dessutom noterar Campbell att det fanns en tid då serietidningar ofta avböjde attribution för sitt arbete.,

i ett konto som publicerades 1998 sa Novick att han hade träffat Lichtenstein i armén 1947 och, som sin överordnade officer, hade svarat på Lichtensteins tåriga klagomål om de meniella uppgifter han tilldelades genom att rekommendera honom till ett bättre jobb. Jean-Paul Gabilliet har ifrågasatt detta konto, säger att Lichtenstein hade lämnat armén ett år innan tiden Novick säger händelsen ägde rum. Bart Beaty, notera att Lichtenstein hade avsatt Novick för verk som Whaam! och Okej Hot-Shot, Okej!,, säger att novicks berättelse ”verkar vara ett försök att personligen minska” den mer kända konstnären.

1966 flyttade Lichtenstein vidare från hans mycket berömda bilder från början av 1960-talet, och började sin moderna Målningsserie, inklusive över 60 målningar och tillhörande ritningar. Med sina karakteristiska Ben-Day prickar och geometriska former och linjer gjorde han inkongruösa, utmanande bilder av välbekanta arkitektoniska strukturer, mönster lånade från Art Déco och andra subtilt suggestiva, ofta sekventiella, motiv., Den moderna Skulpturserien 1967-8 hänvisade till motiv från Art Déco architecture.

senare arbete

i början av 1960-talet reproducerade Lichtenstein mästerverk av Cézanne, Mondrian och Picasso innan de började på brushstrokes-serien 1965., Lichtenstein fortsatte att se över detta tema senare i sin karriär med verk som sovrum på Arles som härrör från Vincent van Goghs sovrum i Arles.

1970 beställdes Lichtenstein av Los Angeles County Museum of Art (inom sitt konst-och teknikprogram utvecklat mellan 1967 och 1971) för att göra en film. Med hjälp av Universal Film Studios, konstnären tänkt på, och producerade, tre landskap, en film av marina landskap, direkt relaterade till en serie collage med landskapsteman han skapade mellan 1964 och 1966., Även om Lichtenstein hade planerat att producera 15 kortfilmer, visade sig treskärmsinstallationen-gjord med New York-baserade oberoende filmskapare Joel Freedman-vara konstnärens enda satsning på mediet.även 1970 köpte Lichtenstein ett tidigare vagnhus i Southampton, Long Island, byggde en studio på fastigheten och tillbringade resten av 1970-talet i relativ avskildhet. På 1970-och 1980-talet började hans stil lossna och han expanderade på vad han hade gjort tidigare. Lichtenstein började en serie Spegelmålningar 1969., Vid 1970, medan han fortsatte på Spegelserien, började han arbeta med ämnet entablatures. Entablatures bestod av en första serie målningar från 1971 till 1972, följt av en andra serie 1974-76, och publiceringen av en serie relieftryck 1976. Han producerade en serie ”Artists Studios” som införlivade delar av sitt tidigare arbete. Ett anmärkningsvärt exempel är Konstnärsstudio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis) som innehåller fem andra tidigare verk, monterade i scenen.,

under en resa till Los Angeles 1978 fascinerades Lichtenstein av advokaten Robert Rifkinds samling av tyska expressionistiska tryck och illustrerade böcker. Han började producera verk som lånade stilistiska element som finns i expressionistiska målningar. Det vita trädet (1980) väcker lyric Der Blaue Reiter landskap, medan Dr.Waldmann (1980) påminner Otto Dix Dr. Mayer-Hermann (1926). Små färgade penna ritningar användes som mallar för träsnitt, ett medium som gynnades av Emil Nolde och Max Pechstein, liksom Dix och Ernst Ludwig Kirchner., Även i slutet av 1970-talet ersattes Lichtensteins stil med mer surrealistiska verk som Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). En stor serie surrealistiska-Popmålningar från 1979 till 1981 är baserad på indianska teman. Dessa verk sträcker sig från Amerind Figure (1981), en stiliserad skulptur i livsstorlek som påminner om en strömlinjeformad totemstolpe i svartpatinerad brons, till det monumentala ullbandet Amerind Landscape (1979)., De ”indiska” verk tog sina teman, liksom de andra delarna av surrealistiska serien, från samtida konst och andra källor, inklusive böcker om amerikansk indisk design från Lichtensteins lilla bibliotek.

Lichtensteins Stillebensmålningar, skulpturer och teckningar, som sträcker sig från 1972 till början av 1980-talet, täcker en mängd olika motiv och teman, inklusive de mest traditionella som frukt, blommor och vaser. 1983 gjorde Lichtenstein två anti-apartheid affischer, helt enkelt med titeln ”Against Apartheid”., I sin Reflektionsserie, producerad mellan 1988 och 1990, återanvände Lichtenstein sina egna motiv från tidigare verk. Interiors (1991-1992) är en serie verk som skildrar banala hemmiljöer inspirerade av möbelannonser som konstnären hittade i telefonböcker eller på skyltar., Efter att ha fått inspiration från de monokromatiska utskrifter av Edgar Degas som presenterades i en 1994 utställning på Metropolitan Museum of Art i New York, motiv av hans landskap i den kinesiska stil serien bildas med simulerade Benday prickar och blockera konturer, återges i hård, levande färg,med alla spår av handen bort. The nude är ett återkommande inslag i Lichtensteins arbete på 1990-talet, som i Collage for Nude with Red Shirt (1995).

förutom målningar och skulpturer, Lichtenstein också gjort över 300 utskrifter, mestadels i screenprinting.,

provisioner

1969 beställdes Lichtenstein av Gunter Sachs för att skapa komposition och leda och svanen, för samlarens popkonst sovrumssvit på Palace Hotel i St.Moritz., I slutet av 1970-talet och under 1980-talet, Lichtenstein fått stora uppdrag för arbeten på allmänna platser: skulpturer Lampa (1978) i St. Mary ’ s, Georgien, Sjöjungfrun (1979) i Miami Beach, den 26 meter långa Penseldrag under Flygning (1984 flyttade 1998) i Port Columbus International Airport, fem våningar hög Väggmålning med Blå Penseldrag (1984-85) på Rättvis Center, New York, och El Cap de Barcelona (1992) i Barcelona. I 1994 skapade Lichtenstein den 53-fot långa, emalj-på-metall Times Square väggmålning i Times Square tunnelbanestation., 1977 fick han i uppdrag av BMW att måla en grupp 5 Racing Version av BMW 320i för den tredje delen i BMW Art Car Project. DreamWorks Records-logotypen var hans senast avslutade projekt. ”Jag är inte i branschen för att göra något sådant (en företagslogotyp) och har inte för avsikt att göra det igen”, tillåter Lichtenstein. ”Men jag vet Mo Ostin och David Geffen och det verkade intressant.”

erkännande

• 1977 Skowhegan medalj för målning, Skowhegan School, Skowhegan, Maine.
• 1979 American Academy of Arts and Letters, New York.,
• 1989 American Academy i Rom, Rom, Italien. Konstnär i bostaden.
• 1991 Creative Arts Award i Måleri, Brandeis University, Waltham, Massachusetts.
• 1993 Amici de Barcelona, från borgmästare Pasqual Maragall, l ’ Alcalde de Barcelona.
• 1995 Kyoto Prize, Inamori Foundation, Kyoto, Japan.
• 1995 National Medal of Arts, Washington D.C.,

Lichtenstein har fått ett flertal Hedersdoktorat grader från bland andra George Washington University (1996), och Bard College, Royal College of Art (1993), Ohio State University (1987), Southampton Högskola (1980), och California Institute of the Arts (1977). Han tjänstgjorde också i styrelsen för Brooklyn Academy of Music.