hur passar konströrelser ihop, och finns det mer än en historia?,

på något sätt, någonstans, är ett intresse tänt., Jag gör det här eftersom vi alla kommer till konsthistoria från något slags perspektiv, och det är på detta perspektiv som vi sannolikt kommer att bygga upp vår mentala karta över hur olika konststilar, och i slutändan enskilda konstnärer, passar ihop. Det är också hur fördomar kan smyga in i vår förståelse även om vi inte menar dem att. Men låt oss inte oroa oss för det för tillfället…

för mig var mitt intresse sparkat en dag när min konstlärare i skolan, i åldern 16, tog mig åt sidan och frågade mig om jag någonsin hade hört talas om en målare som heter Wassily Kandinsky. Det har jag aldrig haft., Eftersom mina egna målningar i klassen började röra sig mot abstraktion (utan att jag verkligen tänkte på det) trodde min konstlärare att jag kanske tyckte att Kandinsky var intressant.

Jag tog hans råd och gick till skolbiblioteket där jag hittade en bok tillägnad den ryska konstnären. Jag hade aldrig sett nåt liknande. Kandinsky var en rysk som tillbringade mycket av sitt vuxna liv i Tyskland där han undervisade vid Bauhaus School of Art. Som målare krediteras han med att göra några av de allra första rent abstrakta verken i västerländsk konst.,

för att dela här har jag valt ett stycke som heter Gul-Röd-blå som Kandinsky målade 1925.

När jag först tittade på den här målningen tyckte jag särskilt om det stora svarta bandet som faller längs höger sida, som en flod eller en väg mellan bergstoppar. Jag gillade också hur de olika nyanserna av färg överlappar varandra, korsar och kombinerar för att bilda nya former under. Jag hade verkligen ingen aning om vad arbetet ”menade”. Jag njöt helt enkelt av att titta på explosionen av färg och form som framträder och försvinner med ett konstigt, teatraliskt drama.,

nästa steg

om vi ville placera Kandinsky i tidslinjen för konstnärliga rörelser som anges ovan, skulle han sitta inne i rörelsen som kallas Expressionism (runt 1905-1930). Expressionism härstammar i Tyskland i början av 1900-talet, främst genom poesi och målning. Artister som Kandinsky anställda förvrängda former och starka färger för att framkalla stämningar eller oro. För Kandinsky hade konstens subjektivitet en andlig kvalitet för den. Färger hade kraften att påverka djupa känslomässiga reaktioner i betraktaren., Målning, skrev han, ” kan utveckla samma energier som musik.”

Så vi kan bekvämt placera Kandinsky i expressionismens rörelse. För att göra detta får oss hittills, men genom att kategorisera Kandinsky riskerar vi också att dölja några viktiga sanningar.

till exempel det faktum att han hade en egen karriärbåge, där hans arbete tog på sig olika former som han associerade med olika artister i olika europeiska städer. Expressionismen i sig är också en paraplyterm som omfattar många olika artister med olika stilar, några abstrakta och några figurativa.,

Jag vill påpeka att konst görs mitt i verkliga omständigheter, och att generaliseringar endast är användbara fram till en punkt. Därför är ett användbart nästa steg för en konsthistoriker när man tittar på ett konstverk att börja bygga upp en känsla av tid och plats som är specifik för konstverket och konstnären i fråga. Det finns alla möjliga sätt att göra detta. Till exempel kan man börja med att tänka på följande frågor:

• hade konstnären vänner eller samtidiga som kan ha påverkat arbetets stil?,
• hade konstnären en lärare eller kom från en tradition?
• skrev konstnären om sitt eget arbete?
• vad var materialet tillgängligt för konstnären då?
• var konstnären en man eller en kvinna, och kunde svaret ha en betydelse för den typ av konst de kan skapa?
• kan tävla eller andra detaljer i konstnärens identitet spela en roll?
• fick konstverket visas offentligt, och i så fall, vad var reaktionerna från de första tittarna?,

dessa frågor är inte alls uttömmande, men de pekar kanske på verkligheten i någon kreativ process: att alla artister arbetar i ett sammanhang, med alla möjligheter och begränsningar som detta sammanhang kan innebära.

historia är Tolkning

Jag minns för länge sedan att ha en diskussion med någon om historiens natur. Jag minns att säga att ”historia är en till stor del en fråga om tolkning”, som den andra personen svarade något i linje med, ” säkert inte. Är inte historien om fakta om vad som faktiskt hände?,”

denna idé — att historien handlar om fakta, inte Tolkning — verkar särskilt relevant i konsthistoria, eftersom konstverk finns framför oss även om konstnären sedan länge har dött. Men i verkligheten, hur vi interagerar och förstår konst är till stor del en fråga om hur berättelsen om konsthistoria har producerats.

det finns otaliga sätt att utforska detta, men jag kommer att hålla mig till ett välkänt exempel.

Jag tvivlar inte på att du har hört talas om renässansen., För att beskriva det helt enkelt var renässansen en tidsperiod, centrerad huvudsakligen runt Italien, där konsten blomstrade under en koncentration av beskydd och sporrade på av återupptäckandet av texter från Roms och Greklands antika värld, vars litteratur, lärande och politik beundrades som en ålder av hög prestation.

renässansens era inkluderade några av de mest kända konstnärerna i historien, inklusive Leonardo Da Vinci, Raphael och Michelangelo., En av de viktigaste källorna till historisk detalj om konstnärer av denna tid kommer från en bok som heter lives of the Artists, en serie konstnärs biografier skriven av en italiensk målare och arkitekt från 1500-talet som heter Giorgio Vasari.

boken anses allmänt vara den första studien av konsthistoria., Det är oerhört detaljerat och är fortfarande användbart även idag för konsthistoriker som vill förstå utvecklingen av västerländsk konst.

problemet med denna bok är att Vasari skrev från en extremt partisan position, eftersom han huvudsakligen var intresserad av att förespråka Florens och Rom som själva centrum för konstnärlig excellens, med knappast någon hänvisning till den konst som gjordes utanför Italien.,

Vasari använde en tredelad struktur i boken, en ram som ungefär motsvarar 14, 15 och 16-talen, för att beskriva hur konstnärer under dessa tre perioder gradvis återupptäckte normerna för de grekiska och romerska antiken. Michelangelo behandlas som det ultimata uttrycket för förnyelsen, en konstnär som ” triumferade över gamla konstnärer, moderna konstnärer och till och med naturen själv.”

således drar Vasaris historiska design en korrespondens mellan tidens gång och den ständigt ökande konstnärliga prestationen av italienska konstnärer., Den fortsatta utvecklingen har en viss riktning eftersom Vasari identifierar en modell för sin perfektion.

idag står renässansen som en av hörnstenarna i konst, som W. J. Bouwsma beskriver som ” den traditionella dramatiska organisationen av västerländsk historia.”I denna organisation är renässansen en historisk vändpunkt som för medeltiden till en nära och vaktmästare i modern tid. Det är ” det inledande kapitlet i historien som leder ner till vår egen tid.,”

med andra ord var effekten av Vasaris skrivande om sina landsmän att bidra till att främja den italienska renässansen till den förhöjda positionen av hög prestation i hela konsthistorien.

slutsatser

jag beskrev i början av denna artikel i min mening att konsthistoria var som en relä-ras av konstnärer, var och en passerar stafettpinnen av kreativitet på från en till en annan. Som diskussionen om renässansen förhoppningsvis illustrerar är det Vasari som jag i slutändan måste tacka för min relay-race bild av konsthistoria.

men handlar konst alltid om framsteg?,

idén om framsteg är mycket tilltalande för historiker eftersom det ger en enkel linjär-berättande ram, historia går mot en idealiserad hög punkt.

det största problemet med detta sätt att titta på konsthistoria är att det tenderar att vara exklusivt, eftersom det tar den smala uppfattningen att västerländsk konst är huvudhistorien om konsthistoria. Var kan till exempel buddhistisk konst passa in i reläet? Vad sägs om islamisk konst, Turkisk konst, japansk konst eller Västafrikas konst?,

Sanningen är att många former av konst runt om i världen har utvecklats oberoende av varandra eller med lite minimal överlappning. Vasari var en italiensk bor i Florens, och som sådan var intresserad av hur den underbara konsten omkring honom gjordes. Det är förståeligt.

vad vi måste göra är dock att komma ihåg att all konsthistoria lutas med en bias mot berättaren. Det är det som gör det till ett intressant ämne att lära sig om. Och varför, var vi än tittar, finns det alltid mer att förstå om konsthistorien.