Când am început a învăța despre istoria artei, îmi amintesc că am vrut să înțeleg un lucru mai presus de toate. Am vrut să știu cronologia. Cu alte cuvinte, marea poveste a unui stil-urmat-de-următorul: romantism, impresionism, Post-impresionism, Cubism, și așa mai departe.aveam sentimentul că istoria artei este ca o ștafetă a artiștilor, fiecare trecând ștafeta de la unul la altul, construind un lanț cauză-efect al istoriei și dezvoltării.,

dincolo de dorința de a ști despre-isms, am avut și alte întrebări: ce a fost „baroc” și a venit înainte sau după Renaștere? De fapt, dacă stau să mă gândesc, care a fost renașterea? „Clasicul” s-a referit la muzica clasică sau la altceva? Care este diferența dintre „arta modernă” și „arta contemporană”?mi-a luat ceva timp să înțeleg că există răspunsuri simple și complexe la aceste întrebări.dar primul lucru pe care l-am făcut, pentru a-mi satisface curiozitatea, a fost să găsesc o listă de mișcări de artă și să o scriu astfel încât să o repar în memoria mea., A fost ceva de genul asta:

• arta Medievala
• Renaissance 1300-1600
• Baroc 1600-1730
• Rococo 1720-1780
• Neoclasicismului 1750-1830
• Romantism 1780-1880
• Impresionism 1860-1890
• Post-impresionism 1886-1905
• Expresionismul 1905-1930
• Cubism 1907-1914
• Futurismul 1910-1930
• Art Deco 1909-1939
• Expresionismului Abstract 1940
• arta Contemporana 1946 — prezent

Aceasta este o listă bună., (Sugestie: dacă doriți o versiune mai aprofundată a acestei liste, cu exemple de artiști și imagini, descărcați stilurile mele esențiale din istoria artei occidentale.un cadru simplu ca acesta este indispensabil pentru a vă găsi rulmenții la început. După mulți ani în care m-am uitat și m-am gândit la artă, încă mă regăsesc referindu-mă la această listă.

de unde începeți de fapt?

adevărul este că nimeni nu începe să se gândească la istoria artei fără să fi întâlnit mai întâi o anumită artă în primul rând. Poate a fost un tablou Jackson Pollock picurare., Poate că a fost o vizită la Capela Sixtină din Roma. Poate cineva ți-a dat o carte poștală cu un tablou Claude Monet pe față.

cumva, undeva, un interes este aprins., Fac acest lucru pentru că toți ajungem la istoria artei dintr-un fel de perspectivă, și din această perspectivă este probabil să ne construim harta mentală a modului în care diferite stiluri de artă, și în cele din urmă artiști individuali, se potrivesc împreună. Este, de asemenea, modul în care prejudecățile sunt capabile să se strecoare în înțelegerea noastră, chiar dacă nu vrem să le înțelegem. Pentru mine, interesul mi s-a stârnit într-o zi când, la 16 ani, profesoara de artă de la școală m-a luat deoparte și m-a întrebat dacă am auzit vreodată de un pictor pe nume Wassily Kandinsky. N-am avut niciodată., Din moment ce picturile mele din clasă începeau să se îndrepte spre abstractizare (fără ca eu să intenționez cu adevărat), profesorul meu de artă s-a gândit că l-aș putea găsi interesant pe Kandinsky.

I-am luat sfatul și m-am dus la biblioteca școlii unde am găsit o carte dedicată artistului rus. Nu mai văzusem niciodată așa ceva. Kandinsky a fost un rus care și-a petrecut o mare parte din viața adultă în Germania, unde a predat la școala de artă Bauhaus. Ca pictor, El este creditat cu a face unele dintre primele lucrări pur abstracte în arta occidentală.,pentru a împărtăși aici, am ales o piesă numită Galben-Roșu-albastru pe care Kandinsky a pictat-o în 1925.

Când am văzut prima dată la acest tablou, am mai ales a placut cel mare panglică neagră care coboară de-a lungul partea dreaptă, ca un râu sau o cale de acces între dealuri. De asemenea, mi-a plăcut modul în care diferitele nuanțe de culoare se suprapun, se intersectează și se combină pentru a forma noi forme dedesubt. Chiar am avut nici o idee despre ceea ce lucrarea „a însemnat”. Pur și simplu mi-a plăcut să privesc explozia de culoare și formă care apare și dispare cu o dramă teatrală ciudată.,dacă am dori să-l plasăm pe Kandinsky în cronologia mișcărilor artistice așa cum sunt enumerate mai sus, atunci el ar sta în interiorul mișcării cunoscute sub numele de expresionism (în jurul anilor 1905-1930). Expresionismul își are originea în Germania la începutul secolului XX, în principal prin poezie și pictură. Artiști precum Kandinsky au folosit forme distorsionate și culori puternice pentru a evoca stări de spirit sau neliniști. Pentru Kandinsky, subiectivitatea artei avea o calitate spirituală. Culorile au avut puterea de a afecta răspunsurile emoționale profunde în privitor., Pictura, a scris el ,” poate dezvolta aceleași energii ca muzica.Deci, putem plasa confortabil Kandinsky în mișcarea expresionismului. A face acest lucru ne ajunge până acum, dar prin clasificarea lui Kandinsky riscăm, de asemenea, să ascundem câteva adevăruri importante.

de exemplu, faptul că a avut un arc de carieră propriu, în care lucrările sale au luat diferite forme, deoarece s-a asociat cu diferiți artiști din diferite orașe europene. De asemenea, Expresionismul în sine este un termen umbrelă care cuprinde mulți artiști diferiți cu stiluri diferite, unele abstracte și unele figurative.,

fac acest lucru pentru a ilustra faptul că arta se face în mijlocul unor circumstanțe reale și că generalizările sunt utile doar până la un punct. Prin urmare, un pas util pentru un istoric de artă atunci când se uită la o operă de artă este să înceapă să construiască un sentiment de timp și loc specific operei de artă și artistului în cauză. Există tot felul de moduri de a face acest lucru. De exemplu, s-ar putea începe prin a ne gândi la următoarele întrebări:

• a avut artistul prieteni sau contemporani care ar fi putut influența stilul operei?,
• artistul a avut un profesor sau a venit dintr-o tradiție?
• artistul a scris despre propria lor lucrare?
• care erau materialele disponibile artistului la acea vreme?
• a fost artistul un bărbat sau o femeie și ar putea răspunsul să aibă o influență asupra tipului de artă pe care ar putea să o creeze?
• ar putea juca un rol rasa sau alte specificități ale identității artistului?
• opera de artă a fost prezentată în public și, dacă da, care au fost reacțiile primilor spectatori?,

aceste întrebări nu sunt deloc exhaustive, dar ele indică poate realitatea oricărui proces creativ: că toți artiștii lucrează într-un context, cu toate oportunitățile și constrângerile pe care acest context le-ar putea implica.

istoria este interpretare

îmi amintesc, cu mult timp în urmă, că am avut o discuție cu cineva despre natura istoriei. Îmi amintesc că am spus că „istoria este o mare parte o chestiune de interpretare”, la care cealaltă persoană a răspuns ceva de-a lungul liniilor de, „cu siguranță nu. Nu este istoria despre faptele a ceea ce sa întâmplat de fapt?,”

această idee-că istoria este despre fapte, nu Despre interpretare — pare deosebit de pertinentă în istoria artei, deoarece lucrările de artă există în fața noastră chiar dacă artistul a murit de mult. Dar, în realitate, modul în care interacționăm și înțelegem arta este în mare măsură o problemă a modului în care a fost produsă narațiunea istoriei artei.există nenumărate moduri de a explora acest lucru, dar voi păstra un exemplu bine-cunoscut.

nu am nici o îndoială că ați auzit de renaștere., Pentru a o descrie pur și simplu, Renașterea a fost o perioadă de timp, centrată în principal în jurul Italiei, în care artele au înflorit sub o concentrare de patronaj și stimulate de redescoperirea textelor din lumea antică a Romei și Greciei, a căror literatură, învățare și politică au fost admirate ca o epocă de mare realizare.epoca Renașterii a inclus unii dintre cei mai renumiți artiști ai istoriei, printre care Leonardo da Vinci, Raphael și Michelangelo., Una dintre principalele surse de detalii istorice despre artiști de data asta vine dintr-o carte numită Viața de Artiști, o serie de biografii artist scris de un 16-lea Italian pictor și arhitect pe nume Giorgio Vasari.

cartea este, în general, considerat a fi primul studiu de istoria artei., Este extrem de detaliat și rămâne util chiar și astăzi pentru istoricii de artă care caută să înțeleagă dezvoltarea artei occidentale.

problema cu această carte este că Vasari scria dintr-o poziție extrem de partizană, deoarece era interesat în principal să susțină Florența și Roma ca fiind chiar centrele de excelență artistică, cu aproape nicio referire la arta care se făcea în afara Italiei.,Vasari a folosit o structură în trei părți în carte, un cadru care corespunde aproximativ secolelor 14, 15 și 16, pentru a descrie modul în care artiștii în aceste trei perioade au redescoperit progresiv standardele anticilor greci și romani. Michelangelo este tratat ca expresia supremă a reînnoirii, un artist care „a triumfat asupra artiștilor antici, a artiștilor moderni și chiar a naturii însăși.”

astfel, designul istoric al lui Vasari desenează o corespondență între trecerea timpului și realizarea artistică din ce în ce mai mare a artiștilor italieni., Marșul progresului are o direcție specificată, deoarece Vasari identifică un model pentru perfecțiunea sa.astăzi, Renașterea este una dintre pietrele de temelie ale artei, pe care W. J. Bouwsma o descrie drept „organizarea dramatică tradițională a istoriei occidentale.”În această organizație, Renașterea este un punct de cotitură istoric care apropie Evul Mediu și deschide epoca modernă. Este ” capitolul inaugural din istorie care duce la timpul nostru.,”

cu alte cuvinte, efectul scrisului lui Vasari despre concetățenii săi a fost de a ajuta la promovarea Renașterii italiene la poziția înaltă de înaltă realizare în toată istoria artei.

concluzii

am descris la începutul acestui articol în sensul Meu că istoria artei a fost ca o ștafetă a artiștilor, fiecare trecând ștafeta creativității de la unul la altul. Așa cum, sperăm, ilustrează discuția despre Renaștere, Vasari este că în cele din urmă trebuie să-i mulțumesc pentru imaginea mea de ștafetă a istoriei artei.dar arta este întotdeauna despre progres?,

ideea de progres este foarte atrăgătoare pentru istorici, deoarece oferă un cadru linear-narativ simplu, acela al trecerii istoriei spre un punct înalt idealizat.

principala problemă cu acest mod de a privi istoria artei este că tinde să fie exclusivă, prin faptul că are viziunea îngustă că arta occidentală este povestea principală a istoriei artei. Unde, de exemplu, ar putea arta budistă să se încadreze în cursa de ștafetă? Dar arta islamică, arta turcă, arta japoneză sau arta Africii de Vest?,adevărul este că multe forme de artă din întreaga lume s-au dezvoltat independent una de cealaltă sau cu o suprapunere minimă. Vasari era un italian care locuia în Florența și, ca atare, era interesat de modul în care a fost făcută arta minunată din jurul lui. E de înțeles.ceea ce trebuie să facem, totuși, este să ne amintim că toată istoria artei este înclinată cu o prejudecată față de povestitor. Asta face ca acesta să fie un subiect interesant de învățat. Și de ce, oriunde ne uităm, există întotdeauna mai multe de înțeles despre istoria artei.