quando comecei a aprender sobre a história da arte, lembro-me que queria compreender uma coisa acima de tudo. Queria saber a cronologia. Em outras palavras, a grande história de um estilo-seguido-pelo-seguinte: Romantismo, Impressionismo, Pós-Impressionismo, Cubismo, etc.tive a sensação de que a história da arte era como uma relay-race de artistas, cada um passando o bastão de um para o outro, construindo uma cadeia de causa e efeito de história e desenvolvimento.,além de querer saber sobre os ismos, eu também tinha outras perguntas: O que era “Barroco” e veio antes ou depois do Renascimento? Na verdade, pensando bem, o que foi o Renascimento? “Clássico” referia-se à música clássica ou outra coisa qualquer? Qual é a diferença entre “arte moderna” e “arte contemporânea”?levei algum tempo a perceber que há respostas simples e complexas para estas perguntas.mas a primeira coisa que fiz, para satisfazer a minha curiosidade, foi encontrar uma lista de movimentos artísticos e escrevê-la de modo a corrigi-la na minha memória., Isso foi algo como isto:

• a arte Medieval
• Renascentista 1300-1600
• Barroco 1600-1730
• Rococó 1720-1780
• Neoclassicismo 1750-1830
• Romantismo 1780-1880
• Impressionismo 1860-1890
• Pós-impressionismo 1886-1905
• Expressionismo 1905-1930
• o Cubismo, 1907-1914
• Futurismo 1910-1930
• Art Deco 1909-1939
• o Expressionismo Abstrato de 1940
• arte Contemporânea 1946 — presente

Esta é uma boa lista., (Dica: Se você quiser uma versão mais profunda desta lista, com exemplos de artistas e imagens, baixe meus estilos essenciais na história da Arte ocidental.)

uma estrutura simples como esta é indispensável para encontrar seus rolamentos no início. Depois de muitos anos de olhar e pensar sobre a arte, ainda me encontro referindo-me a esta lista.

onde você realmente começa?a verdade é que ninguém começa a pensar na história da arte sem ter primeiro deparado com alguma arte. Talvez fosse uma pintura do Jackson Pollock., Talvez tenha sido uma visita à Capela Sistina em Roma. Talvez alguém te tenha dado um postal com um quadro do Claude Monet na frente.

de alguma forma, em algum lugar, um interesse é aceso., Eu faço este ponto porque todos nós chegamos à história da arte de algum tipo de perspectiva, e é sobre esta perspectiva que estamos propensos a construir o nosso mapa mental de como diferentes estilos de arte, e, em última análise, artistas individuais, se encaixam. É também como os preconceitos são capazes de entrar na nossa compreensão, mesmo que não tenhamos a intenção de fazê-lo. Mas não vamos nos preocupar com isso por agora…para mim, meu interesse foi despertado um dia quando, aos 16 anos, meu professor de arte na escola me levou de lado e me perguntou se eu já tinha ouvido falar de um pintor chamado Wassily Kandinsky. Nunca tive., Uma vez que minhas próprias pinturas na aula estavam começando a se mover para a abstração (sem que eu realmente quisesse), meu professor de arte pensou que eu poderia achar Kandinsky interessante.segui o seu conselho e fui à Biblioteca da escola onde encontrei um livro dedicado ao artista russo. Nunca tinha visto nada assim. Kandinsky era um russo que passou grande parte de sua vida adulta na Alemanha, onde lecionou na Escola de arte Bauhaus. Como pintor, ele é creditado por fazer algumas das primeiras obras puramente abstratas na arte ocidental.,para partilhar aqui, escolhi uma peça chamada Amarelo-Vermelho-Azul que Kandinsky pintou em 1925.

Quando eu olhei para esta pintura, gostei especialmente do grande fita preta que desce ao longo do lado direito, como um rio ou um caminho entre colinas. Também gostei da forma como os diferentes tons de cores se sobrepõem, intersectando e combinando para formar novas formas por baixo. Não fazia ideia do que o trabalho significava. Eu simplesmente gostei de olhar para a explosão de cor e forma aparecendo e desaparecendo com um estranho drama teatral.,

próximas etapas

se quiséssemos colocar Kandinsky na linha do tempo dos movimentos artísticos listados acima, então ele se sentaria dentro do movimento conhecido como Expressionismo (por volta de 1905-1930). O expressionismo teve origem na Alemanha no início do século XX, principalmente através da poesia e da pintura. Artistas como Kandinsky empregavam formas distorcidas e cores fortes, a fim de evocar humores ou ansiedades. Para Kandinsky, a subjetividade da arte tinha uma qualidade espiritual. As cores tinham o poder de afectar respostas emocionais profundas no espectador., A pintura, escreveu ele, ” pode desenvolver as mesmas energias que a música.assim podemos confortavelmente colocar Kandinsky no movimento do Expressionismo. Para fazer isso nos leva até agora, mas categorizando Kandinsky também arriscamos esconder algumas verdades importantes.por exemplo, o facto de ter uma carreira própria, em que o seu trabalho assumia diferentes formas, ao associar-se a artistas diferentes em diferentes cidades europeias. Além disso, o expressionismo em si é um termo abrangente que engloba muitos artistas diferentes com estilos diferentes, alguns abstratos e alguns figurativos.,eu faço este ponto para ilustrar o fato de que a arte é feita em meio a circunstâncias reais, e que as generalizações são úteis apenas até um ponto. Portanto, um próximo passo útil para um historiador de arte ao olhar para uma obra de arte é começar a construir um senso de tempo e lugar específico para a arte e artista em questão. Há várias maneiras de fazer isto. Por exemplo, pode-se começar por pensar nas seguintes questões:

• O artista tinha amigos ou contemporâneos que possam ter influenciado o estilo da obra?,o artista tinha um professor ou vinha de uma tradição?o artista escreveu sobre o seu próprio trabalho?quais eram os materiais disponíveis para o artista na época?o artista era um homem ou uma mulher, e poderia a resposta ter influência no tipo de arte que eles poderiam criar?poderá a raça ou outras especificidades da identidade do artista desempenhar um papel?a obra de arte foi mostrada em público e, em caso afirmativo, quais foram as reações dos primeiros espectadores?,

estas questões não são de modo algum exaustivas, mas apontam talvez para a realidade de qualquer processo criativo: que todos os artistas trabalham num contexto, Com todas as oportunidades e restrições que este contexto possa implicar.

a história é interpretação

lembro-me, há muito tempo, de ter uma discussão com alguém sobre a natureza da história. Lembro-me de dizer que “a história é em grande parte uma questão de interpretação”, a que a outra pessoa respondeu algo ao longo da linha de, “Certamente não. A história não é sobre os factos do que realmente aconteceu?,”

esta ideia — que a história é sobre factos, não interpretação-parece especialmente pertinente na história da arte, uma vez que as obras de arte estão lá à nossa frente, mesmo que o artista tenha morrido há muito tempo. Mas, na realidade, a forma como interagimos e entendemos a arte é, em grande parte, uma questão de como a narrativa da história da arte foi produzida.

Existem inúmeras maneiras de explorar isso, mas vou manter um exemplo bem conhecido.não duvido que tenha ouvido falar do Renascimento., Para descrevê-lo simplesmente, o Renascimento foi um período de tempo, centrado principalmente em torno de Itália, em que as artes floresceram sob uma concentração de patrocínio e, estimulado pela redescoberta de textos do mundo antigo de Roma e Grécia, cuja literatura, o aprendizado e a política eram admirados como uma época de alta realização.A Era do Renascimento incluiu alguns dos artistas mais famosos da história, incluindo Leonardo Da Vinci, Rafael e Michelangelo., Uma das principais fontes de detalhes históricos sobre os artistas da época vem de um livro chamado “vidas dos Artistas”, uma série de biografias de artistas escritas por um pintor e arquiteto italiano do século XVI chamado Giorgio Vasari.

o livro é geralmente considerado como o primeiro estudo da história da arte., É imensamente detalhada e continua a ser útil até hoje para os historiadores de arte que procuram entender o desenvolvimento da arte ocidental.

O problema com este livro é que Vasari foi escrito a partir de uma extremamente partidário, uma vez que ele estava principalmente interessado em defender, Florença e Roma como os centros de excelência artística, com quase nenhuma referência para a arte que estava sendo feita fora da Itália.,Vasari usou uma estrutura de três partes no livro, uma estrutura aproximadamente correspondente aos séculos XIV, XV e XVI, para descrever como os artistas durante estes três períodos redescobriram progressivamente os padrões dos antigos gregos e romanos. Michelangelo é tratado como a expressão final da renovação, um artista que “triunfou sobre artistas antigos, artistas modernos, e até mesmo a própria natureza”.assim, o desenho histórico de Vasari traça uma correspondência entre a passagem do tempo e a crescente realização artística dos artistas italianos., A marcha em frente do progresso tem uma direção especificada porque Vasari identifica um modelo para a sua perfeição.hoje, o Renascimento é uma das pedras angulares da arte, que W. J. Bouwsma descreve como “a tradicional organização dramática da história Ocidental.”Nesta organização, o Renascimento é um ponto de viragem histórico que aproxima a Idade Média de um fim e inaugura a era moderna. É “o capítulo inaugural da história que leva ao nosso próprio tempo.,”

em outras palavras, o efeito da escrita de Vasari sobre seus compatriotas foi ajudar a promover o Renascimento italiano para a posição elevada de grande realização em toda a história da arte.I described at the beginning of this article of my sense that art history was like a relay-race of artists, each passing the baton of creativity on from one to another. Como a discussão sobre o Renascimento, esperamos, ilustra, é Vasari que, em última análise, tenho que agradecer pela minha imagem de relay-race da história da arte.mas a arte é sempre sobre progresso?,

A ideia de progresso é muito atraente para os historiadores porque dá uma estrutura narrativa linear simples, a da história movendo-se para um ponto alto idealizado.

O principal problema com esta forma de olhar para a história da arte é que ela tende a ser exclusiva, na medida em que tem a visão estreita de que a arte ocidental é a história principal da história da arte. Onde, por exemplo, a arte budista poderia caber na Corrida de estafetas? E a arte islâmica, a arte turca, a arte japonesa ou a arte da África Ocidental?,

A verdade é que muitas formas de arte ao redor do mundo se desenvolveram independentemente umas das outras ou com alguma sobreposição mínima. Vasari era um italiano vivendo em Florença, e como tal estava interessado em como a arte maravilhosa ao seu redor foi feita. É compreensível.

O que devemos fazer, no entanto, é lembrar que toda a história da arte é inclinada com um viés para o contador de histórias. É por isso que é um tema interessante para se aprender. E por que, onde quer que olhemos, há sempre mais para entender sobre a história da arte.