afogamento Girl (1963)., Foi nessa época que Lichtenstein começou a encontrar fama não só na América, mas em todo o mundo. Ele voltou para Nova York para estar no centro da cena artística e renunciou da Universidade Rutgers em 1964 para se concentrar em sua pintura. Lichtenstein usou óleo e tinta Magna (acrílica antiga) em suas obras mais conhecidas, como Drowning Girl (1963), que foi apropriado da história principal na DC Comics Secret Hearts No. 83. (“Drowning Girl now hangs in the Museum of Modern Art, New York.,) Drowning Girl also features thick outlines, bold colors and Ben-Day dots, as if created by photographic reproduction. De seu próprio trabalho, Lichtenstein diria que os expressionistas abstratos “colocam as coisas na tela e respondem ao que eles fizeram, às posições de cor e tamanhos. Meu estilo parece completamente diferente, mas a natureza de colocar linhas praticamente é a mesma; o meu simplesmente não sai parecendo caligráfico, como o de Pollock ou o de Kline.”

ao invés de tentar reproduzir seus assuntos, o trabalho de Lichtenstein abordou a maneira como a mídia de massa os retrata., Ele nunca se levaria muito a sério, no entanto, dizendo: “Eu acho que meu trabalho é diferente das tiras de quadrinhos – mas eu não chamaria isso de transformação; eu não acho que o que quer que se queira dizer com isso é importante para a arte. Quando o trabalho de Lichtenstein foi exibido pela primeira vez, muitos críticos de arte da época desafiaram sua originalidade. Seu trabalho foi duramente criticado como vulgar e vazio. O título de um artigo da revista Life em 1964 perguntou: “Ele é o pior artista dos EUA?,”Lichtenstein respondeu a tais reivindicações, oferecendo respostas como as seguintes: “quanto mais próximo o meu trabalho é ao original, mais ameaçador e crítico o conteúdo. No entanto, meu trabalho é totalmente transformado em que meu propósito e percepção são completamente diferentes. Acho que as minhas pinturas estão criticamente transformadas, mas seria difícil prová-lo por qualquer linha racional de argumento.”Ele discutiu experimentar esta pesada crítica em uma entrevista com April Bernard e Mimi Thompson em 1986., Sugerindo que às vezes era difícil ser criticado, Lichtenstein disse: “Eu não duvido quando estou realmente pintando, é a crítica que faz você se perguntar, ele faz.”

Sua imagem mais célebre é indiscutivelmente Whaam! (1963, Tate Modern, Londres), um dos primeiros exemplos conhecidos de arte pop, adaptado de um painel de quadrinhos desenhado por Irv Novick em uma edição de 1962 da DC Comics’ All-American Men of War. A pintura mostra um avião de combate disparando um foguete em um avião inimigo, com uma explosão vermelha e amarela. O estilo cartoon é aumentado pelo uso da letra onomatopeica “Whaam!,”e a legenda encaixotada pressionei o controle de fogo … e à minha frente foguetes voaram pelo céu … Este díptico é grande em escala, medindo 1,7 x 4,0 m (5 pés 7 em x 13 pés 4 in). Whaam segue os temas em quadrinhos de algumas de suas pinturas anteriores e faz parte de um corpo de trabalho com temas de guerra criado entre 1962 e 1964. É uma de suas duas grandes pinturas de guerra. Foi comprado pela Tate Gallery em 1966, depois de ter sido exibido na Leo Castelli Gallery em 1963, e (agora na Tate Modern) tem permanecido em sua coleção desde então., Em 1968, o empresário de Darmstadt, Karl Ströher, adquiriu várias grandes obras de Lichtenstein, tais como Nurse (1964), composições I (1964), we rose slowly (1964) e pinceladas amarelas e verdes (1966). Depois de ter sido emprestado ao Hessiches Landesmuseum Darmstadt por vários anos, o diretor fundador do Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, foi capaz de adquirir um total de 87 obras da coleção Ströher em 1981, principalmente Pop Art americano e arte mínima para o museu em construção até 1991.,Lichtenstein começou a experimentar esculturas por volta de 1964, demonstrando um talento para a forma que estava em desacordo com a rigidez das suas pinturas. Para Chefe De Garota (1964), e cabeça com sombra vermelha (1965), ele colaborou com um ceramicista que esculpiu a forma da cabeça a partir de argila. Lichtenstein então aplicou um esmalte para criar o mesmo tipo de motivos gráficos que ele usou em suas pinturas; a aplicação de linhas pretas e pontos Ben-Day em objetos tridimensionais resultou em um achatamento da forma.,a maioria das obras mais conhecidas de Lichtenstein são relativamente próximas, mas não exatas, de cópias de painéis de banda desenhada, um assunto que ele abandonou em 1965, embora ele ocasionalmente incorporasse quadrinhos em seu trabalho de diferentes formas em décadas posteriores. Esses painéis foram originalmente desenhados por artistas como Jack Kirby e Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick e Jerry Grandenetti, que raramente recebiam qualquer crédito., Jack Cowart, Diretor Executivo da Fundação Lichtenstein, contesta a noção de que Lichtenstein era um copista, dizendo: “o trabalho de Roy foi uma maravilha das fórmulas gráficas e da codificação de sentimentos que tinham sido trabalhados por outros. Os painéis foram alterados em escala, cor, tratamento e em suas implicações. Não há uma cópia exacta.,”No entanto, alguns têm criticado o uso do Lichtenstein de imagens de quadrinhos e peças de arte, especialmente na medida em que esse uso tem sido visto como endosso de uma visão paternalista dos quadrinhos pelo mainstream da arte; o cartunista Art Spiegelman comentou que “Lichtenstein não fez mais ou menos por quadrinhos do que Andy Warhol fez para sopa.as obras de Lichtenstein baseadas em painéis alargados de banda desenhada engendraram um amplo debate sobre os seus méritos como arte. O próprio Lichtenstein admitiu: “estou copiando nominalmente, mas estou realmente reafirmando a coisa copiada em outros termos., Ao fazer isso, o original adquire uma textura totalmente diferente. Não são grossas ou finas pinceladas, são pontos e cores planas e linhas inflexíveis.”Eddie Campbell blogou que” Lichtenstein tirou uma pequena foto, menor que a palma da mão, impresso em quatro tintas de cor em papel de jornal e explodiu até o tamanho convencional em que ‘arte’ é feita e exibida e terminou em tinta sobre tela.”Em relação ao Lichtenstein, Bill Griffith disse uma vez:” há alta arte e baixa arte., E então há a arte alta que pode pegar a arte baixa, trazê-la para um contexto de arte alta, apropriá-la e elevá-la em outra coisa.embora o trabalho baseado em quadrinhos de Lichtenstein ganhou alguma aceitação, as preocupações ainda são expressas por críticos que dizem que Lichtenstein não creditou, pagou qualquer royalties, ou pedir permissão dos artistas originais ou detentores de direitos autorais. Em uma entrevista para um documentário da BBC Four em 2013, Alastair Sooke perguntou ao artista de quadrinhos Dave Gibbons se ele considerava Lichtenstein um plagiador. Gibbons respondeu: “Eu diria ‘imitador’., Na música, por exemplo, você não pode simplesmente assobiar a música de outra pessoa ou executar a música de outra pessoa, não importa o quão mal, sem de alguma forma creditar e dar o pagamento ao artista original. Quer dizer, isto é ” WHAAM! by Roy Lichtenstein, after Irv Novick”. O próprio Sooke afirma que ” Lichtenstein transformou a arte de Novick em uma série de maneiras sutis, mas cruciais.,criadores originais de seus quadrinhos obras, uma reflexão sobre a decisão Nacional de Publicações Periódicas, o antecessor da DC Comics, para omitir qualquer crédito por seus escritores e artistas:

Além de encarnar o cultural, o preconceito contra os quadrinhos como veículos de arte, exemplos como Lichtenstein apropriação do vocabulário dos quadrinhos destaca a importância de tomar o formato de publicação em consideração quando da definição dos quadrinhos, assim como a economia política expressa por tipos específicos de publicações históricas, neste caso, o Americano mainstream de quadrinhos., Em que medida a National Periodical Publications (mais tarde DC) foi responsável pela rejeição dos papéis de Kanigher e Novick como artistas em seu próprio direito ao não lhes conceder crédito autoral completo sobre a própria publicação?”

além disso, Campbell observa que houve um tempo em que artistas de quadrinhos muitas vezes recusaram atribuição para o seu trabalho.,

Em uma conta, publicado em 1998, Novick disse que ele tinha conhecido Lichtenstein no exército, em 1947, e, como seu oficial superior, tinha respondido à Lichtenstein do chorosa reclamações sobre as tarefas braçais, ele foi designado pelo recomendou para um trabalho melhor. Jean-Paul Gabilliet questionou este relato, dizendo que Lichtenstein tinha deixado o exército um ano antes da altura em que Novick diz que o incidente ocorreu. Bart Beaty, observando que Lichtenstein se apropriou de Novick para trabalhos como o Whaam! e tudo bem, tudo bem!,, diz que a história de Novick “parece ser uma tentativa de diminuir pessoalmente” o artista mais famoso.em 1966, Lichtenstein mudou-se da sua famosa imagem do início dos anos 60, e começou a sua série de pinturas modernas, incluindo mais de 60 pinturas e desenhos de acompanhamento. Usando seus característicos pontos Ben-Day e formas geométricas e linhas, ele rendeu imagens incongruentes e desafiadoras a partir de estruturas arquitetônicas familiares, padrões emprestados de Art Déco e outros motivos subtilmente evocativos, muitas vezes sequenciais., A série de Esculturas modernas de 1967-8 fez referência a motivos da arquitetura Art Déco.

mais Tarde, trabalho

No início da década de 1960, Lichtenstein reproduzido obras de Cézanne, Picasso, Mondrian e antes de embarcar em Pinceladas série, em 1965., Lichtenstein continuou a revisitar este tema mais tarde em sua carreira com trabalhos como quarto em Arles que derivou do Quarto de Vincent van Gogh em Arles.em 1970, Lichtenstein foi encomendado pelo Museu de arte do Condado de Los Angeles (dentro de seu programa de Arte e Tecnologia desenvolvido entre 1967 e 1971) para fazer um filme. Com a ajuda da Universal Estúdios de Cinema, o artista concebeu e produziu, Três Paisagens, um filme de paisagens marinhas, diretamente relacionado a uma série de colagens com temas de paisagem que ele criou, entre 1964 e 1966., Embora Lichtenstein tivesse planejado produzir 15 curtas-metragens,a instalação de três telas-feita com o cineasta independente de Nova Iorque Joel Freedman-acabou por ser a única aventura do artista no meio.também em 1970, Lichtenstein comprou uma antiga casa de transporte em Southampton, Long Island, construiu um estúdio na propriedade, e passou o resto da década de 1970 em relativa isolamento. Nas décadas de 1970 e 1980, seu estilo começou a se soltar e ele expandiu o que tinha feito antes. Lichtenstein começou uma série de pinturas espelhos em 1969., Em 1970, enquanto continuava na série Mirrors, ele começou a trabalhar sobre o assunto das entablaturas. As Entablaturas consistiram de uma primeira série de pinturas de 1971 a 1972, seguida de uma segunda série em 1974-76, e a publicação de uma série de gravuras em 1976. Ele produziu uma série de “Artists Studios” que incorporou elementos de seu trabalho anterior. Um exemplo notável é o estúdio do artista, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis), que incorpora cinco outras obras anteriores, encaixadas na cena.,durante uma viagem a Los Angeles em 1978, Lichtenstein ficou fascinado pela coleção do advogado Robert Rifkind de impressões expressionistas alemães e livros ilustrados. Ele começou a produzir obras que emprestaram elementos estilísticos encontrados em pinturas expressionistas. A Árvore Branca (1980) evoca lírico Der Blaue Reiter landscapes, enquanto Dr. Waldmann (1980) recorda o Dr. Mayer-Hermann de Otto Dix (1926). Pequenos desenhos a lápis de cor foram usados como modelos para xilogravuras, um meio favorecido por Emil Nolde e Max Pechstein, bem como Dix e Ernst Ludwig Kirchner., Também no final da década de 1970, o estilo de Lichtenstein foi substituído por obras mais surreais como Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). Uma grande série de pinturas surrealistas-Pop de 1979 a 1981 é baseada em temas nativos americanos. Estas obras vão desde a Figura de Amerind (1981), uma escultura estilizada em tamanho real, reminiscente de um totem aerodinâmico em bronze preto-patinado, até a monumental tapeçaria de lã Amerind (1979)., As obras “indianas” levaram seus temas, como as outras partes da série surrealista, da arte contemporânea e de outras fontes, incluindo livros sobre o design indiano americano da pequena biblioteca de Lichtenstein.as pinturas, esculturas e desenhos de Lichtenstein, que se estendem de 1972 até o início da década de 1980, cobrem uma variedade de motivos e temas, incluindo os mais tradicionais, como frutas, flores e vasos. Em 1983, Lichtenstein fez dois cartazes anti-apartheid, simplesmente intitulado “contra o Apartheid”., Em sua série de reflexão, produzida entre 1988 e 1990, Lichtenstein reutilizou seus próprios motivos de obras anteriores. Interiores (1991-1992) é uma série de obras que retratam ambientes domésticos banais inspirados em anúncios de móveis que o artista encontrou em listas telefônicas ou em outdoors., Tendo recebido inspiração das gravuras monocromáticas de Edgar Degas apresentadas em uma exposição de 1994 no Metropolitan Museum of Art em Nova York, Os motivos de suas paisagens na série de estilo chinês são formados com pontos Benday simulados e contornos de bloco, renderizados em cor dura e vívida, com todos os vestígios da mão removida. O nu é um elemento recorrente no trabalho de Lichtenstein da década de 1990, como na colagem para nu com camisa vermelha (1995).além de pinturas e esculturas, Lichtenstein também fez mais de 300 gravuras, principalmente em Estampagem de tela.,

Comissões

Em 1969, Lichtenstein foi encomendado por Gunter Sachs para criar a Composição e a Leda e o Cisne, para o coletor de Arte Pop suite no Hotel Palace, em St. Moritz., No final da década de 1970 e durante a década de 1980, Lichtenstein recebido grandes comissões para obras em locais públicos: as esculturas da Lâmpada (1978), em santa Maria, a Geórgia, a Sereia (1979), em Miami Beach, a 26 metros de altura Pinceladas em Voo (1984, mudou-se em 1998) em Port Columbus Internacional Aeroporto; os cinco andares de altura Mural com Azul Pincelada (1984-85) no Equitativa Center, em Nova York; e El Cap de Barcelona (1992), em Barcelona. Em 1994, o Lichtenstein criou o Mural de esmalte em metal na estação de metro de Times Square., Em 1977, ele foi contratado pela BMW para pintar uma versão de corrida do grupo 5 do BMW 320i para a terceira parcela do projeto BMW Art Car. O logotipo da DreamWorks Records foi seu último projeto completo. “Eu não estou no negócio de fazer algo assim (um logotipo corporativo) e não pretendo fazê-lo novamente”, permite Lichtenstein. “Mas conheço Mo Ostin e David Geffen e pareceu-me interessante.”

reconhecimento

• 1977 Skowhegan Medal for Painting, Skowhegan School, Skowhegan, Maine.1979 American Academy of Arts and Letters, New York.,1989 American Academy in Rome, Rome, Italy. Artista residente.1991 Creative Arts Award in Painting, Brandeis University, Waltham, Massachusetts.1993 Amici de Barcelona, do Prefeito Pasqual Maragall, L’Alcalde de Barcelona.1995 Kyoto Prize, Inamori Foundation, Kyoto, Japão.1995 National Medal of the Arts, Washington D. C.,Lichtenstein recebeu vários graus de Doutorado Honorário, entre outros, da Universidade George Washington (1996), Bard College, Royal College of Art (1993), Ohio State University (1987), Southampton College (1980), e do California Institute of the Arts (1977). Ele também serviu no Conselho da Academia de música de Brooklyn.