só faz sentido, então, que qualquer número de grandes cineastas foram honrados nesta categoria sem nunca ganhar o Melhor Diretor ou filme: Quentin Tarantino, Sofia Coppola, Spike Jonze., Vale a pena celebrar estes wordsmiths, e estes são os melhores — e os piores — desde 2000.

“Crash” (2005)

provavelmente vem como nenhuma surpresa que Paul Haggis surpresa Melhor Fotografia vencedor leva último lugar nesta lista, pois ele tende a sempre discussões dos menos dignos vencedores do Oscar na memória recente vir ao de cima. “Brokeback Mountain” foi considerado o favorito, com sua perda surpresa sendo interpretada por muitos como um sinal de que Hollywood estava mais disposto a abraçar um filme condenando preconceito do que um celebrando romance gay., Transversais narrativa, que ocorre ao longo de um muito racista dia em Los Angeles, é treacly e artificial, com quase todas as histórias sobrepostas concebido para puxar as cordas do coração, ao entregar uma mão pesada da mensagem que freqüentemente desafia a lógica; “Crash” é ainda eficaz em um nível visceral, apesar de (ou por causa) de sua tolice, no entanto, e com o empenho elenco (especialmente Thandie Newton e Matt Dillon) faz a maior parte do material., —Michael Nordine

“O Discurso do Rei” (2010)

a Tradição impera em David Seidler em 2011 o vencedor, que inteligentemente trata o Rei George (Colin Firth) e de sua gagueira aflição como o material de grande drama, e, para George, muito foi — sem cair na paródia ou melodrama., O roteiro de Seidler — nascido parcialmente de uma obsessão de anos-com o vínculo entre o rei e o terapeuta da fala Lionel Logue (Geoffrey Rush) — é muito divertido e meticulosamente pesquisado. É também o tipo de história inspiradora que pode ser ridicularizada como foleira ou agradável à multidão, mas o que há de errado com isso?, Seidler, um ex-gaguejador ele mesmo, encontrou algo especial no desejo do rei de fazer melhor e o homem que o ajudou a fazer exatamente isso — uma história clássica com alguns toques muito únicos que deve inspirar todos a falar, de qualquer maneira que eles podem. —Kate Erbland

“Gosford Park” (2001)

“Downton Abbey” criador Julian Fellowes escreveu esta Robert Altman, com sucesso, e enquanto o empilhados elenco (Helen Mirren, Maggie Smith, Kristin Scott Thomas, Ryan Phillippe, etc.,) foi vistoso o suficiente para obter a maior parte da atenção, este denso, roteiro imprevisível foi a maneira perfeita para mover a carreira de Fellowes para a lista A. Firmemente escrito com um equilíbrio inteligente da dinâmica de cima para baixo, humor de alta classe, e grandes reviravoltas, este mistério de assassinato faz malabarismo com um vasto conjunto e provoca um número razoável de pistas ao longo do caminho. O público é lançado no meio da propriedade titular; intrigas e insultos vêm rápido e furioso., —William Earl

“Meia-noite em Paris” (2011)

É possível que ninguém se importava menos com “Meia-noite em Paris” ganhar de Melhor Roteiro Original de Woody Allen-se, que a tinha levado para casa o prêmio duas vezes antes e nunca assiste à cerimônia, mas foi um prêmio digno de comemoração. O prolífico filme de maior sucesso financeiro do roteirista-diretor, “Midnight “também foi um retorno dos tipos depois de uma seca de anos em que” Vicky Cristina Barcelona “e” Match Point “foram anómalos entre os gostos de” Anything Else “e” Cassandra’s Dream”.,”O filme é instantaneamente charmoso na forma como o melhor trabalho de Allen sempre é, com Owen Wilson viajando de volta no tempo a cada noite para conhecer luminários como Ernest Hemingway, Pablo Picasso e Salvador Dalí; ir nessas viagens é tanto uma viagem e um deleite. Visitando os anos 20 ou La Belle Époque,” Midnight in Paris ” ambos se entregam e mostram a loucura da falácia da Idade Dourada. O passado pode não ser tão grandioso como imaginamos, mas pelo menos este filme é., —MN

“Pequena Miss Sunshine” (2006)

não É todo ano um filme que vem junto é tão original, embalagem dupla wallop de humor e coração, que faz estrelas de todos os envolvidos. Tal foi o caso com a alegria “Pequena Miss Sunshine”, que introduziu Abigail Breslin e Paul Dano, anunciou Steve Carell como um ator sério, valeu Alan Arkin seu primeiro Oscar, e lançou as carreiras de Jonathan Dayton e Valerie Faris e roteirista Michael Arndt., Provando que não há nada que o público goste mais do que uma família disfuncional num Volkswagen vintage, o que é mais impressionante sobre a comédia amarga de Arndt ensemble é o personagem de atenção. Não há nenhum problema entre eles, em termos de complexidade. Cada membro da família carrega suas próprias peculiaridades e dor em igual medida; eles são tão habilmente desenhados que parece que tudo o que Arndt tinha que colocá-los em uma van juntos e deixá-los descobrir o resto. Através das gerações, Arndt lança luz sobre a sabedoria da juventude, a loucura da velhice, e o mal-estar da meia-idade., No coração de tudo: anseio-e um pouco de sol. —Jude Seca

“Milk” (2008)

“Juno” (2007)

Diablo Cody diálogo em “Juno” é tão crack-de-o-chicote afiado e deliciosamente idiossincrático que é um dos raros filmes independentes que tinha mainstream audiências citando-a por meses., Cody criou uma heroína indelével no jovem homônimo de Ellen Page, um adolescente que se esconde ouve medos e ansiedades sob um exterior de comebacks alternativos. Muito do que torna “Juno” tão charmoso é a forma como o diálogo flui de personagem para personagem. Deve tanto à peculiaridade de Wes Anderson como ao pentâmetro iâmbico de Shakespeare., —Zack Sharf

“Birdman” (2014)

“Birdman” é considerado bem para a sua cinematografia, mas seu roteiro é também algo de um galã em sua capacidade de tecer em conjunto uma identidade, crise de estudo de personagem com uma sátira de retirada do artístico ego. Não admira que tenha sido preciso quatro pessoas para decifrar o roteiro; o diretor Alejandro G. Iñárritu compartilha créditos de roteiro com Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris Jr., e Armando Bo., O roteiro entra habilmente na cabeça do incipiente ator de Michael Keaton, Riggan Thomson, para examinar o quão frágil um homem deve se tornar para ser levado “a sério” por seus pares, seus entes queridos, e ele mesmo. Mas a razão pela qual o script tem sucesso é que ele também distorce essa mesma noção. Quando você pensa que “Birdman” está prestes a se tornar muito sério, ele encontra uma maneira de colocar Riggan em seu lugar e fazer sua situação parecer ridiculamente auto-motivado. É um ato de equilíbrio extremamente arriscado que consegue cada passo do caminho., —ZS

“Django Unchained” (2012)

O “d” pode ser silenciosa, mas nada mais na Quentin Tarantino drama de vingança é. Um dos outings mais controversos de auteur, “Django Unchained” é, por várias métricas, também seu mais bem sucedido: ele fez uma matança nas bilheterias ao som de US $425 milhões em todo o mundo, recebeu aclamação da crítica, e ganhou QT seu segundo Oscar de Melhor Roteiro Original., Que esta continua a ser a única categoria em que o referencial wordsmith ganhou é um testemunho de suas habilidades como escriba, cujo diálogo interminável tornou-se praticamente um gênero para si mesmo; aqui Tarantino nos lembra mais uma vez que, embora muitas vezes imitado, ele ainda está para ser replicado. Seu uso liberal dessa palavra é compreensível para alguns, e Tarantino não é exatamente conhecido por estender um ramo de Oliveira para seus críticos., Se essa abordagem resultou em alguns excessos ao longo do caminho, no entanto, também o ajudou a criar um corpo único de trabalho em cada peça é tão notável como o todo. —MN

“Spotlight” (2015)

Tom McCarthy e Josh Singer “Spotlight” roteiro é um testamento para o trabalhador, o jornalismo que se recusa a glorificar os seus heróis ou transformar sua busca pela verdade em uma exploração ou manipulação emocional viagem., O filme narra os esforços feitos por jornalistas investigativos no Boston Globe para descobrir o abuso sexual sistêmico de crianças na área de Boston por numerosos padres católicos. O roteiro de Singer e McCarthy é construído passo a passo pelo processo jornalístico e encontra as emoções crescentes em pesquisas e reportagens Pitty gritty. Quanto mais os repórteres descobrem, mais os holofotes se tornam. Os roteiristas não dão as mãos aqui. Eles visam provar o poder de relatar cara-a-cara em uma época em que a impressão está morrendo e digital domina. Missão cumprida. – ZS

7., “Quase Famosos” (2000)

Cameron Crowe construiu uma carreira em colocar sua enviably fascinante vida na tela, mas nenhum de seus filmes têm sido mais pessoal do que em 2000 “Quase Famosos.”Ficcionando suas origens como um repórter de música para a Rolling Stone, Crowe traz um olho experiente para a história de sua juventude, sem perder de vista as propriedades alquímicas da idolatria adolescente e do primeiro amor., William Miller (Patrick Fugit) é um narrador fácil de relacionar, inteligente e doce o suficiente para que você se pergunte se toda a emoção vale a sua inocência perdida. Não há um cinegrafista vivo que não tenha sido apanhado pela Penny Lane da Kate Hudson, A definição de rapariga-Informática inatingível. Crowe constrói o mundo do rock and roll dos anos 70 tão precisa e carinhosamente, que é um daqueles filmes que se deseja poder viver lá dentro por algum tempo. É impossível não nos apaixonarmos, e suspeitamos que o Crowe teve a mesma experiência a escrevê-lo., —JD

“Fale com Ela” (2002)

Pedro Almodóvar melhor filme é nascido de seu mais engenhoso roteiro, um sinuoso e peça concurso de escrita que lança um milhão de diferentes torções na pia da cozinha e deixa-los de molho em conjunto em uma única enfeitadas melodrama. Juntando dois romances perpendiculares num retrato singular de solidão e obsessão, Almodóvar usa todo o tipo de artifício para nos envolver numa história que seria demasiado desgastante para enfrentar de frente., Contada via flashbacks, destacada por várias comas, e pontuada por tudo, desde matadores a Pina Bausch a uma enorme vagina de Papier-mâché, “Talk to Her” tem um absurdo bastante elevado para preencher uma temporada inteira de uma novela Diurna. E ainda assim, cada uma das excentricidades do script reorienta o quadro geral, até que tenhamos tanta empatia até mesmo pelo mais perigosamente apaixonado desses personagens que não podemos deixar de ver a beleza no que os une e a tragédia no que os mantém separados., —David Ehrlich

“The Hurt Locker” (2008)

Uma das mais memoráveis linhas em “The Hurt Locker” nunca é falado em voz alta: “a Guerra é uma droga. Mark Boal fez essa observação de Tara McKelvey como o epígrafe de seu roteiro, e a partir dele ele criou o que muitos outros tentaram e falharam antes dele: um filme de guerra do Iraque que ressoou com o público., Ele também começou uma parceria frutífera com Kathryn Bigelow, resultando no ainda melhor “Zero Dark Thirty” e “Detroit” deste ano; os dois estão tão em sintonia um com o outro que agora é difícil imaginar um trabalhando sem o outro. A visão de Boal sobre o conflito centra-se nas bombas enterradas no chão e as almas azaradas incumbidas de escavá-las, nomeadamente William James de Jeremy Renner; apesar de toda a tensão dos dedos brancos, a melhor cena do filme tem lugar longe do campo de batalha. Depois de voltar para casa como civil, James fala com seu filho sobre o amor., “Quanto mais velho você fica, menos coisas você realmente ama”, diz ele, ” e quando você chega à minha idade, talvez seja apenas uma ou duas coisas. Comigo, acho que é um.”Sabemos do que ele está a falar, é claro, e porque é que ele nunca sairá verdadeiramente da guerra., —MN

“Lost in Translation” (2003)

não vá olhando para Sofia Coppola, 2003 vencedor para quaisquer sugestões que aqueles infames palavras finais são — Bill Murray, inclinando-se para dizer a Scarlett Johansson um segredo, e um segredo que ele deve permanecer — como o cineasta notoriamente disse a ela estrelas para improvisar o final, se assim o entenderem., A versão escrita — um par de trocados “i’ll miss yous” — foi bastante boa, mas que Coppola sabia que era melhor, mais rico, e mais real para deixar o par descobrir por conta própria fala com um escritor sem medo de deixar sua história contar, bem, sua própria história. Ambos Charlotte de Johansson e Bob Harris de Murray (Coppola, sempre um empertigado para detalhes, até mesmo se concentrou no fato de que Bob Harris é muito um daqueles “sempre ambos os nomes” tipo de caras) são tão habilmente desenhados por Coppola, que parece que eles poderiam improvisar qualquer coisa e parece apropriado., O roteiro de Coppola faz trabalhos semelhantes quando se trata da comédia prodigiosa do filme, desenhando bem o constrangimento de ser literalmente perdido na tradução — bem como traumas cotidianos já divertidos na página que vem à vida quando colocado na tela. —KE

“Seu” (2013)

as Palavras sejam um prémio especial, Spike Jonze é “Ela”, que devem girar em conjunto um inteiro (novo e admirável) mundo onde a tecnologia toca todos os segmentos da vida (mais do que já faz, mas não por muito) ao mesmo tempo confiando fortemente no poder de muito boa conversa., O romance peculiar é obcecado por eles — das palavras que Teddy (Joaquin Phoenix) escreve como parte de seu trabalho escrever cartas de amor e agradecer cartas para as palavras que Samantha (Scarlett Johansson) tão maravilhosamente diz que Teddy Não pode deixar de se apaixonar por ela, mesmo que ela não seja uma humana. Jonze faz cada um contar. Enquanto ” Her ” constrói o que acontece ser uma história de amor estranhamente tradicional-a sério, não importa que a Samantha seja apenas uma I. A. super inteligente — ,, as questões que ela e Teddy enfrentam são assustadoramente relacionáveis-a profundidade de sentimento e senso de verdadeira construção do mundo colocar-lhe um corte acima de outros batedores de coração de sua laia. – Ke

“Manchester by the Sea” (2016)

o que é muitas vezes ignorado ao discutir “Manchester by the Sea”, um dos melhores filmes do ano passado e, certamente, o mais difícil, é o quão engraçado é., O roteiro de Kenneth Lonergan equilibra quase todas as cenas de Partir o coração com um momento de leviandade, a maioria deles cortesia de Lucas Hedges (duas palavras: “basement business”); isso prova crucial, como o filme poderia ter sido simplesmente muito triste para a maioria das pessoas para passar. Cada lágrima é merecida aqui, seja de riso ou (mais frequentemente) tristeza, com Lonergan mostrando várias vezes que “você pode contar comigo” e “Margaret” estavam longe de engodos., Ele é ajudado muito pelo seu elenco, especialmente Casey Affleck e Michelle Williams, que em uma cena devastadora trazer suas palavras para a vida de uma forma que é difícil de suportar e impossível de virar. Esta descrição aplica-se a” Manchester ” como um todo. —MN

“Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (2004)

não é coincidência que, trabalhando juntos, Charlie Kaufman e Michel Gondry fizeram o filme mais bem sucedido de ambas as suas carreiras. Junta dois visionários, e eles vão trazer o melhor um do outro., É um conceito muito romântico para Kaufman ter concebido por conta própria, o que explica o crédito compartilhado com Gondry e o artista conceitual francês Pierre Bismuth. Ainda assim, não há como confundir o Joel Barish do Jim Carrey com outra coisa que não seja uma criação do Kaufman, com o seu olhar de cão vadio e aura infeliz. Temos de perdoá-lo por ter dado à luz a miúda dos sonhos maníacos e, além disso, a Clementine tem mais chutzpah do que os seus descendentes mais íntimos. A imitação pode ser a forma mais sincera de lisonja, mas algo está sempre perdido na tradução., Há algo intangível atraente sobre o romance de alto conceito, que misturou o surrealismo melancólico de Kaufman com o calor caprichoso de Gondry. Foi um casamento perfeito que nenhum artista jamais replicou por conta própria. – JD