Porównaj filmy, które mają wygrałem najlepszy film na Oscarach dla tych, którzy zabrali do domu Najlepszy scenariusz oryginalny i przekonasz się, że tak często, jak nie, ten ostatni jest bardziej imponująca lista., Czasami nakładają się na siebie, ale kiedy tego nie robią — „Pulp Fiction” i „Forrest Gump”, „Talk to Her” I „Chicago”, „Melvin i Howard” i „Ordinary People” – wydaje się to niemal milczącym przyznaniem, że Akademia rzuca filmowi kość, która zostanie bardziej zapamiętana niż ostateczny zwycięzca.
sensowne jest więc to, że w tej kategorii uhonorowano wielu wspaniałych filmowców, nie zdobywając nigdy nagrody dla Najlepszego Reżysera lub obrazu: Quentina Tarantino, Sofii Coppoli, Spike ' a Jonze., Te słowa warto uczcić, a to są najlepsze — i najgorsze-z nich od 2000 roku.
„Crash” (2005)
prawdopodobnie nie jest zaskoczeniem, że Paul Haggis' surprise Best Picture winner zajmuje ostatnie miejsce na tej liście, ponieważ ma tendencję do dyskusji najmniej godnych zdobywców oscara w ostatnich wspomnieniach pojawiają się. „Brokeback Mountain” był uważany za faworyta, a jego niespodziewana utrata była interpretowana przez wielu jako znak, że Hollywood bardziej chętnie przyjmowało film potępiający uprzedzenia niż ten celebrujący gejowski romans., Przekrojowa narracja, która rozgrywa się w ciągu jednego bardzo rasistowskiego dnia w Los Angeles, jest treacly i wymyślona, z prawie każdym z nakładających się historii zaprojektowanych, aby szarpać za sznurki serca, jednocześnie dostarczając ciężkiego przekazu, który często przeczy logice; „Crash” jest nadal skuteczny na poziomie trzewnym pomimo (lub z powodu) jego głupoty, jednak, A zaangażowana Obsada (zwłaszcza Thandie Newton i Matt Dillon) sprawia, że większość materiału., —Michael Nordine
„The King ' s Speech” (2010)
popularna na Indiewire
tradycja króluje w zwycięzcy Davida Seidlera z 2011 roku, który sprytnie traktuje króla Jerzego (Colin Firth) i jego jąkającą się dolegliwość jako rzecz wielkiego dramatu — A Dla George ' a to było bardzo — bez wpadania w parodię czy melodramat., Scenariusz Seidlera — Zrodzony częściowo z wieloletniej obsesji na punkcie więzi między królem a logopedą Lionelem Logue (Geoffrey Rush)-jest niezwykle zabawny i skrupulatnie badany. Jest to również rodzaj inspirującej historii, która może być wyśmiewana jako tandetna lub przyjemna dla tłumu, ale co w tym złego?, Seidler, były jąkający się sam, znalazł coś wyjątkowego zarówno w pragnieniu króla, aby zrobić coś lepszego, jak i w człowieku, który mu w tym pomógł — klasyczna historia z kilkoma wyjątkowymi akcentami, które powinny zainspirować wszystkich do wypowiedzenia się, w dowolny sposób mogą. – Kate Erbland
„Gosford Park” (2001)
twórca Downton Abbey Julian Fellowes napisał ten przebój Roberta Altmana, a podczas gdy Obsada stacked ensemble (Helen Mirren, Maggie Smith, Kristin Scott Thomas, Ryan Phillippe itp., ten gęsty, nieprzewidywalny scenariusz był doskonałym sposobem na przeniesienie kariery Fellowesa na Listę A. Ściśle napisana z sprytną równowagą dynamiki na piętrze i na dole, wysokiej klasy humoru i wspaniałych zwrotów akcji, ta tajemnica morderstwa żongluje ogromnym zespołem i dokucza sporej liczbie wskazówek po drodze. Publiczność zostaje upuszczona na środek tytułowej posiadłości; intrygi i obelgi przychodzą szybko i wściekle., – William Earl
„Midnight in Paris” (2011)
możliwe, że nikt nie dbał o to, aby „Midnight in Paris” wygrał najlepszy scenariusz oryginalny niż sam Woody Allen, który odebrał nagrodę dwa razy wcześniej i nigdy nie uczestniczył w ceremonii, ale była to nagroda warta uczczenia. Najbardziej udany finansowo film pisarza i reżysera, „Midnight”, był również swego rodzaju powrotem po wieloletniej suszy, w której” Vicky Cristina Barcelona „i” Match Point „były odbiegające od takich jak” cokolwiek innego „i” sen Cassandry.,”Film jest od razu Czarujący w sposób, w jaki zawsze jest najlepsze dzieło Allena, z Owenem Wilsonem podróżującym w czasie każdej nocy, aby spotkać takich luminarzy, jak Ernest Hemingway, Pablo Picasso i Salvador Dalí; podróżowanie w tych podróżach jest zarówno podróżą, jak i ucztą. Niezależnie od tego, czy odwiedzasz lata 20., czy La Belle Époque, „Północ w Paryżu” zarówno pobłaża i pokazuje szaleństwo błędnego Złotego Wieku. Przeszłość może nie być tak wielka, jak sobie wyobrażamy, ale przynajmniej ten film jest., —MN
„Little Miss Sunshine” (2006)
nie co roku pojawia się film, który jest tak oryginalny, pakujący podwójną pulę humoru i serca, że sprawia, że gwiazdy z wszystkich zaangażowanych. Tak było w przypadku radosnej „Małej Miss Sunshine”, która wprowadziła Abigail Breslin i Paula Dano, ogłosiła Steve ' a Carella poważnym aktorem, przyniosła Alanowi Arkinowi pierwszego Oscara i zapoczątkowała kariery Jonathana Daytona i Valerie Faris oraz scenarzysty Michaela Arndta., Udowadniając, że w zabytkowym Volkswagenie nie ma nic, co widzowie kochają bardziej niż dysfunkcyjna rodzina, w gorzko-słodkiej komedii Arndta najbardziej imponuje charakter uwagi. Nie ma niewypału wśród bandy, jeśli chodzi o złożoność. Każdy członek rodziny nosi w sobie własne dziwactwa i ból w równej mierze; są tak fachowo narysowani, że wydaje się, że Arndt musiał tylko trzymać ich w furgonetce i pozwolić im zrozumieć resztę. Przez pokolenia Arndt rzuca światło na mądrość młodości, szaleństwo starości i złe samopoczucie wieku średniego., W sercu tego wszystkiego: Tęsknota — i trochę słońca. – Jude Dry
„Milk” (2008)
„Juno” (2007)
dialog Diablo Cody ' ego w „Juno” jest tak ostry i zachwycająco idiosynkratyczny, że jest jednym z rzadkich filmów indie, które miały głównego nurtu cytowania go przez miesiące., Cody stworzył niezatarte bohaterki w tytułowym youngster Ellen Page, zmotoryzowanej nastolatce, która ukrywa obawy i niepokoje pod pozorem alternatywnych sass i zgryźliwych powrotów. Wiele z tego, co czyni „Juno” takim czarem, to sposób, w jaki dialog płynie od postaci do postaci. Zawdzięcza tak samo specyfice Wesa Andersona, jak jambicznemu pentametrowi Szekspira., —Zack Sharf
„Birdman” (2014)
„Birdman” jest dobrze ceniony za zdjęcia, ale jego scenariusz jest również czymś w rodzaju oszałamiającego w jego zdolności do splatania ze sobą badania postaci z kryzysem tożsamości z satyrycznym zdjęciem artystycznego ego. Nic dziwnego, że do napisania scenariusza potrzeba było czterech osób; reżyser Alejandro G. Iñárritu podziela uznanie za scenariusz z Nicolásem Giacobone, Alexandrem Dinelarisem Jr. i Armando Bo., Scenariusz trafia do głowy raczkującego aktora Michaela Keatona, Riggana Thomsona, by zbadać, jak kruchy musi stać się człowiek, by być traktowanym „poważnie” przez rówieśników, bliskich i siebie samego. Ale powodem, dla którego scenariusz się powiódł, jest to, że również przekrzywia to samo pojęcie. Kiedy myślisz, że „Birdman” stanie się zbyt poważny, znajdziesz sposób, aby umieścić Riggana na jego miejscu i sprawić, że jego sytuacja będzie śmiesznie egoistyczna. To niezwykle ryzykowne działanie równoważące, które udaje się na każdym kroku., —ZS
„Django Unchained” (2012)
„d” może być ciche, ale nic innego w dramacie zemsty Quentina Tarantino nie jest. Jeden z najbardziej kontrowersyjnych filmów autora, „Django Unchained”, jest, według kilku metryk, również jego największym sukcesem: osiągnął zabójstwo w box office do wysokości 425 milionów dolarów na całym świecie, otrzymał uznanie krytyków i zdobył QT swoją drugą nagrodę Akademii za najlepszy scenariusz oryginalny., To, że jest to jedyna kategoria, w której zwyciężył autor słów odniesienia, świadczy o jego zdolnościach jako skryby, którego nieskończenie cytowalny dialog praktycznie stał się gatunkiem samym w sobie; tutaj Tarantino przypomina nam po raz kolejny, że choć często naśladowany, nie da się go jeszcze odtworzyć. Jego liberalne użycie tego słowa jest zrozumiałe dla niektórych, A Tarantino nie jest dokładnie znany z rozszerzenia gałązki Oliwnej do swoich krytyków., Jeśli jednak takie podejście spowodowało pewne przeoczenia po drodze, to również pomogło mu stworzyć jedyne w swoim rodzaju dzieło w każdym kawałku, który jest tak niezwykły, jak całość. —MN
„Spotlight” (2015)
scenariusz „Spotlight” Toma McCarthy ' ego i Josha Singera jest świadectwem pracowitego dziennikarstwa, które nie chce gloryfikować swoich bohaterów lub zamienić ich poszukiwania prawdy w emocjonalną podróż wyzysku lub manipulacji., Film opowiada o wysiłkach dziennikarzy śledczych z Boston Globe w celu odkrycia systemowego wykorzystywania seksualnego dzieci w okolicy Bostonu przez licznych księży rzymskokatolickich. Scenariusz Singera i McCarthy ' ego jest budowany krok po kroku przez proces dziennikarski i znajduje eskalujące emocje w badaniach i raportowaniu. Im więcej reporterzy odkrywają, tym bardziej chwytliwy staje się” Reflektor”. Scenarzyści nie trzymają tu żadnych rąk. Ich celem jest udowodnienie potęgi relacji twarzą w twarz w czasach, w których druk umiera, a dominuje cyfryzacja. Misja wykonana. – ZS
7., „Almost Famous”(2000)
Cameron Crowe zbudował karierę na pokazaniu swojego fascynującego życia na ekranie, ale żaden z jego filmów nie był bardziej osobisty niż „Almost Famous” z 2000 roku.”Fikcjonując swoje początki jako reporter muzyczny dla Rolling Stone, Crowe przybliża doświadczoną historię swojej młodości, nie tracąc z oczu alchemicznych właściwości nastoletniego ubóstwiania i pierwszej miłości., Młody William Miller (Patrick Fugit) jest narratorem łatwym do nawiązania, inteligentnym i na tyle słodkim, że zastanawiasz się, czy wszystkie emocje są warte jego utraconej niewinności. Nie ma żywej kinomanki, która nie została przygarnięta przez Penny Lane Kate Hudson. sama definicja nieosiągalnej it – Girl cool. Crowe buduje świat rock and rolla lat 70. tak precyzyjnie i z miłością, że jest to jeden z tych filmów, w których chciałbyś przez jakiś czas mieszkać. Nie da się nie zakochać, a podejrzewam, że Crowe miał takie samo doświadczenie pisząc to., —JD
„Talk to Her” (2002)
Najlepszy film Pedro Almodóvara wyklęty jest z jego najbardziej pomysłowego scenariusza, kręty i delikatny kawałek pisma, który rzuca milion różnych załamań do zlewu kuchennego i pozwala im zanurzyć się razem w wyjątkowo kwiecisty melodramat. Łącząc ze sobą dwa prostopadłe romanse w pojedynczy portret samotności i obsesji, Almodóvar wykorzystuje wszelkie sztuczności, aby zaangażować nas w historię, która byłaby zbyt bolesna, aby stawić czoło wprost., Opowiedziane przez retrospekcje, podkreślone przez wiele śpiączek i przerywane przez wszystko, od matadorów przez Pinę Bausch po masywną waginę z papieru-mâché, „Porozmawiaj z nią” ma wystarczająco dużo absurdu, aby wypełnić cały sezon dziennej opery mydlanej. A jednak, każdy z ekscentryczności scenariusza ponownie koncentruje się na szerszym obrazie, dopóki nie mamy tyle empatii do nawet najbardziej niebezpiecznie zauroczonych tych bohaterów, że nie możemy pomóc, ale zobaczyć piękno w tym, co je łączy, a tragedia w tym, co trzyma je od siebie., – David Ehrlich
„The Hurt Locker” (2008)
jeden z najbardziej pamiętnych wersów w „The Hurt Locker” nigdy nie mówi się głośno: „wojna to narkotyk.”Mark Boal wziął tę obserwację od Tary McKelvey jako epigraf do swojego scenariusza i z niej stworzył to, co wielu innych próbowało i zawiodło przed nim: film o wojnie w Iraku, który rezonował z publicznością., Rozpoczął również owocną współpracę z Kathryn Bigelow, co zaowocowało jeszcze lepszymi „Zero Dark Thirty” i tegorocznym „Detroit”; oba są ze sobą tak zestrojone, że trudno sobie wyobrazić, że jedno działa bez drugiego. Widok boala z poziomu ziemi na konflikt koncentruje się na bombach zakopanych w ziemi i pechowych duszach, których zadaniem jest ich wydobycie, a mianowicie William James Jeremy ' ego Rennera; jednak Najlepsza scena filmu rozgrywa się z dala od pola bitwy. Po powrocie do domu, James rozmawia z synem o miłości., „Im jesteś starszy, tym mniej rzeczy naprawdę kochasz, „mówi,” i zanim dojdziesz do mojego wieku, może to tylko jedna lub dwie rzeczy. Ze mną to chyba jeden.”Wiemy oczywiście, o czym mówi i dlaczego nigdy tak naprawdę nie opuści wojny., —MN
„Lost in Translation” (2003)
nie szukajcie zwycięzcy Sofii Coppoli z 2003 roku, aby dowiedzieć się, czym są te niesławne słowa końcowe — Bill Murray pochyla się, aby powiedzieć Scarlett Johansson sekret, a sekret pozostanie — jak filmowiec notorycznie kazał jej gwiazdom improwizować koniec, jak uznali za stosowne., Wersja pisemna-para ” I 'll miss yous” – była w porządku, ale Coppola wiedział, że lepiej, bogatiej i bardziej realnie pozwolić parze to rozgryźć na własną rękę, mówi do pisarza, który nie bał się, aby jej historia opowiedziała, cóż, swoją własną historię. Zarówno Charlotte Johanssona, jak i Boba Harrisa Murraya (Coppola, zawsze przywiązujący wagę do szczegółów, skupiony nawet na tym, że Bob Harris jest jednym z tych” zawsze obie nazwy”) są tak sprytnie rysowane przez Coppolę, że wydaje się, jakby mogli improwizować cokolwiek i wydaje się to właściwe., Scenariusz Coppoli działa podobnie, jeśli chodzi o niesamowitą komedię filmu, starannie czerpiąc z niezręczności bycia dosłownie zagubionym w tłumaczeniu — jak również codziennych Traum już zabawnych na stronie, które ożywają po wyświetleniu na ekranie. —KE
„Her” (2013)
słowa mają szczególne znaczenie w „Her” Spike 'a Jonze' a, które muszą spin razem cały (nowy, odważny) świat, w którym technologia dotyka każdego segmentu życia (bardziej niż już ma, ale nie za bardzo), a jednocześnie polegają w dużym stopniu na sile bardzo dobrej rozmowy., Dziwaczny romans ma na ich punkcie obsesję — od słów, które Teddy (Joaquin Phoenix) pisze w ramach swojej pracy, pisząc listy miłosne i kartki z podziękowaniami, po słowa, które Samantha (Scarlett Johansson) tak pięknie mówi, że Teddy nie może się w niej zakochać, mimo że nie jest człowiekiem. Jonze sprawia, że każdy się liczy. Podczas gdy” ona ” buduje to, co dzieje się dziwnie tradycyjną historią miłosną — poważnie, nie ma znaczenia, że Samantha jest po prostu super-mądrą si.,, problemy, z którymi boryka się ona i Teddy, są zaskakująco powiązane — głębia uczuć i poczucie prawdziwego budowania świata stawiają ją ponad innymi szarpnięciami serca. —KE
„Manchester by the Sea” (2016)
to, co jest często pomijane podczas omawiania „Manchester by the Sea”, jednego z najlepszych filmów zeszłorocznych, a na pewno najbardziej wciągającego, jest cholernie zabawne., Scenariusz Kennetha Lonergana balansuje prawie każdą bolesną scenę z momentem beztroski, większość z nich dzięki uprzejmości Lucasa Hedgesa (dwa słowa:” Piwniczna sprawa”); okazuje się to kluczowe, ponieważ film mógłby być po prostu zbyt smutny dla większości ludzi, aby przejść. Każda łza jest tu zasługiwana, czy to ze śmiechu, czy (częściej) żalu, z Lonergan pokazując raz po raz, że ” możesz na mnie liczyć „i” Margaret ” były dalekie od fuksów., Bardzo pomaga mu Obsada, zwłaszcza Casey Affleck i Michelle Williams, którzy w jednej z druzgocących scen ożywają jego słowa w sposób trudny do zniesienia i niemożliwy do odwrócenia. Opis ten odnosi się do” Manchesteru ” jako całości. —MN
„Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (2004)
To nie przypadek, że pracując razem, Charlie Kaufman i Michel Gondry nakręcili najbardziej udany film w swojej karierze. Połącz dwóch wizjonerów, a na pewno wydobędą w sobie to, co najlepsze., To zbyt romantyczna koncepcja, by Kaufman wymyślił ją na własną rękę, co wyjaśnia wspólną historię Gondry 'ego i francuskiego artysty konceptualnego Pierre' a Bizmutha. Mimo to, nie można pomylić Joela Barisha Jima Carreya z czymś innym niż kreacją Kaufmana, z jego wyglądem hangdoga i nieszczęsną aurą. Musimy mu wybaczyć, że urodził oryginalną maniakalną pixie dream girl, a poza tym, Clementine ma więcej chutzpah niż jej bardziej zamaskowanych Potomków. Naśladownictwo może być najszczerszą formą pochlebstwa, ale zawsze coś ginie w tłumaczeniu., Jest coś nieuchwytnego pociągającego w romantyzmie high-concept, który łączył melancholijny Surrealizm Kaufmana z kapryśnym ciepłem Gondry ' ego. To było idealne małżeństwo, którego żaden artysta nigdy nie powielał samodzielnie. – JD