Kobiety artystki | Yakaranda

Medieval periodEdit

scena z gobelinu Bayeux przedstawiająca Odo, biskupa Bayeux, zbierającego wojska księcia Williama podczas bitwy pod Hastings w 1066
herrad z Landsbergu, Autoportret z Hortus deliciarum, ok., 1180
Hildegarda z Bingen, „człowiek Uniwersalny” iluminacja z Liber Divinorum Operum Hildegardy, 1165
Hildegard von Bingen, macierzyństwo z ducha i wody, 1165, z Liber divinorum operum, Benediktinerinnenabtei Sankt Hildegard, Eibingen (bei Rüdesheim)

artyści średniowieczni okres obejmuje klarysę, diemudus, Ende, guda, herrade z Landsberg i Hildegarda z Bingen., We wczesnym średniowieczu kobiety często pracowały obok mężczyzn. Iluminacje manuskryptów, hafty i rzeźbione kapitele z tego okresu wyraźnie pokazują przykłady kobiet pracujących w tych sztukach. Z dokumentów wynika, że byli to także browarnicy, rzeźnicy, kupcy wełny i kupcy żelaza. Artyści z tego okresu, w tym kobiety, pochodzili z małej podgrupy społeczeństwa, której status pozwalał im uwolnić się od tych bardziej uciążliwych rodzajów pracy. Artystki często należały do dwóch klas literackich, albo zamożnych arystokratycznych kobiet, albo zakonnic., Kobiety w pierwszej kategorii często tworzyły hafty i tkaniny; te w późniejszej kategorii często wytwarzały iluminacje.

w Anglii istniało wówczas wiele warsztatów hafciarskich, szczególnie w Canterbury i Winchesterze; Opus Anglicanum czyli haft angielski był już znany w całej Europie – XIII-wieczny inwentarz papieski liczył ponad dwieście sztuk. Przypuszcza się, że kobiety były niemal całkowicie odpowiedzialne za tę produkcję.,

Tkanina Bayeuxedytuj

główny artykuł: Tkanina Bayeux

jednym z najbardziej znanych haftów (nie jest to tkanina) z okresu średniowiecza jest tkanina Bayeux, która została haftowana wełną na dziewięciu płóciennych panelach i ma 230 stóp długości. Siedemdziesiąt scen opowiada o bitwie pod Hastings i normańskim podboju Anglii. Gobelin z Bayeux mógł być wykonany w warsztacie handlowym przez Królewską lub arystokratyczną damę i jej orszak, lub w warsztacie w klasztorze., Sylvette Lemagnen, konserwatorka gobelinów, w swojej książce La Tapisserie de Bayeux z 2005 roku stwierdza:

gobelin z Bayeux jest jednym z najwyższych osiągnięć normańskiego stylu romańskiego …. Jego przetrwanie prawie nienaruszone przez dziewięć stuleci jest mało cudowne … Wyjątkowa długość, harmonia i świeżość kolorów, znakomite wykonanie i geniusz ducha przewodniego sprawiają, że jest nieskończenie fascynujący.,

wysokie Średniowieczeedytuj

w XIV wieku udokumentowano pracownię królewską, mieszczącą się w Tower of London. Iluminacja rękopisu daje nam wielu znanych artystów średniowiecza, w tym Ende, 10-wieczna hiszpańska Zakonnica; Guda, 12-wieczna niemiecka zakonnica; i Claricia, 12-wieczna świecka kobieta w bawarskim skryptorium., Te kobiety i wiele innych nienazwanych iluminatorów skorzystało z natury klasztorów jako głównego miejsca nauki dla kobiet w tym okresie i najbardziej wytrzymałej opcji dla intelektualistów wśród nich.

w wielu częściach Europy, wraz z reformami gregoriańskimi z XI wieku i wzrostem feudalizmu, kobiety napotykały wiele ograniczeń, których nie napotykały we wczesnym średniowieczu. Wraz z tymi zmianami społecznymi zmienił się status klasztoru., Na Wyspach Brytyjskich podbój Normanów oznaczał początek stopniowego upadku klasztoru jako miejsca nauki i miejsca, w którym kobiety mogły zdobyć władzę. Zakonnicy byli zależni od Opatów męskich, a nie byli kierowani przez opata, jak to miało miejsce wcześniej. W pogańskiej Skandynawii (w Szwecji) jedyna potwierdzona historycznie kobieta runemaster, Gunnborga, działała w XI wieku.

Hildegarda z Bingen I. 6: chóry Aniołów. Z rękopisu Rupertsberg, fol. 38r.,

w Niemczech jednak, za panowania dynastii Ottońskiej, klasztory zachowały swoją pozycję jako instytucje edukacyjne. Może to być częściowo spowodowane tym, że klasztory były często kierowane i zamieszkiwane przez niezamężne kobiety z rodzin królewskich i arystokratycznych. Dlatego też największe późnośredniowieczne dzieło kobiet pochodzi z Niemiec, czego przykładem są Herrade z Landsbergu i Hildegarda z Bingen. Hildegarda z Bingen (1098-1179) jest szczególnie wspaniałym przykładem niemieckiego średniowiecznego intelektualisty i artysty., Napisała Boskie dzieła prostego człowieka, zasłużone życie, sześćdziesiąt pięć hymnów, sztukę cudów i długi traktat dziewięciu książek o różnych Naturach drzew, roślin, zwierząt, ptaków, ryb, minerałów i metali. Od najmłodszych lat twierdziła, że ma wizje. Kiedy papiestwo poparło te twierdzenia dyrektorki, jej pozycja jako ważnej intelektualistki została ocynkowana. Wizje stały się częścią jednego z jej przełomowych dzieł w 1142 roku, Scivias (poznaj drogi Pańskie), który składa się z trzydziestu pięciu wizji odnoszących się i ilustrujących historię zbawienia., Ilustracje na Scivias, jak na przykładzie pierwszej ilustracji, przedstawiają Hildegardę doświadczającą wizji, siedzącą w klasztorze w Bingen. Różnią się znacznie od innych stworzonych w Niemczech w tym samym okresie, ponieważ charakteryzują się jasnymi kolorami, naciskiem na linię I uproszczonymi formami. Podczas gdy Hildegarda prawdopodobnie nie pisała obrazów, ich specyficzna natura prowadzi do przekonania, że zostały stworzone pod jej ścisłym nadzorem.

w XII wieku nastąpił rozkwit miasta w Europie, wraz z rozwojem handlu, podróży i uniwersytetów., Te zmiany w społeczeństwie spowodowały również zmiany w życiu kobiet. Kobiety mogły prowadzić interesy swoich mężów, jeśli były owdowiałe. Żona Bath z opowieści Canterbury Chaucera jest jednym z takich przypadków. W tym czasie kobiety mogły również należeć do niektórych cechów rzemieślniczych. Z dokumentów Gildii wynika, że kobiety były szczególnie aktywne w przemyśle tekstylnym we Flandrii i północnej Francji. Średniowieczne rękopisy mają wiele marginaliów przedstawiających kobiety z wrzecionami., W Anglii kobiety były odpowiedzialne za tworzenie Opus Anglicanum, czyli bogatych haftów do użytku kościelnego lub świeckiego na ubraniach i różnego rodzaju wieszakach. Kobiety również stały się bardziej aktywne w iluminacji. Wiele kobiet prawdopodobnie pracowało u boku swoich mężów lub ojców, w tym Córka Maître Honoré i córka Jeana le Noir., Do XIII wieku większość iluminowanych rękopisów była produkowana przez warsztaty handlowe, a pod koniec średniowiecza, kiedy produkcja rękopisów stała się ważnym przemysłem w niektórych ośrodkach, kobiety wydawały się reprezentować większość artystów i skrybów zatrudnionych, zwłaszcza w Paryżu. Ruch na rzecz druku i ilustracji książkowej do technik graficznych drzeworytu i grawerowania, w których kobiety wydają się być mało zaangażowane, stanowił zahamowanie postępu artystek.,

tymczasem Jefimija (1349-1405), Serbska szlachcianka, wdowa i prawosławna Zakonnica, stała się znana nie tylko jako poetka, która napisała lament dla swojego zmarłego syna, Uglješy, ale także jako wykwalifikowana szwaczka i rytownica. Jej lament nad ukochanym synem, który uwiecznił smutek wszystkich matek opłakujących swoje zmarłe dzieci, został wyryty na odwrocie dyptyku (dwuspadowa ikona przedstawiająca Dziewicę z Dzieciątkiem), który Teodosije, biskup Serres, podarował niemowlęciu Uglješa podczas chrztu., Dzieło sztuki, już cenne ze względu na złoto, kamienie szlachetne i piękne rzeźby na drewnianych płytach, stało się bezcenne po wygrawerowaniu na plecach lamentu Jefemija.

w XV-wiecznej Wenecji córka artysty szkła, Angelo Barovièr, była znana jako twórca konkretnego projektu szkła z weneckiego Murano. Była Mariettą Barovier, artystką szkła weneckiego. Pozornie musiało upłynąć kilka wieków, zanim kobiety były w stanie sięgnąć po medium w sztuce szkła.,

RenaissanceEdit

Levina Teerlinc, Portrait of Elizabeth I. c. 1565

St. Catherine of Bologna (Caterina dei Vigri), (Maria und das Jesuskind mit Frucht), c. 1440s. She is the patron saint of artists.,
Sofonisba Anguissola, Self-Portrait, 1554
Esther Inglis, Portrait, 1595
Fede Galizia, Judith with the Head of Holofernes, 1596. The figure of Judith is believed to be a self-portrait.,
Lavinia Fontana, Minerva Dressing, 1613, Galleria Borghese Rome

Artists from the Renaissance era obejmuje, Софонисба Anguissola, Lucia Anguissola, Lavinia Fontana, Wiara, Galicja, Diana Rzeźbiarzy Гизи, Caterina van Hemessen, Esther Inglis, Barbara Longhi, Maria Ormanı, Marietta Robusti (daughter of Tintoretto), Проперций de' Rossi, Levin Teerlinc, Mayken Верхулст, and St. Catherine of Bologna (Katarzyna Vigra).,

Lucia Anguissola, Doktor z Cremony, 1560, Museo del Prado, Madryt

jest to pierwszy okres w historii Zachodu, w którym szereg świeckich artystek zyskało międzynarodową reputację. Wzrost liczby kobiet artystek w tym okresie może być przypisany dużym zmianom kulturowym., Jedną z takich zmian była kontrreformacja, która reagowała przeciw Protestantyzmowi i doprowadziła do postępu w kierunku humanizmu, filozofii potwierdzającej godność wszystkich ludzi, która stała się centralnym elementem renesansowego myślenia i przyczyniła się do podniesienia statusu kobiet. Ponadto za ważniejszą uznano tożsamość indywidualnego artysty w ogóle. Znaczący artyści z tego okresu, których tożsamość jest nieznana, praktycznie przestają istnieć. Dwa ważne teksty, o sławnych kobietach i mieście kobiet, ilustrują tę zmianę kulturową., Boccaccio, XIV-wieczny Humanista, napisał De mulieribus claris (1335-59), zbiór biografii kobiet. Wśród 104 biografii, które zawarł był Thamar (lub Thmyris), starożytnego greckiego malarza wazowego. Co ciekawe, wśród XV-wiecznych iluminacji manuskryptów O sławnych kobietach, Thamar został przedstawiony malując autoportret lub być może malując mały obraz Matki Boskiej z Dzieciątkiem., Christine de Pizan, wybitna późnośredniowieczna francuska pisarka, retorka i krytyk, napisała w 1405 roku książkę miasto pań, tekst o alegorycznym mieście, w którym niezależne kobiety żyły wolne od oszczerstw mężczyzn. W swojej twórczości włączała prawdziwe artystki, takie jak Anastazja, która była uważana za jedną z najlepszych paryskich iluminatorek, choć żadna z jej prac nie przetrwała. Inne teksty humanistyczne doprowadziły do zwiększenia edukacji włoskich kobiet.

najbardziej znanym z nich był Il Cortegiano lub dworzanin XVI-wiecznego włoskiego humanisty Baldassare Castiglione., Ta niezwykle popularna praca głosiła, że mężczyźni i kobiety powinni być wykształceni w sztuce społecznej. Jego wpływ sprawił, że kobiety mogły angażować się w sztukę wizualną, muzyczną i literacką. Dzięki Castiglione był to pierwszy okres w historii renesansu, w którym szlachcianki mogły studiować malarstwo. Sofonisba Anguissola był najbardziej utytułowanym z tych drobnych arystokratów, którzy najpierw korzystali z edukacji humanistycznej, a następnie zdobyli uznanie jako malarze. Urodzona w Cremonie Anguissola była zarówno pionierem, jak i wzorem dla przyszłych pokoleń artystek., Na rozwój humanizmu wpływ miały również artyści, którzy nie byli szlachcicami. Oprócz konwencjonalnej tematyki, artyści tacy jak Lavinia Fontana i Caterina van Hemessen zaczęli przedstawiać siebie na autoportretach, nie tylko jako malarze, ale także jako muzycy i uczeni, podkreślając tym samym ich wszechstronne wykształcenie. Fontana korzystał z oświeconych postaw w swoim rodzinnym mieście, Bolonii, gdzie Uniwersytet przyjmował uczonych kobiet od średniowiecza. Wraz z rozwojem humanizmu nastąpiła zmiana z rzemieślników na artystów., Od artystów, w przeciwieństwie do wcześniejszych rzemieślników, oczekuje się teraz znajomości perspektywy, matematyki, sztuki starożytnej i badania ludzkiego ciała. W późnym renesansie kształcenie artystów zaczęło przenosić się z warsztatu mistrza do akademii, a kobiety rozpoczęły długą walkę, nierozwiązaną aż do końca XIX wieku, o uzyskanie pełnego dostępu do tego szkolenia. Badanie ludzkiego ciała wymagało pracy z męskich aktów i zwłok. Było to uważane za podstawowe tło do tworzenia realistycznych scen grupowych., Kobiety z reguły nie mogły trenować od męskich aktów i dlatego nie mogły tworzyć takich scen. Takie przedstawienia aktów były wymagane dla wielkoskalowych kompozycji religijnych, które otrzymały najbardziej prestiżowe zamówienia.

chociaż wiele arystokratycznych kobiet miało dostęp do pewnego szkolenia w sztuce, choć bez korzyści z rysowania postaci z nagich modeli męskich, większość z tych kobiet wybrała małżeństwo zamiast kariery w sztuce. Tak było np. w przypadku dwóch sióstr Sofonisby Anguissoli., Kobiety uznawane w tym okresie za artystki były albo zakonnicami, albo dziećmi malarzy. Spośród nielicznych, którzy pojawili się jako artyści włoscy w XV wieku, ci znani dziś są związani z klasztorami. Artystami, którzy byli zakonnicami, byli m.in. Caterina dei Virgi, Antonia Uccello i Suor Barbara Ragnoni. W XV i XVI wieku zdecydowana większość kobiet, które odniosły jakiekolwiek sukcesy jako artystki, była dziećmi malarzy. Prawdopodobnie dlatego, że byli w stanie zdobyć szkolenie w warsztatach swoich ojców., Przykładami artystek, które były szkolone przez swoich ojców, są: malarka Lavinia Fontana, Miniaturowa portrecistka Levina Teerlinc i portrecistka Caterina van Hemessen. Włoskie artystki w tym okresie, nawet te szkolone przez ich rodzinę, wydają się nieco niezwykłe. Jednak w niektórych częściach Europy, zwłaszcza północnej Francji i Flandrii, dzieci obu płci częściej wchodziły w zawód ojca. W rzeczywistości w niskich krajach, gdzie kobiety miały więcej wolności, było wielu artystów renesansu, którzy byli kobietami., Na przykład zapisy gildii św. Łukasza w Brugii pokazują nie tylko, że przyjmują kobiety jako praktykujących członków, ale także, że do 1480 roku dwadzieścia pięć procent jej członków było kobietami (wiele prawdopodobnie pracuje jako iluminatorzy manuskryptów).

Ostatnia Wieczerza Nelli

Ostatnia Wieczerza, 7×2-metrowy olej na płótnie, zachowany w Bazylice Santa Maria Novella, jest jedynym podpisanym dziełem Plautilla Nelli, które przetrwało.,

niedawno odkryta krucha 22-metrowa rolka płótna we Florencji okazała się niezwykłym skarbem. Ale za przełomowe działania amerykańskiej filantropki, Jane Fortune (zm. 2018) i pisarki z Florencji, Lindy Falcone i ich organizacji, Advancing Women Artists Foundation, the roll mógł zebrać więcej kurzu. Cztery lata żmudnej renowacji przez zespół żeński, który prowadził, ujawnia blask XVI-wiecznego, samouka, suor Plautilla Nelli, zakonnicy i jedynej renesansowej kobiety, która namalowała Ostatnią Wieczerzę., Dzieło znalazło się na wystawie w Muzeum Santa Maria Novella we Florencji w październiku 2019 roku. Od początku 2020 roku AWA sponsorowała renowację 67 prac artystek, odkopanych w kolekcjach florenckich.

Barok eraEdit

Louise Moillon, sprzedawca owoców, 1631, Luwr

Artemisia Gentileschi, autoportret jako lutnista, ok., 1615-17, Curtis Galleries, Minneapolis
Josefa Ayala (Josefa de Óbidos), Still-life, c., 1679, Santarém, Biblioteka Miejska
Giovanna Garzoni, Martwa natura z misą Cytronów, 1640, tempera na vellum, Getty Museum, Pacific Palisades, Los Angeles, Kalifornia
Rachel Ruysch, Martwa natura z bukietem kwiatów i śliwek, olej na płótnie, Królewskie Muzea Sztuk Pięknych Belgii, Bruksela
Mary Beale, autoportret, c.,ra obejmują: Mary Beale, Élisabeth Sophie Chéron, Maria Theresa van Thielen, Katharina Pepijn, Catharina Peeters, Johanna Vergouwen, Michaelina Wautier, Isabel de Cisneros, Giovanna Garzoni Artemisia Gentileschi, Judith Leyster, Maria Sibylla Merian, Louise Moillon, Josefa de Ayala lepiej znana jako Josefa de Óbidos, Maria van Oosterwijk, Magdalena de Passe, Clara Peeters, Maria Virginia Borghese (córka kolekcjonera sztuki Olimpia Aldobrandini), Luisa Roldán znana jako La Roldana, Rachel Ruysch, Maria Theresa Van Thielen, Anna Maria van Thielen, Françoise-Catherina Van Thielen i Elisabetta Sirani., Podobnie jak w okresie renesansu, wiele kobiet wśród artystów barokowych pochodziło z rodzin artystów. Przykładem tego jest Artemisia Gentileschi. Była szkolona przez swojego ojca, Orazio Gentileschi, i pracowała razem z nim przy wielu jego zleceniach. Luisa Roldán kształciła się w warsztacie rzeźbiarskim swojego ojca (Pedro Roldán).

artystki w tym okresie zaczęły zmieniać sposób przedstawiania kobiet w sztuce. Wiele kobiet pracujących jako artystki w epoce baroku nie było w stanie trenować od nagich modelek, które zawsze były mężczyznami, ale były bardzo zaznajomione z kobiecym ciałem., Kobiety takie jak Elisabetta Sirani tworzyły obrazy kobiet jako świadomych istot, a nie oderwanych muz. Jednym z najlepszych przykładów tego powieściowego wyrazu jest Judyta ścinająca Holofernesa Artemisii Gentileschi, w której Judyta przedstawiona jest jako silna kobieta decydująca i mściąca się na własnym przeznaczeniu. Letizia Treves, kuratorka londyńskiej National Gallery 2020 Gentileschi show, skomentowała: „nie można tego zobaczyć bez myślenia o tym, że Tassi gwałci Gentileschi.”Elementy obrazu są” zbalansowane z taką umiejętnością, że mówią o malarzu, który nad namiętnością stawiał wirtuozerię.,”Podczas gdy inni artyści, w tym Botticelli i bardziej tradycyjna Kobieta, Fede Galizia, przedstawili tę samą scenę z bierną Judytą, w jej powieściowym traktowaniu, Judith Gentileschi wydaje się być zdolnym aktorem w tym zadaniu. Akcja jest jej esencją i kolejnym jej obrazem przedstawiającym Judith opuszczającą scenę. Martwa natura pojawiła się jako ważny gatunek około 1600 roku, szczególnie w Holandii. Na czele tego nurtu malarskiego stały kobiety. Gatunek ten był szczególnie odpowiedni dla kobiet, ponieważ mogły łatwo uzyskać dostęp do materiałów do martwej natury., Na północy praktykowali m.in.: Clara Peeters, malarka bankietów lub śniadaniowych i scen aranżowanych dóbr luksusowych; Maria van Oosterwijk, znana na całym świecie malarka kwiatów; i Rachel Ruysch, malarka wizualnie naładowanych kompozycji kwiatowych. W innych regionach Martwa natura była mniej powszechna, ale były ważne artystki w gatunku, w tym Giovanna Garzoni, która tworzyła realistyczne aranżacje roślinne na pergaminie, i Louise Moillon, której obrazy Martwa natura owocowa były znane ze świetnych kolorów.,6e0240e”>

Angelica Kauffman, Literature and Painting, 1782, Kenwood House

Anne Vallayer-Coster, Attributes of Music, 1770

Marie-Gabrielle Capet, Self-portrait, 1783

Ignacy Potocki by Anna Rajecka, 1784

Elisabeth Vigee-Le Brun (1755–1842), Self-portrait, c., 1780s, one of many she painted for sale
Rosalba Carriera (1675–1757), Self-portrait, 1715
Ulrika Pasch, Self portrait, c., 1770
Anna Dorothea Therbusch, Self-portrait, 1777
Adélaïde Labille-Guiard, Self-portrait with two pupils, Marie-Gabrielle Capet and Marie-Marguerite Carreaux de Rosemond 1785, Metropolitan Museum of Art
Marguerite Gérard, First steps, oil on canvas, 45.5 x 55 cm, c., 1788

artyści z tego okresu to: Rosalba Carriera, Maria Cosway, Marguerite Gérard, Angelica Kauffman, Adélaïde Labille-Guiard, Giulia Lama, Mary Moser, Ulrika Pasch, Adèle Romany, Anna Dorothea Therbusch, Anne Vallayer-Coster, Elisabeth Vigée-Le Brun, Marie-Guillemine Benoist i Anna Rajecka, a także znana jako Madame Gault de Saint-Germain.

w wielu krajach Europy Akademie były arbitrami stylu. Akademie zajmowały się również szkoleniem artystów, wystawianiem dzieł sztuki oraz, nieumyślnie lub nie, promowaniem sprzedaży sztuki., Większość Akademii nie była otwarta dla kobiet. Na przykład we Francji potężna Akademia w Paryżu miała 450 członków między XVII wiekiem a Rewolucją Francuską, a tylko piętnastu było kobietami. Większość z nich to córki lub żony członków. Pod koniec XVIII wieku Akademia Francuska postanowiła nie przyjmować żadnych kobiet. Punktem kulminacyjnym Malarstwa w tym okresie było malarstwo historyczne, zwłaszcza wielkoformatowe kompozycje z grupami postaci przedstawiającymi sytuacje historyczne lub mityczne., Przygotowując się do stworzenia takich obrazów, artyści studiowali odlewy antycznych rzeźb i czerpali z męskich aktów. Kobiety miały ograniczony lub żaden dostęp do tej nauki akademickiej, a jako takie nie istnieją żadne zachowane wielkoformatowe obrazy historyczne autorstwa kobiet z tego okresu. Niektóre kobiety stworzyły swoje imię w innych gatunkach, takich jak portrety. Elisabeth Vigee-Lebrun wykorzystała swoje doświadczenie w portrecie do stworzenia alegorycznej sceny, Peace Bringing Back Plenty, którą zaklasyfikowała jako obraz historyczny i wykorzystała jako podstawę do przyjęcia do Akademii., Po wystawieniu jej prac zażądano, aby uczęszczała na formalne zajęcia lub straciła licencję na malowanie. Stała się ulubienicą dworu i celebrytką, która namalowała ponad czterdzieści autoportretów, które udało jej się sprzedać.

w Anglii dwie kobiety, Angelica Kauffman i Mary Moser, były założycielkami Royal Academy of Arts w Londynie w 1768 roku. Kauffmann pomógł Marii Cosway wejść do Akademii., Chociaż Cosway odniósł sukces jako malarz scen mitologicznych, obie kobiety pozostały w nieco ambiwalentnej pozycji w Royal Academy, o czym świadczy zbiorowy portret Akademików Royal Academy autorstwa Johana Zoffany ' ego znajdujący się obecnie w Royal Collection. W nim tylko mężczyźni z Akademii są gromadzeni w dużym studiu artystycznym wraz z nagimi modelami męskimi. Ze względu na przyzwoitość, biorąc pod uwagę nagie modelki, obie kobiety nie są pokazane jako obecne, ale jako portrety na ścianie., Nacisk w sztuce akademickiej na badania nad nagiem podczas szkolenia pozostawał istotną barierą dla kobiet studiujących sztukę aż do XX wieku, zarówno pod względem rzeczywistego dostępu do zajęć, jak i w odniesieniu do rodzinnych i społecznych postaw wobec kobiet z klasy średniej, które stają się artystkami. Po tych trzech, żadna kobieta nie została pełnoprawnym członkiem Akademii aż do Laura Knight w 1936 roku, a kobiety nie zostały przyjęte do szkół Akademii aż do 1861 roku. Pod koniec XVIII wieku pojawiły się ważne kroki dla artystów, którzy byli kobietami., W Paryżu Salon, wystawa prac założona przez Akademię, stała się otwarta dla malarzy Nieakademickich w 1791 roku, umożliwiając kobietom prezentowanie swoich prac na prestiżowej dorocznej wystawie. Ponadto kobiety były częściej akceptowane jako studenci przez znanych artystów, takich jak Jacques-Louis David i Jean-Baptiste Greuze.