Czy jesteś gotowy, aby zabrać swoje rysunki stick figure do następnego poziomu?

nie bądź jeszcze zbyt ambitny – najpierw musisz zrozumieć elementy sztuki.

warto myśleć o elementach sztuki jako o budulcu. Prawie każde dzieło sztuki ma zamiar przekazać wiadomość lub wywołać emocje, dlatego projektowanie graficzne jest cennym atutem w biznesie. Artyści i projektanci używają co najmniej dwóch do trzech elementów w dowolnej kompozycji., Podejmowane przez nich decyzje w odniesieniu do tych elementów mają duży wpływ na to, jak kompozycja jest postrzegana, oceniana i wykorzystywana.

gdy zrozumiesz podstawy tych siedmiu elementów sztuki, będziesz na drodze do stworzenia następnego arcydzieła.

linia

rozejrzyj się, a znajdziesz przykłady linii wszędzie., Nie sposób wyobrazić sobie designu bez wykorzystania linii w jakiejś formie, dlatego linie są uważane za podstawę całej sztuki i najbardziej wszechstronny element designu.

mówiąc prościej, linia jest identyfikowalną ścieżką utworzoną przez punkt poruszający się w przestrzeni. Jednak jeśli chodzi o wykorzystanie elementu konstrukcyjnego linii, potencjał jest prawie nieograniczony. Często prowadzą oko widza wokół kompozycji i mogą przekazywać wiadomości poprzez swoje odrębne cechy.

linie różnią się szerokością, długością i kierunkiem., Stosowane strategicznie odmiany te mogą wywoływać u widza pewne reakcje psychologiczne. Na przykład krzywa linia ma zdolność sugerowania komfortu i łatwości, podczas gdy postrzępiona może wywoływać niepokój i zamieszanie.

najczęściej linie definiują krawędzie formularza. Dzięki konturowaniu linie są w stanie dać efekt, że obiekt jest trójwymiarowy. Proces konturowania jest tworzony przez rysowanie równoległych linii, które podążają za formą obiektu. Aby utworzyć obszary stałe, można zmieniać grubość linii i odległość.,

kształt

kształty, podobnie jak w przypadku linii, są wokół nas. Od najmłodszych lat uczysz się, jak pizza przypomina trójkąt, a koło odzwierciedla kształt ciastka. Teraz, gdy jesteś głodny, możesz zobaczyć, jak strategiczne wybieranie pewnych kształtów może wysyłać podprogowe Wiadomości do odbiorców.

w sztuce linia i kształt prawie zawsze idą w parze i mają wiele tych samych cech. Kształty odgrywają ważną rolę w tworzeniu sztuki. Różne cechy kształtów wywołują różne nastroje i znaczenia., Są również ważnym elementem projektowania w przestrzeni, ponieważ tworzą ruch wewnątrz elementu i prowadzą oko od jednego elementu projektu do następnego.

kształty są zazwyczaj dwuwymiarowe, co oznacza, że mają tylko długość i szerokość. Jednak nie wszystkie kształty będą klasyfikowane jako ten sam typ. Możesz klasyfikować kształty jako geometryczne lub organiczne, a także definiować kształty jako pozytywne lub negatywne., W zależności od przesłania i intencji artysty, każdy kształt w unikalny sposób przyjmie cechy tych różnych klasyfikacji

Kolor

jestem pewien, że wszyscy zostali zapytani „jaki jest wasz ulubiony kolor?”Nawet jeśli nie jesteś tego świadomy, kolor może mieć ogromny wpływ na nasze emocje, nastrój, a nawet apetyt. Artyści i projektanci rozumieją psychologię kolorów i celowo wykorzystują kolor, aby wpływać na nawyki konsumentów.

to, co twoje oczy widzą jako kolor, to tak naprawdę tylko percepcja., Na przykład, Kiedy patrzysz w niebo i widzisz niebieski kolor, tak naprawdę dzieje się to, że dane są wysyłane z naszych oczu do naszych mózgów w postaci długości fal. Te długości fal mówią nam, że kolor nieba jest niebieski.

kolory mają trzy główne cechy— odcień (niebieski, czerwony, zielony itp.), wartość (widmo światła i ciemności) i intensywność (widmo światła i ciemności) – wszystko to przyczynia się do tego, co kolor komunikuje i jak jest używany. Artyści zmieniają wartość i intensywność kolorów, aby stworzyć kontrast w kompozycji.,

koło kolorów służy do klasyfikacji kolorów na trzy kategorie: podstawowy (czerwony, żółty, zielony), wtórny (zielony, pomarańczowy, fioletowy) i trzeciorzędny (czerwono-fioletowy, niebiesko-zielony itp.). Rysując linię przez środek koła kolorów, możesz oddzielić ciepłe kolory (czerwienie, pomarańcze, Żółcie) od chłodnych (niebieski, zielony, fioletowy). Ważne jest, aby zrozumieć różnicę temperatur między tymi dwiema kategoriami, ponieważ ciepłe kolory są zazwyczaj związane z energią i działaniem, podczas gdy chłodne kolory są związane ze spokojem i spokojem., Projektanci używają również koła kolorów do tworzenia schematu kolorów, który powinien być komplementarny, analogiczny lub triadyczny.

to, jak kolory mieszają się, dopasowują i potencjalnie zderzają, jest ważnym aspektem projektowania, który artyści muszą wziąć pod uwagę. Niestety, Niewłaściwa kombinacja kolorów może przekazać niezamierzoną wiadomość widzom.

Typografia

wyobraź sobie, że czytasz słowa „Miłość” i „nienawiść” obok siebie. Jestem pewien, że widząc te dwa słowa, pojawiają się różne emocje., Teraz wyobraź sobie, że” miłość „jest napisane ostrym, czarnym napisem, a „nienawiść” jest przedstawiona cienką, różową kursywą. Czy nadal masz te same skojarzenia co wcześniej?

wybory, które projektanci dokonują z elementem typografii, mają zdolność przekazywania emocji i znaczenia w dziele sztuki. Typografia zawiera inne elementy sztuki, takie jak rozmiar, kolor i odstępy, aby przekazać zamierzony komunikat. Hierarchia-sposób układania tekstu – jest kolejnym kluczowym elementem typografii., Poprzez wizualną hierarchię można poprowadzić oko widza do najważniejszych części tekstu – największe teksty zwracają większą uwagę niż mniejsze.

Kiedy wyobrażałeś sobie wizualny pokaz słów Miłość i nienawiść, wyobrażałeś sobie wybory związane z czcionką. W sztuce decyzje dotyczące czcionek mają znaczący wpływ na ogólny wygląd i styl kompozycji. Ważne jest, aby pomyśleć o przesłaniu, które zamierzasz przedstawić z elementem typografii, ponieważ, podobnie jak w przypadku przykładu miłości i nienawiści, może to zmienić postrzeganie utworu przez widza.,

Tekstura

Tekstura w sztuce odwołuje się do naszego zmysłu dotyku, który może wywoływać uczucia nostalgii, rozkoszy i dyskomfortu. Choć w rzeczywistości nie można poczuć dwuwymiarowego projektu, artyści wykorzystują fakturę, aby dać widzom wizualną percepcję tego, jak byłoby to doświadczenie.

tekstura jest wszędzie i istnieje nieskończenie wiele sposobów, aby ją opisać. Od najmłodszych lat uczysz się, co to znaczy, aby coś było szorstkie, gładkie, rozmyte itp. Dla projektantów o wiele bardziej skomplikowane jest tworzenie tego wrażenia w dwuwymiarowej kompozycji., Iluzja tekstury powstaje przy użyciu innych elementów sztuki, takich jak kolor, linia i kształt, jako narzędzia do przyciągania uwagi widza i tworzenia równowagi w kompozycji.

istnieje wiele sposobów kategoryzowania tekstur, ale główne dwie formy są rzeczywiste i wizualne. Rzeczywista lub fizyczna faktura odnosi się do rzeczywistych właściwości taktycznych projektu. Pomyśl o tego typu fakturze pod kątem projektowania zaproszenia ślubnego – grubości ,ciężaru (ciężkiego lub lekkiego) i odczucia papieru (gładkiego, szorstkiego itp.), wraz z dodatkowymi zdobieniami (brokat, kwiaty itp.,), wszystkie przyczyniają się do ogólnego odczucia lub nastroju na temat projektu zaproszeń. Tekstura wizualna to iluzja tekstury, tworzona przez inne elementy projektu. Przykłady tego można zobaczyć na zdjęciach, obrazach i rysunkach. Projektanci często wykorzystują oprogramowanie do projektowania graficznego, aby stworzyć iluzję wizualnej tekstury.

Rozmiar

pomyśl o dziele sztuki – czy nie byłoby nudno, gdyby każdy kształt i przedmiot w kompozycji miał ten sam rozmiar? Rozmiar, który jest powszechnie kojarzony ze skalą, jest ważnym narzędziem dla artystów, aby dodać nacisk i zainteresowanie do swoich projektów.,

psychologia stojąca za rozmiarem jest ważnym aspektem tego elementu projektowania. Gdy obiekt jest większy lub bardziej wspaniały w porównaniu z obiektami, tym większa jest jego moc i ciężar. Podobnie jak wiele innych elementów sztuki, rozmiar jest niezbędny do przekazania wiadomości lub historii. Podczas gdy w niektórych obszarach rozmiar może stworzyć większy kontrast i zainteresowanie, może również pomóc lepiej wyrazić pomysł.

przestrzeń

w sztuce przestrzeń odnosi się do sposobu organizacji dzieła sztuki – obszaru powyżej, poniżej i wewnątrz elementów dzieła., Związek między tymi obszarami — pierwszym planie, tłem i średnim gruntem – jest strategicznie wykorzystywany przez artystów, aby dać złudzenie głębi płaskiej powierzchni.

podobnie jak w przypadku kształtów, przestrzeń może być pozytywna lub negatywna, a relacja między nimi jest ważna dla artystów, aby skutecznie komunikować znaczenie w swojej kompozycji. Przestrzeń pozytywną można opisać jako podmiot, podczas gdy przestrzeń negatywna to obszar wokół niej i wewnątrz niej. Jeden masz zbyt dużo albo pozytywnej lub negatywnej przestrzeni, może zrzucić równowagę i rytm dzieła sztuki., Kontrast między dodatnią i ujemną przestrzenią stworzy równowagę. Aby stworzyć rytm, artyści będą przeplatać się między przestrzenią pozytywną i negatywną poprzez powtarzanie kształtów w kompozycji.

czas zacząć!

profesjonalni artyści włączają i biorą pod uwagę wszystkie te elementy, wraz z zasadami projektowania, tworząc swoje kompozycje. Jak widać, subtelne zmiany, takie jak krzywa linii lub dostosowanie koloru, mogą całkowicie wypaczać ogólny nastrój projektu., Gdy elementy sztuki są efektywnie wykorzystywane w spójny sposób, mogą być potężnym narzędziem dla artystów i projektantów do wyrażania znaczenia i emocji.

chcesz dowiedzieć się, jak zastosować te elementy sztuki do projektowania graficznego? Zapoznaj się z tym artykułem na temat 7 rodzajów projektowania graficznego.