hoe passen kunstbewegingen bij elkaar, en is er meer dan één verhaal?,
toen ik voor het eerst begon te leren over de geschiedenis van de kunst, herinner ik me dat ik vooral één ding wilde begrijpen. Ik wilde de tijdlijn weten. Met andere woorden, het grote verhaal van de één-stijl-gevolgd-door-de volgende: Romantiek, Impressionisme, Post-Impressionisme, Kubisme, enzovoort.
Ik had het gevoel dat kunstgeschiedenis was als een estafetteloop van kunstenaars, die elk het stokje van de ene op de andere doorgeven en een oorzaak-en-gevolg keten van geschiedenis en ontwikkeling opbouwen.,
naast het willen weten over de-ismen, had ik ook andere vragen: wat was ‘Barok’ en kwam het voor of na de Renaissance? Nu ik erover nadenk, wat was de Renaissance? Refereerde ‘Klassiek’aan klassieke muziek of iets anders helemaal? Wat is het verschil tussen ‘Moderne Kunst’ en ‘hedendaagse kunst’?
Het duurde even voordat ik begreep dat er zowel eenvoudige als complexe antwoorden op deze vragen zijn.
maar het eerste wat ik deed, om mijn nieuwsgierigheid te bevredigen, was om een lijst van kunstbewegingen te vinden en het uit te schrijven om het in mijn geheugen te herstellen., Het ging ongeveer zo:
- Middeleeuwse kunst
- Renaissance 1300-1600
- Barokke 1600-1730
- Rococo 1720-1780
- het Neoclassicisme 1750-1830
- de Romantiek 1780-1880
- het Impressionisme 1860-1890
- Post-impressionisme 1886-1905
- Expressionisme 1905-1930
- het Kubisme 1907-1914
- het Futurisme 1910-1930
- Art Deco 1909-1939
- het Abstract Expressionisme van de jaren 1940
- Moderne kunst 1946 — heden
Dit is een goede lijst., (Hint: als je een meer diepgaande versie van deze lijst wilt, met voorbeelden van kunstenaars en afbeeldingen, download dan mijn essentiële stijlen in de westerse kunstgeschiedenis.)
een eenvoudig raamwerk als dit is onmisbaar om uw lagers in het begin te vinden. Na vele jaren van kijken en denken over kunst, vind ik mezelf nog steeds verwijzen naar deze lijst.
waar begint u eigenlijk?
de waarheid is dat niemand begint na te denken over de geschiedenis van de kunst zonder eerst een kunst tegengekomen te zijn. Misschien was het een Jackson Pollock druppelschilderij., Misschien was het een bezoek aan de Sixtijnse Kapel in Rome. Misschien heeft iemand je een kaart gegeven met een schilderij van Claude Monet op de voorkant.
Op de een of andere manier, ergens, wordt een belang ontstoken., Ik maak dit punt omdat we allemaal naar de kunstgeschiedenis komen vanuit een soort perspectief, en het is op dit perspectief dat we waarschijnlijk onze mentale kaart zullen opbouwen van hoe verschillende stijlen van kunst, en uiteindelijk individuele kunstenaars, bij elkaar passen. Het is ook hoe vooroordelen in staat zijn om in ons begrip te sluipen, zelfs als we dat niet bedoelen. Maar laten we ons daar nu geen zorgen over maken…mijn interesse ontstond op een dag toen mijn leraar op school, 16 jaar oud, me apart nam en me vroeg of ik ooit gehoord had van een schilder genaamd Wassily Kandinsky. Nooit gehad., Aangezien mijn eigen schilderijen in de klas in de richting van abstractie begonnen te gaan (zonder dat ik het echt van plan was), dacht mijn kunstleraar dat ik Kandinsky misschien interessant zou vinden.ik nam zijn advies aan en ging naar de schoolbibliotheek waar ik een boek vond gewijd aan de Russische kunstenaar. Ik had nog nooit zoiets gezien. Kandinsky was een Rus die een groot deel van zijn volwassen leven doorbracht in Duitsland, waar hij les gaf aan de Bauhaus School of Art. Als schilder wordt hij gecrediteerd met het maken van enkele van de allereerste puur abstracte werken in de westerse kunst.,
om hier te delen, heb ik gekozen voor een stuk genaamd Geel-Rood-Blauw dat Kandinsky schilderde in 1925.
toen ik voor het eerst naar dit schilderij keek, hield ik vooral van het grote zwarte lint dat langs de rechterkant afdaalt, zoals een rivier of een pad tussen heuveltoppen. Ik vond ook de manier waarop de verschillende kleuren elkaar overlappen, elkaar kruisen en combineren om nieuwe vormen eronder te vormen. Ik had echt geen idee wat het werk ‘betekende’. Ik heb gewoon genoten van het kijken naar de explosie van kleur en vorm verschijnen en verdwijnen met een vreemd, theatraal drama.,
volgende stappen
als we Kandinsky wilden plaatsen in de tijdlijn van artistieke bewegingen zoals hierboven vermeld, dan zou hij binnen de beweging zitten die bekend staat als Expressionisme (rond 1905-1930). Het expressionisme is ontstaan in Duitsland aan het begin van de 20e eeuw, voornamelijk door poëzie en schilderkunst. Kunstenaars als Kandinsky gebruikten vervormde vormen en sterke kleuren om stemmingen of angsten op te roepen. Voor Kandinsky had de subjectiviteit van de kunst een spirituele eigenschap. Kleuren hadden de kracht om diepe emotionele reacties in de kijker te beïnvloeden., Schilderkunst, schreef hij, ” kan dezelfde energieën ontwikkelen als muziek.”
zodat we Kandinsky comfortabel kunnen plaatsen in de beweging van het expressionisme. Dit brengt ons tot nu toe, maar door Kandinsky te categoriseren riskeren we ook een aantal belangrijke waarheden te verbergen.het feit dat hij een eigen carrière had, bijvoorbeeld, dat zijn werk verschillende vormen aannam, omdat hij in verschillende Europese steden met verschillende kunstenaars in contact kwam. Ook is het expressionisme zelf een overkoepelende term die veel verschillende kunstenaars met verschillende stijlen omvat, sommige abstract en sommige figuratief.,
Ik maak dit punt ter illustratie van het feit dat kunst wordt gemaakt in het midden van reële omstandigheden, en dat generalisaties slechts tot een bepaald punt nuttig zijn. Daarom is een nuttige volgende stap voor een kunsthistoricus bij het bekijken van een kunstwerk om te beginnen met het opbouwen van een gevoel van tijd en plaats specifiek voor het kunstwerk en de kunstenaar in kwestie. Er zijn allerlei manieren om dit te doen. Men zou bijvoorbeeld kunnen beginnen met de volgende vragen:
- had de kunstenaar vrienden of tijdgenoten die de stijl van het werk kunnen hebben beïnvloed?,
- had de kunstenaar een leraar of kwam hij uit een traditie?
- schreef de kunstenaar over zijn eigen werk?
- welke materialen beschikten de kunstenaar op dat moment?
- Was de kunstenaar een man of een vrouw, en kan het antwoord invloed hebben op het soort kunst dat ze zouden kunnen maken?
- kan ras of andere bijzonderheden van de identiteit van de kunstenaar een rol spelen?
- werd het kunstwerk in het openbaar getoond, en zo ja, wat waren de reacties van de eerste kijkers?,
deze vragen zijn geenszins uitputtend, maar ze wijzen misschien wel op de realiteit van elk creatief proces: dat alle kunstenaars werken binnen een context, met alle mogelijkheden en beperkingen die deze context met zich mee kan brengen.
geschiedenis is interpretatie
Ik herinner me dat ik lang geleden een discussie had met iemand over de aard van de geschiedenis. Ik herinner me dat ik zei dat ” geschiedenis grotendeels een kwestie van interpretatie is,” waarop de andere persoon iets antwoordde in de trant van, “zeker niet. Gaat de geschiedenis niet over de feiten van wat er werkelijk gebeurd is?,”
dit idee — dat de geschiedenis over feiten gaat, niet over interpretatie — lijkt vooral relevant in de kunstgeschiedenis, aangezien er kunstwerken voor ons liggen, zelfs als de kunstenaar al lang dood is. Maar in werkelijkheid is de manier waarop we omgaan en kunst begrijpen grotendeels een kwestie van hoe het verhaal van de kunstgeschiedenis is geproduceerd.
Er zijn talloze manieren om dit te onderzoeken, maar Ik zal het bij een bekend voorbeeld houden.ik twijfel er niet aan dat u van de Renaissance hebt gehoord., Om het eenvoudig te beschrijven, de Renaissance was een periode van tijd, voornamelijk gecentreerd rond Italië, waarin de kunst bloeide onder een concentratie van patronage en gestimuleerd door de herontdekking van teksten uit de oude wereld van Rome en Griekenland, wiens literatuur, leren, en politiek werden bewonderd als een tijdperk van hoge prestaties.het tijdperk van de Renaissance omvatte enkele van de beroemdste kunstenaars uit de geschiedenis, waaronder Leonardo da Vinci, Raphael en Michelangelo., Een van de belangrijkste bronnen van historische details over kunstenaars van deze tijd komt uit een boek genaamd Lives of the Artists, een reeks kunstenaarsbiografieën geschreven door een 16e-eeuwse Italiaanse schilder en architect genaamd Giorgio Vasari.
het boek wordt algemeen beschouwd als de eerste studie van de kunstgeschiedenis., Het is immens gedetailleerd en blijft ook vandaag nog nuttig voor kunsthistorici die de ontwikkeling van de westerse kunst willen begrijpen.het probleem met dit boek is dat Vasari vanuit een uiterst partijdige positie schreef, omdat hij vooral geïnteresseerd was in het bepleiten van Florence en Rome als de centra van artistieke excellentie, zonder enige verwijzing naar de kunst die buiten Italië werd gemaakt.,Vasari gebruikte een driedelige structuur in het boek, een raamwerk dat ruwweg overeenkomt met de 14e, 15de en 16de eeuw, om te beschrijven hoe kunstenaars gedurende deze drie perioden geleidelijk de normen van de Griekse en Romeinse oudheid herontdekten. Michelangelo wordt beschouwd als de ultieme uitdrukking van de vernieuwing, een kunstenaar die “triomfeerde over oude kunstenaars, moderne kunstenaars, en zelfs de natuur zelf.”
zo tekent Vasari ‘ s historische ontwerp een overeenkomst tussen het verstrijken van de tijd en de steeds toenemende artistieke prestaties van Italiaanse kunstenaars., De opmars van vooruitgang heeft een bepaalde richting omdat Vasari een model voor zijn perfectie identificeert.tegenwoordig is de Renaissance een van de hoekstenen van de kunst, die W. J. Bouwsma omschrijft als “de traditionele dramatische organisatie van de westerse geschiedenis.”In deze organisatie is de Renaissance een historisch keerpunt dat de Middeleeuwen tot een einde brengt en het begin is van de moderne tijd. Het is ” het eerste hoofdstuk in de geschiedenis dat naar onze eigen tijd leidt.,met andere woorden, het effect van Vasari ‘ s schrijven over zijn landgenoten was om de Italiaanse Renaissance te bevorderen tot de verheven positie van hoge prestaties in de hele kunstgeschiedenis.
conclusies
aan het begin van dit artikel beschreef ik mijn gevoel dat kunstgeschiedenis als een estafette van kunstenaars was, die elk het stokje van creativiteit van de ene op de andere doorgeven. Zoals de discussie over de Renaissance hopelijk illustreert, is het Vasari die ik uiteindelijk moet bedanken voor mijn estafette-race beeld van de kunstgeschiedenis.
maar gaat kunst altijd over vooruitgang?,
het idee van vooruitgang is zeer aantrekkelijk voor historici omdat het een eenvoudig lineair-narratief kader geeft, dat van de geschiedenis die naar een geïdealiseerd hoogtepunt evolueert.
het grootste probleem met deze manier van kijken naar kunstgeschiedenis is dat het meestal exclusief is, omdat het de enge opvatting heeft dat westerse kunst het belangrijkste verhaal van de kunstgeschiedenis is. Waar past bijvoorbeeld boeddhistische kunst in de estafette? Hoe zit het met Islamitische Kunst, Turkse kunst, Japanse kunst of de kunst van West-Afrika?,
de waarheid is dat vele vormen van kunst over de hele wereld zich onafhankelijk van elkaar of met een minimale overlap hebben ontwikkeld. Vasari was een Italiaan die in Florence woonde en was als zodanig geïnteresseerd in hoe de prachtige kunst om hem heen werd gemaakt. Dat is begrijpelijk.
wat we echter moeten doen, is onthouden dat alle kunstgeschiedenis is gekanteld met een vooroordeel naar de verteller. Dat maakt het zo ‘ n interessant onderwerp om over te leren. En waarom, waar we ook kijken, er altijd meer te begrijpen is over de geschiedenis van de kunst.