Middelalderske periodEdit

• En scene fra Bayeux Billedvev skildrer Odo, Biskop av Bayeux, rally Hertug William ‘ s tropper i Slaget ved Hastings i 1066

• Herrad av Landsberg, selvportrett fra Hortus deliciarum, c., 1180

• Hildegard av Bingen, «Universelle Mennesket» belysning fra Hildegard er Liber Divinorum Operum, 1165

• Hildegard von Bingen, Morskap fra Ånden og Vannet, 1165, fra Liber divinorum operum, Benediktinerinnenabtei Sankt Hildegard, Eibingen (bei Rüdesheim)

Kunstnere fra Middelalderen inkluderer Claricia, Diemudus, Ende, Guda, Herrade av Landsberg og Hildegard av Bingen., I den tidlige Middelalderen, kvinner ofte jobbet sammen med menn. Manuskriptet illuminations, broderier, og skåret hovedsteder fra perioden tydelig viser eksempler på kvinner i arbeid i disse arts. Dokumenter viser at de også var bryggere, slaktere, ull kjøpmenn og strykejern mongers. Artister av perioden, inkludert kvinner, var fra en liten gruppe i samfunnet som har status tillatt dem frihet fra disse mer anstrengende typer arbeid. Kvinner kunstnere ofte var av to literate klasser, enten velstående aristokratiske kvinner eller nonner., Kvinner i førstnevnte kategori ofte opprettet broderier og tekstiler, de som er i den senere kategori ofte produsert illuminations.

Det var en rekke broderi verksteder i England på den tiden, særlig i Canterbury og Winchester; Opus Anglicanum eller engelsk broderi var allerede berømt over hele Europa – en 13. århundre pavelige lageret telles over to hundre stykker. Det er antatt at kvinner var nesten helt og holdent ansvarlig for denne produksjonen.,

Den Bayeux TapestryEdit

En av de mest berømte broderier (det er ikke en billedvev) av Middelalderen er Bayeux Billedvev, som var tilbudd med ull på ni sengetøy og paneler er 230 meter lang. Dens c. sytti scener fortelle Slaget ved Hastings og den Normanniske Erobringen av England. Den Bayeux Billedvev kan ha blitt opprettet i enten en kommersiell workshop ved kongelig eller en aristokratisk damen og hennes omgangskrets, eller i en workshop i et nonnekloster., Sylvette Lemagnen, konservator av billedvev, i hennes 2005 reserve La Tapisserie de Bayeux uttaler:

Bayeux billedvev er en av de høyeste prestasjoner av Norman Romansk …. Dens overlevelse nesten intakt over ni århundrer er litt kort om mirakuløse … Sin eksepsjonelle lengde, harmoni og friskhet av sin farger, dens utsøkt håndverk, og geni av sin guiding ånd sammen for å gjøre det uendelige fascinerende.,

Høy Midten AgesEdit

I det 14. århundre, et kongelig workshopen er dokumentert, basert på Tower of London, og det kan ha vært andre tidligere ordninger. Manuskriptet belysning gir oss mange av de navngitte kunstnere fra Middelalderen inkludert Ende, en 10-tallet spansk nonne; Guda, en 12. århundre tysk nonne, og Claricia, en 12. århundre laywoman i en Bayersk scriptorium., Disse kvinnene, og mange flere navnløse belysning, dratt fra arten av klostre som den store loci av læring for kvinner i perioden og den mest holdbart alternativ for intellektuelle blant dem.

I mange deler av Europa, med den Gregorianske Reformer av det 11. århundre, og det er økning i føydalisme, kvinner møtt mange kritikken om at de ikke møter i den Tidlige Middelalderen. Med disse samfunnsmessige endringer, status for klosteret endret., På de Britiske Øyer, den Normanniske Erobringen markerte begynnelsen på den gradvise nedgangen i klosteret som et sete for å lære og et sted hvor kvinnene kan få makt. Klostre ble gjort datterselskap til mannlige abbeder, snarere enn å bli ledet av en abbedisse, som de hadde vært tidligere. I Hedensk Skandinavia (i Sverige) den eneste historisk bekreftet kvinnelige runemaster, Gunnborga, jobbet i det 11. århundre.

I Tyskland, men under Ottonian-Dynastiet, klostre beholdt sin posisjon som institusjoner for læring. Dette kan være delvis fordi klostre var ofte ledet, og befolket av ugifte kvinner fra royal og aristokratiske familier. Derfor, den største slutten av Middelalderen arbeid med kvinner med opprinnelse i Tyskland, som eksemplifisert ved at Herrade av Landsberg og Hildegard av Bingen. Hildegard av Bingen (1098-1179) er et spesielt godt eksempel på en tysk Middelalder intellektuelle og artist., Hun skrev Den Guddommelige Verk av en Enkelt Mann, Meritorious Liv, seksti-fem salmer, et mirakel å spille, og en lang avhandling av ni bøker på forskjellige natur av trær, planter, dyr, fugler, fisk, mineraler og metaller. Fra en tidlig alder, er hun hevdet å ha visjoner. Når Paven støttet disse påstandene ved headmistress, sin posisjon som en viktig intellektuell ble galvanisert. Visjoner ble en del av en av sin banebrytende arbeider i 1142, Scivias (Vet Herrens Veier), som består av tretti-fem visjoner om og illustrerer historien om frelse., Illustrasjonene i Scivias, som eksemplifisert i den første illustrasjonen viser Hildegard opplever visjoner mens du sitter i klosteret i Bingen. De skiller seg sterkt fra andre laget i Tyskland i løpet av den samme perioden, da de er preget av lyse farger, med vekt på linjen, og forenklede former. Mens Hildegard sannsynlig ikke pen på bilder, sine særegne natur fører en til å tro de ble skapt under henne tett tilsyn.

Det 12. århundre var fremveksten av den byen i Europa, sammen med økningen i handel, reiseliv og universiteter., Disse endringene i samfunnet også skapt endringer i kvinners liv. Kvinner fikk lov til å lede sine ektemenn bedrifter hvis de ble enker. Kona til Badekar i Chaucers Canterbury-Fortellingene er et slikt tilfelle. I løpet av denne tiden, kvinner også fikk lov til å være en del av noen håndverkeren guilds. Guild opptegnelser viser at kvinner var spesielt aktive i tekstilindustrien i Flandern og Nord-Frankrike. Medieval manuscripts har mange randbemerkninger skildrer kvinner med spindler., I England, kvinner var ansvarlig for å lage Opus Anglicanum, eller rik broderiene for kirkelig eller verdslig bruk på klær og ulike typer hengninger. Kvinner ble også mer aktive i belysning. En rekke kvinner sannsynlig jobbet sammen med sine ektemenn eller fedre, inkludert datter av Maître Honoré, og datter av Jean le Noir., Av det 13. århundre mest illuminerte manuskripter ble produsert av kommersielle workshops, og ved slutten av Middelalderen, da produksjon av manuskripter hadde blitt en viktig næring i visse sentre, kvinner ser ut til å ha representert et flertall av kunstnere og skriftlærde ansatt, spesielt i Paris. Bevegelsen til å skrive ut, og bestill illustrasjon for å grafikken teknikker for woodcut og gravering, der kvinner synes å ha vært lite involvert, representerte en tilbakegang til fremgang for kvinner kunstnere.,

i Mellomtiden, Jefimija (1349-1405) en serbisk, adelskvinne, enke og ortodokse nonne ble kjent, ikke bare som en poet som skrev en klage til sin døde sønn, Uglješa, men også som en dyktig needlewoman og gravøren. Hennes beklage for sin elskede sønn som foreviget det sorg på grunn av alle mødre er i sorg etter sine avdøde barn, ble skåret på baksiden av diptych, (to-panelt ikon som representerer en Jomfru og Barn) som Teodosije, Biskop av Serres, hadde presentert som en gave til den nyfødte Uglješa ved hans dåp., Stykke kunst, som allerede er verdifull på grunn av gull, edle stener, og vakre utskjæring på sin parkett paneler, ble uvurderlige etter Jefemija ‘ s lament var gravert på ryggen.

I det 15. århundre Venezia datter av glass artist, Angelo Barovièr, var kjent for å ha vært artist som står bak en bestemt glass design fra Venetianske Lysekroner. Hun var Marietta Barovier, en Venetiansk glass artist. Tilsynelatende flere århundrer hadde å gå før kvinner var i stand til å forfølge medium i Glass kunst.,

RenaissanceEdit

• St. Catherine of Bologna (Caterina dei Vigri), (Maria und das Jesuskind mit Frucht), c. 1440s. She is the patron saint of artists.,

• Sofonisba Anguissola, Self-Portrait, 1554

• Esther Inglis, Portrait, 1595

• Fede Galizia, Judith with the Head of Holofernes, 1596. The figure of Judith is believed to be a self-portrait.,

• Lavinia Fontana, Minerva Dressing, 1613, Galleria Borghese, Roma

Kunstnere fra Renessansen epoken inneholder, Sofonisba Anguissola, Lucia Anguissola, Lavinia Fontana, Tro, Galicia, Diana Scultori Ghisi, Caterina van Hemessen, Esther Inglis, Barbara Maleriet, Maria Ormani, Marietta Robusti (datter av Tintoretto), Properzia de’ Rossi, Levina Teerlinc, Mayken Verhulst, og St. Catherine of Bologna (Caterina dei Vigri).,

Dette er den første perioden i den Vestlige historien i en rekke sekulære kvinnelige kunstnere fikk internasjonal anseelse. Økningen i kvinners kunstnere i løpet av denne perioden kan knyttes til store kulturelle skift., Et slikt skift kom fra motreformasjonen reagerer mot Protestantismen og gir opphav til en beveger seg mot humanisme, en filosofi som bekrefter verdighet til alle mennesker, som ble sentral for å Renaissance tenkning og bidratt til å heve statusen til kvinner. I tillegg identiteten til den enkelte artist generelt ble ansett som viktigere. Betydningsfulle kunstnere fra denne perioden, hvis identitet er ukjent nesten opphøre å eksistere. To viktige tekster, På den Berømte Kvinner og Byen Kvinner, illustrerer kulturell endring., Boccaccio, i en 14. århundre humanist, skrev De mulieribus claris (Latin for På den Berømte Kvinner) (1335-59), en samling av biografier av kvinner. Blant de 104 biografier inkluderte han var som Thamar (eller Thmyris), en gresk vase maler. Merkelig, blant 15. århundre manuskriptet illuminations av På Berømte Kvinner, Thamar ble avbildet male et selvportrett eller kanskje male et lite bilde av Jomfru maria og Barnet., Christine de Pizan, en bemerkelsesverdig sen middelalder fransk forfatter, rhetorician, og kritiker, skrev Bok av Byen av Damene i 1405, en tekst om en allegoriske byen som selvstendige kvinner levde gratis fra bakvaskelse av menn. I sitt arbeid har hun tatt ekte kvinner kunstnere, som for eksempel Anastasia, som ble ansett som en av de beste Paris belysning, selv om ingen av hennes arbeid har overlevd. Andre humanist tekster førte til økt utdanning for italienske kvinner.

Den mest kjente av disse var Il Cortegiano eller Hoffmann av det 16. århundre italiensk humanist Baldassare Castiglione., Denne enormt populære verk uttalt at menn og kvinner bør være utdannet i sosiale arts. Hans innflytelse gjorde det akseptabelt for kvinner å engasjere seg i visuell, musikalsk og litterær kunst. Takk til Castiglione, dette var den første perioden av renaissance historie som noblewomen var i stand til å studere maleri. Sofonisba Anguissola var den mest vellykkede av disse mindre aristokrater som først dratt fra humanistisk utdannelse og gikk så videre til anerkjennelse som malere. The Cremona-født Anguissola var både en trailblazer og rolle modell for fremtidige generasjoner av kvinner kunstnere., Kunstnere som ikke var noblewomen var påvirket av økningen i humanisme som godt. I tillegg til vanlig emne, kunstnere som Lavinia Fontana og Caterina van Hemessen begynte å skildre seg selv i selvportretter, ikke bare som malere, men også som musikere og forskere, og dermed å fremheve sine godt avrundet utdanning. Fontana dratt nytte av den opplyste holdninger i hennes hjemby, Bologna, der universitetet har innrømmet kvinner forskere siden Middelalderen. Sammen med økningen i humanisme, det var et skifte fra håndverkere til kunstnere., Kunstnere, i motsetning til tidligere håndverkere, nå var forventet å ha kunnskap om perspektiv, matematikk, ancient art, og studiet av den menneskelige kroppen. I slutten av Renessansen opplæring av kunstnere begynte å bevege seg fra master ‘ s workshop til Akademiet, og kvinnene begynte en lang kamp, ikke avgjort før på slutten av det 19. århundre, for å få full tilgang til denne opplæringen. Studiet av den menneskelige kroppen som kreves for å jobbe fra mannlige nudister og lik. Dette ble ansett som viktig bakgrunn for å skape realistiske gruppe scener., Kvinner var generelt utestengt fra trening fra mannlige nudister, og derfor ble de forhindret fra å lage slike scener. Slike skildringer av nudister det var behov for til den store religiøse komposisjoner, som fikk den mest prestisjefylte oppdrag.

Selv om mange aristokratiske kvinner hadde tilgang til noen opplæring i kunst, men uten fordelen av figur tegning fra naken mannlige modeller, de fleste av dem kvinner valgte ekteskap over en karriere i kunst. Dette var tilfelle, for eksempel, to av Sofonisba Anguissola er søstre., Kvinner anerkjent som kunstnere i denne perioden var enten nonner eller barn av malere. Av de få som dukket opp som italienske kunstnere i det 15. århundre, og de som er kjent i dag er knyttet til klostre. Disse kunstnerne som var nonner inkluderer Caterina dei Virgi, Antonia Uccello, og Suor Barbara Ragnoni. I løpet av det 15. og 16. århundre, er det store flertallet av kvinner som har fått noen minstemål av suksess som kunstnere var barn av malere. Dette er sannsynligvis fordi de var i stand til å få opplæring i sine fedres workshops., Eksempler på kvinner kunstnere som var opplært av sine fedre inkluderer maleren Lavinia Fontana, miniatyr portraitist Levina Teerlinc, og portrettmaler Caterina van Hemessen. Italienske kvinner kunstnere i løpet av denne perioden, selv om de blir trent av sin familie, synes noe uvanlig. Men i visse deler av Europa, og særlig nord-Frankrike og Flandern, det var mer vanlig for barn av begge kjønn til å gå inn i sin fars yrke. Faktisk, i det Lave Land der kvinner hadde mer frihet, var det en rekke kunstnere i Renessansen som var kvinner., For eksempel, registreringer av Guild av Saint Luke i Brugges, viser ikke bare at de innrømmer at de kvinner som praktiserende medlemmer, men også at ved 1480s tjue-fem prosent av medlemmene var kvinner (mange sannsynligvis jobbe som manuskript belysning).

Nelli er Siste SupperEdit

En nylig gjenoppdaget skjøre 22 fot lerret roll i Florence, har vist seg å være en fremragende skatten. Men for den banebrytende handlinger av American filantrop, Jane Formue (døde 2018) og Florence-basert forfatter, Linda Falcone og deres organisasjon, og Fremme Kvinner Kunstnere Foundation, roll kanskje har samlet støv. Fire år med møysommelig restaurering av en kvinne ledet gruppen, avslører glans av det 16. århundre, selvlært, suor Plautilla Nelli, en nonne, og bare renessanse kvinne kjent for å ha malt det Siste Måltid., Arbeidet gikk på utstilling på Santa Maria Novella-Museet i Firenze i oktober 2019. Som i begynnelsen av 2020, AWA har støttet restaureringen av 67 verk av kvinnelige kunstnere, avdekket i Florentinske samlinger.

Barokk eraEdit

• Artemisia Gentileschi, selvportrett som en Lutt Spiller, c., 1615-17, Curtis Gallerier, Minneapolis

• Josefa de Ayala (Josefa De Óbidos), Fortsatt liv, C., 1679, Santarém, Kommunale Bibliotek

• Giovanna Garzoni, Fortsatt Liv med Bolle med Citrons, 1640, tempera på pergament, Getty Museum, Pacific Palisades, Los Angeles, California

• Rachel Ruysch, Fortsatt Liv med en Bukett Blomster og Plommer, olje på lerret, Royal Museum of Fine Arts i Belgia, Brussel

• Mary Beale, selvportrett, c.,ra inkluderer: Mary Beale, Élisabeth Sophie Chéron, Maria Theresa van Thielen, Katharina Pepijn, Catharina Peeters, Johanna Vergouwen, Michaelina Wautier, Isabel de Cisneros, Giovanna Garzoni Artemisia Gentileschi, Judith Leyster, Maria Sibylla Merian, Louise Moillon, Josefa de Ayala bedre kjent som Josefa de Óbidos, Maria van Oosterwijk, Magdalena de Passe, Clara Peeters, Maria Virginia Borghese (datter av kunstsamleren Olimpia Aldobrandini), Luisa Roldán kjent som La Roldana, Rachel Ruysch, Maria Theresa van Thielen, Anna Maria van Thielen, Françoise-Catherina van Thielen og Elisabetta Sirani., Som i Renessansen, mange kvinner blant Barokk kunstnerne kom fra kunstneren familier. Artemisia Gentileschi er et eksempel på dette. Hun ble trent av sin far, Orazio Gentileschi, og hun jobbet sammen med ham på mange av hans provisjoner. Luisa Roldán var utdannet i sin fars (Pedro Roldán) skulptur verksted.

  Kvinner kunstnere i denne perioden begynte å endre måten kvinner ble avbildet i kunst. Mange av de kvinner som jobber som kunstnere i Barokk epoken var ikke i stand til å trene fra naken modeller, som alltid var mannlig, men de var godt kjent med den kvinnelige kroppen., Kvinner som Elisabetta Sirani laget bilder av kvinner som bevisste vesener snarere enn frittliggende musene. En av de beste eksemplene på denne romanen uttrykk er i Artemisia Gentileschi er Judith halshuggingen Holofernes, som Judith er avbildet som en sterk kvinne å bestemme og å hevne sin egen skjebne. Letizia Treves, kurator ved London National Gallery 2020 Gentileschi vis har kommentert: «du kan ikke se det uten å tenke på Tassi voldta Gentileschi.»Elementene i bildet er «balansert med en slik dyktighet at de snakker om en maler som prioritert virtuositet over lidenskap.,»Mens andre artister, blant annet Botticelli og de mer tradisjonelle kvinne, Fede Galizia, avbildet den samme scenen med en passiv Judith, i romanen sin behandling, Gentileschi er Judith ser ut til å være en dyktig skuespiller i oppgaven. Handlingen er essensen av det, og en annen maleri av henne av Judith forlater scenen. Fortsatt liv dukket opp som en viktig sjanger rundt 1600, spesielt i Nederland. Kvinner var i forkant av dette maleriet trend. Denne sjangeren var spesielt egnet til kvinner, så de kan få tilgang til materialet for fortsatt livet lett., I Nord, disse utøverne følger Clara Peeters, en maler av banketje eller frokost stykker, og scener arrangert av luksus varer; Maria van Oosterwijk, den internasjonalt anerkjente blomst maler, og Rachel Ruysch, en maler av visuelt belastet blomsterdekorasjoner. I andre regioner, fortsatt liv var mindre vanlig, men det var viktig for kvinner artister i sjangeren inkluderer Giovanna Garzoni, som skapte realistisk vegetabilsk ordninger på pergament, og Louise Moillon, som frukt fortsatt liv malerier og var kjent for sine fantastiske farger.,6e0240e»>

  Angelica Kauffman, Literature and Painting, 1782, Kenwood House

  Anne Vallayer-Coster, Attributes of Music, 1770

  Marie-Gabrielle Capet, Self-portrait, 1783

  Ignacy Potocki by Anna Rajecka, 1784

  • Elisabeth Vigee-Le Brun (1755–1842), Self-portrait, c., 1780s, one of many she painted for sale

  • Rosalba Carriera (1675–1757), Self-portrait, 1715

  • Ulrika Pasch, Self portrait, c., 1770

  • Anna Dorothea Therbusch, Self-portrait, 1777

  • Adélaïde Labille-Guiard, Self-portrait with two pupils, Marie-Gabrielle Capet and Marie-Marguerite Carreaux de Rosemond 1785, Metropolitan Museum of Art

  • Marguerite Gérard, First steps, oil on canvas, 45.5 x 55 cm, c., 1788

  Kunstnere fra denne perioden inkluderer, Rosalba Carriera, Maria Cosway, Marguerite Gérard, Angelica Kauffman, Adélaïde Labille-Guiard, Giulia Lama, Mary Moser, Ulrika Pasch, Adèle Romany, Anna Dorothea Therbusch, Anne Vallayer-Coster, Elisabeth Vigée-Le Brun, Marie-Guillemine Benoist og Anna Rajecka, også kjent som Madame Gault de Saint-Germain.

  I mange land i Europa, Akademier var arbiters av stil. Den Akademier også var ansvarlig for opplæring av kunstnere stiller ut kunstverk, og, utilsiktet eller ikke, er å fremme salg av kunst., De fleste Høyskoler ikke var åpen for kvinner. I Frankrike, for eksempel, den kraftige Academy i Paris hadde 450 medlemmer mellom det 17. århundre og den franske Revolusjonen, og bare femten var kvinner. Av disse, de fleste var døtre eller hustruer til medlemmer. I slutten av det 18. århundre, det franske Akademiet løst for ikke å innrømme at alle kvinner i det hele tatt. Toppen av maleriet i den perioden var historie maleri, spesielt i stor skala komposisjoner med grupper av tall som viser historiske eller mytiske situasjoner., I forberedelse til å opprette slike malerier, kunstnere studerte avstøpninger av antikke skulpturer og trakk fra mannlige nudister. Kvinner hadde begrenset eller ingen tilgang til denne Faglige læring, og som sådan det er ingen bevis for at stor-skala historie malerier av kvinner fra denne perioden. Noen kvinner gjorde sitt navn i andre sjangere, for eksempel portrettfotografering. Elisabeth Vigee-Lebrun brukt sin erfaring i portrettkunst å skape en allegoriske scene, Fred å Bringe Tilbake Mye, som hun klassifisert som en historie maleri og brukes som hennes begrunnelse for innleggelse på Akademiet., Etter visningen av hennes arbeid, det var krevde at hun delta på formelle klasser, eller miste sin lisens til å male. Hun ble en domstol favoritt, og en kjendis, som malte over førti selvportretter, som hun var i stand til å selge.

  I England, to kvinner, Angelica Kauffman og Mary Moser, var grunnleggerne av the Royal Academy of Arts i London i 1768. Kauffmann hjalp Maria Cosway inn på Akademiet., Selv om Cosway gikk på å få suksess som maler av mytologiske scener, både kvinner forble i en noe ambivalent posisjon ved Royal Academy, som dokumentert av gruppen portrett av Akademikere av Royal Academy av Johan Zoffany nå i Den Kongelige Samlingen. I det, bare menn på Akademiet er samlet i en stor artist studio, sammen med naken mannlige modeller. På grunn av decorum gitt naken modeller, to kvinner er ikke vist som finnes, men som portretter på veggen i stedet., Det legges vekt på Faglig art på studier av den nakne under trening vært en betydelig barriere for kvinner som studerer kunst til det 20. århundre, både i form av faktiske tilgang til klasser og i form av familie og sosiale holdninger til midt-klasse kvinner å bli kunstnere. Etter disse tre, er ingen kvinne ble et fullverdig medlem av Akademiet til Laura Ridder i 1936, og kvinner hadde ikke adgang til Akademiet sine skoler til 1861. Ved slutten av det 18. århundre, var det viktig skritt fremover for kunstnere som var kvinner., I Paris, Salong, utstilling av arbeidet som ble grunnlagt av Akademiet, ble åpne for ikke-Akademiske malere i 1791, som tillater kvinner å vise frem sine arbeider i den prestisjetunge årlige utstilling. I tillegg var kvinner oftere blir akseptert som studenter av kjente kunstnere som Jacques-Louis David og Jean-Baptiste Greuze.