Når jeg først begynte å lære om historien til kunst, jeg husker at jeg ønsket å forstå en ting over alt. Jeg ønsket å vite tidslinjen. Med andre ord, den store fortellingen om et en-stil-etterfulgt-av-den neste: Romantikken, Impresjonismen, Post-Impresjonisme, Kubisme, og så videre.

jeg hadde en følelse av at kunst historie var som en relay-race av artister, hver bestått stafettpinnen videre fra en til en annen, for å bygge opp en årsak-og-virkning-kjede av historie og utvikling.,

Utover ønsker å vite om -ismer, jeg hadde andre spørsmål også: Hva var «Barokk» og den kom før eller etter Renessansen? Faktisk, kommer til å tenke på det, hva var Renessansen? Gjorde ‘Klassisk’ referer til klassisk musikk eller noe helt annet? Hva er forskjellen mellom «moderne kunst» og «moderne kunst»?

Det tok meg litt tid å forstå at det er både enkle og komplekse svar på disse spørsmålene.

Men det første jeg gjorde, for å tilfredsstille min nysgjerrighet, var å finne en liste over kunst bevegelser og skrive det ut slik som å fikse det i mitt minne., Det gikk noe sånt som dette:

• Middelalderens kunst
• Renaissance 1300-1600
• Barokk 1600-1730
• Rokokko 1720-1780
• Nyklassisisme 1750-1830
• Romantikk 1780-1880
• Impresjonismen 1860-1890
• Post-impresjonisme 1886-1905
• Ekspresjonisme 1905-1930
• Kubisme 1907-1914
• Futurisme 1910-1930
• Art Deco-1909-1939
• Abstrakt Ekspresjonisme 1940
• Contemporary art 1946 — presentere

Dette er en god liste., (Hint: hvis du ønsker en mer utfyllende versjon av denne listen, med eksempel kunstnere og bilder, laste ned min Grunnleggende Stiler i Vestlig kunsthistorie.)

En enkel ramme som dette er uunnværlig for å finne din lagrene i begynnelsen. Etter mange år med jakt og tenkning om kunst, jeg fortsatt befinner meg å henvise tilbake til denne listen.

Der har du faktisk begynne?

sannheten er, ingen begynner å tenke på historien om kunst uten etter først å ha kommet over noen art i første omgang. Kanskje det var en Jackson Pollock drypp maleri., Det var kanskje et besøk til det Sixtinske Kapell i Roma. Kanskje noen ga deg et postkort med en Claude Monets maleri på forsiden.

det er Noe, et eller annet sted, en interesse som er opptent., Jeg gjør dette punkt, fordi vi alle kommer til å kunsthistorie fra noen slags perspektiv, og det er ved dette perspektivet er at vi trolig til å bygge opp våre mentale kart av hvordan ulike stiler av kunst, og til slutt individuelle kunstnere, passer sammen. Det er også hvordan skjevheter er i stand til å snike seg inn i vår forståelse selv om vi ikke mener at de skal. Men la oss ikke tenke på det nå…

For meg, min interesse ble satt i gang en dag da, i alderen 16, kunsten min lærer på skolen tok meg til side og spurte meg om jeg hadde noen gang hørt en maler som heter Wassily Kandinsky. Jeg har aldri hatt., Siden mine egne malerier i klassen begynte å bevege seg mot abstraksjon (uten at jeg egentlig tenkt det), kunsten min lærer mente at jeg kan finne Kandinsky interessant.

jeg tok hans råd og gikk til skolen, biblioteket, hvor jeg fant en bok dedikert til den russiske kunstneren. Jeg hadde aldri sett noe helt liker det. Kandinsky var en russer som har tilbrakt mye av sitt voksne liv i Tyskland, hvor han underviste ved Bauhaus School of Art. Som en maler, han er kreditert med å lage noen av de aller første rene abstrakte arbeider i Vestlig kunst.,

for Å dele her, har jeg valgt et stykke som kalles Gul-Rød-Blå som Kandinsky malt i 1925.

Når jeg først så på dette maleriet, jeg likte spesielt den store bånd av black som går ned langs høyre side, som en elv eller en sti mellom toppene. Jeg likte også måten de forskjellige fargenyanser overlapper hverandre, kryssende og som kombineres for å danne nye former under. Jeg hadde virkelig ingen anelse om hva arbeid «betydde». Jeg bare nøt å se på den eksplosjon av farger og form som vises og forsvinner med en merkelig, teater drama.,

Neste trinn

Hvis vi ønsket å sette Kandinsky på tidslinjen av kunstneriske bevegelser som er nevnt ovenfor, så ville han sitte inne bevegelsen kjent som Ekspresjonisme (rundt 1905-1930). Ekspresjonisme oppsto i Tyskland på begynnelsen av det 20. århundre, hovedsakelig gjennom poesi og maleri. Artister som Kandinsky ansatt forvridde former og sterke farger for å fremkalle stemninger eller engstelse. For Kandinsky, den subjektivitet of art hadde en åndelig kvalitet til det. Farger hadde makt til å påvirke dype følelsesmessige reaksjoner i visningen., Maleri, skrev han, «kan utvikle de samme energiene som musikk.»

Så vi kan godt sted Kandinsky i bevegelse av Ekspresjonisme. For å gjøre dette får oss så langt, men ved kategorisering av Kandinsky vi risikerer også å skjule noen viktige sannheter.

For eksempel, det faktum at han hadde en karriere bue av hans egne, hvor hans arbeid tok på ulike former som han knyttet til ulike kunstnere i ulike Europeiske byer. Også, Ekspresjonisme i seg selv er en paraplybetegnelse som omfatter mange forskjellige kunstnere med ulike stiler, noen abstrakt og noen figurative.,

jeg gjøre dette punktet, for å illustrere det faktum at kunsten er laget midt i virkelige situasjoner, og at generaliseringer er nyttig bare opp til et punkt. Derfor, en nyttig neste trinn for en kunsthistoriker når du ser på et kunstverk er å begynne å bygge opp en følelse av tid og sted bestemt for å kunstverket og kunstneren i spørsmålet. Det er alle slags måter å gjøre dette på. For eksempel, kan man begynne med å tenke på følgende spørsmål:

• Gjorde kunstneren har venner eller samtidige som kan ha påvirket stil av arbeidet?,
• Gjorde kunstneren har en lærer eller kommer fra en tradisjon?
• Gjorde kunstneren skrive om sitt eget arbeid?
• Hva var de materialer som er tilgjengelige for kunstneren på den tiden?
• Var kunstneren en mann eller en kvinne, og kunne svaret har en peiling på den slags kunst de kan lage?
• Kan rase eller andre detaljer av kunstnerens identitet spille en rolle?
• Gjorde kunstverk få vist offentlig, og hvis så, hva var reaksjonene av de første seere?,

Disse spørsmålene er på ingen måte uttømmende, men de gjør det kanskje peker til virkeligheten av noen kreative prosessen: at alle kunstnere arbeider innenfor en kontekst, med alle de muligheter og begrensninger som denne sammenheng kan innebære.

Historie er tolkning

jeg husker jeg, for lenge siden, hadde en diskusjon med noen om arten av historie. Jeg husker at jeg sa at «Historien er i stor grad et spørsmål om tolkning,» som den andre personen svarte noe langs linjene av, «Sikkert ikke. Er ikke historien om fakta om hva som faktisk skjedde?,»

Denne ideen — som historien om fakta, ikke-tolkning — synes spesielt relevant i kunsthistorie, siden kunstverk er det foran oss, selv om kunstneren har for lenge siden døde. Men i realiteten er måten vi samhandler og forstå kunst er i stor grad et spørsmål om hvordan fortellingen i kunsthistorie har blitt produsert.

Det er utallige måter å utforske dette, men jeg vil holde til et velkjent eksempel.

jeg har ingen tvil om du har hørt om Renessansen., For å beskrive det rett og slett, Renessansen var en periode, hovedsakelig sentrert rundt i Italia, der kunst blomstret under en konsentrasjon av beskyttelse og inspirert av gjenoppdagelsen av tekster fra den antikke verden av Roma og Hellas, som litteratur, undervisning og politikk ble beundret som en alder av høy måloppnåelse.

Den æra av Renessansen, inkludert noen av de mest kjente artister av historien, blant annet Leonardo da Vinci, Raphael og Michelangelo., En av de viktigste kilder til historisk detalj om kunstnere på denne tiden kommer fra en bok som heter Liv av Kunstnere, en serie av kunstneren biografier skrevet av en 16. århundre italienske maleren og arkitekten som heter Giorgio Vasari.

boken er generelt ansett for å være den første studien i kunsthistorie., Det er uhyre detaljerte og er fortsatt nyttig selv i dag for kunsthistorikere som ønsker å forstå utviklingen av Vestlig kunst.

problemet med denne boken er at Vasari var å skrive fra et ekstremt partisk plassering, siden han var hovedsakelig interessert i å talsmann Firenze og Roma som svært sentre for kunstnerisk dyktighet, med knapt noen referanse til den kunsten som ble gjort utenfor Italia.,

Vasari brukt en tredelt struktur i boken, et rammeverk som omtrent svarer til den 14., 15. og 16. århundre, for å beskrive hvordan kunstnere i løpet av disse tre perioder gradvis gjenoppdaget standarder av den greske og Romerske antikken. Michelangelo er behandlet som det ultimate uttrykk for fornyelse, en artist som «seiret over gamle kunstnere, moderne kunstnere, og til og med Naturen selv.»

Derfor, Vasari historiske design trekker en korrespondanse mellom passering av tid og stadig økende kunstnerisk prestasjon av italienske kunstnere., Den videre mars fremgang har en bestemt retning fordi Vasari identifiserer en modell for sin perfeksjon.

i Dag, Renaissance står som en av hjørnesteinene i kunst, som W. J. Bouwsma beskriver som «de tradisjonelle dramatiske organisering av Vestlig historie.»I denne organisasjonen, Renaissance er et historisk vendepunkt som bringer Middelalderen til et nært og innleder i moderne tid. Det er «den første kapittel i historien som fører ned til vår egen tid.,»

med andre ord effekten av Vasari er å skrive om hans landsmenn var å bidra til å fremme den italienske Renessansen til hoyde av høy prestasjon i alle kunsthistorie.

Konklusjon

jeg beskrevet i begynnelsen av denne artikkelen av min oppfatning at kunst historie var som en relay-race av artister, hver bestått stafettpinnen av kreativitet på fra en til en annen. Som diskusjonen om Renaissance forhåpentligvis illustrerer, det er Vasari at jeg til slutt har å takke for min stafett-løp bilde av kunsthistorie.

Men er kunst alltid om fremgang?,

ideen om fremskritt er veldig attraktivt for historikere, fordi det gir en enkel lineær narrativ ramme, som av historien beveger seg mot en idealisert høy-punkt.

Det viktigste problemet med denne måten å se på kunsthistorie er at det har en tendens til å være eksklusiv, i at det tar den smale vise at Western art er den viktigste historien om kunsthistorie. Hvor det for eksempel kan Buddhistisk kunst som passer inn i det stafett-løp? Hva om Islamsk kunst, tyrkisk kunst, Japansk kunst eller kunst i Vest-Afrika?,

sannheten er, mange former for kunst rundt om i verden har utviklet uavhengig av hverandre eller med noen minimal overlapp. Vasari var en italiensk bor i Firenze, og som var interessert i hvordan flott kunst rundt ham ble gjort. Det er forståelig.

Hva vi må gjøre, er imidlertid huske på at all kunst historie er skråstilt med en bias mot historieforteller. Det er det som gjør det for eksempel et interessant tema å lære om. Og hvorfor, hvor vi ser det, er det alltid mer å forstå om kunsthistorien.