リキテンスタインは、スタジオコースと美術の学位を提供するオハイオ州立大学で勉強するためにニューヨークを離れました。 彼の研究は、1943年から1946年の間、第二次世界大戦中およびその後の軍隊での三年のスティントによって中断されました。 言語、エンジニアリング、パイロットの訓練プログラムに参加した後、すべてがキャンセルされ、彼は整然とした、製図工、アーティストとして機能しました。,

リヒテンシュタインは死にかけている父親を訪問するために家に戻り、G.I.Billの資格を持って軍隊から退院しました。 彼は広く彼の将来の仕事に大きな影響を与えたとみなされている彼の教師の一人、ホイトL.シャーマンの監督の下でオハイオ州の研究に戻った（リヒテンスタインは、後に彼が大須で資金を供給した新しいスタジオをホイトL.シャーマンスタジオアートセンターとして名前を付けるだろう）。

リヒテンスタインは、オハイオ州の大学院プログラムに入り、芸術のインストラクター、彼は次の十年のためにオンとオフ開催されたポストとして雇, 1949年、リヒテンシュタインはオハイオ州立大学で美術修士の学位を取得した。

1951年、リヒテンシュタインはニューヨークのカールバッハギャラリーで初の個展を開いた。同じ年にクリーブランドに移り住み、そこで六年間滞在したが、しばしばニューヨークに戻った。 この間、彼は絵の期間の間に窓のデコレーターに製図工として様々な仕事を引き受けました。 この時期の彼の作品は、キュビズムと表現主義の間で変動した。 1954年、長男のデイヴィッド-ホイト-リヒテンシュタイン（現在はソングライター）が生まれた。, 次男のミッチェル-リヒテンシュタインは1956年に生まれた。

1957年、彼はニューヨーク州北部に戻り、再び教え始めました。 この時、彼は抽象表現主義のスタイルを採用し、このスタイルの絵画に遅れて変換されました。 リヒテンスタインは1958年にニューヨーク州北部でオスウィーゴのニューヨーク州立大学で教え始めました。 この頃、ミッキーマウスやバッグスバニーなどの漫画のキャラクターの隠されたイメージを抽象的な作品に取り入れ始めた。,

rise to prominence

1960年、彼はラトガース大学で教え始め、大学の教師でもあったアラン-カプロウの影響を強く受けました。 この環境は、プロトポップへの関心を再燃させるのに役立ちましたimagery.In 1961年、リヒテンシュタインは、商業印刷の外観から派生した漫画の画像や技術を使用して、彼の最初のポップ絵画を始めました。 この段階は1965年まで続き、消費者主義と主婦を示唆する広告イメージの使用が含まれていました。,ハードエッジの数字とベンデイドットの大規模な使用を特徴とする彼の最初の作品は、ルックミッキー（1961年、ナショナル*ギャラリー、ワシントンD.C.）でした。 この作品は、ミッキーマウスの漫画本を指して言った彼の息子の一人からの挑戦から来た。”同じ年に彼はガムラッパーや漫画から認識可能な文字で六つの他の作品を制作しました。

1961年、Leo Castelliはニューヨークのギャラリーでリキテンスタインの作品を展示し始めました。, リヒテンシュタインは1962年にカステッリギャラリーで彼の最初のワンマンショーを持っていた、ショーも開く前に、コレクション全体が影響力のあるコレ グループの絵画制作とは1961年と1962年目の単独世帯などのスニーカー,ホットドッグ、ゴルフボール. 1963年、ラトガース大学のダグラス-カレッジで教鞭をとった。,

彼の作品は戦争やロマンチックな物語をフィーチャーした漫画に触発された”当時”、リヒテンシュタインは後に、”私は感情的に強い主題として使うことができるものに興味があった–通常は愛、戦争、または取り除かれた意図的な絵画技術とは反対であるために非常に帯電して感情的な主題であったもの”と述べた。

リヒテンシュタインの最も高いプロファイルの期間

リヒテンシュタインがアメリカだけでなく世界中で名声を見つけ始めたのはこの時でした。 彼はアートシーンの中心になるためにニューヨークに戻って移動し、彼の絵画に集中するために1964年にラトガース大学を辞任しました。 リヒテンシュタインは、DCコミックスの”シークレット-ハーツno.83″のリードストーリーから流用された”溺れる少女”（1963年）など、彼の最もよく知られている作品で油とマグナ（初期のアクリル）塗料を使用した。 （ドローニング-ガールは現在、ニューヨーク近代美術館にハングアップしています。,）溺れる女の子はまた、写真再生によって作成されたかのように、厚い輪郭、大胆な色とベンデイドットを備えています。 彼自身の作品のリヒテンシュタインは、抽象表現主義者が”キャンバスに物事を置き、彼らが行ったこと、色の位置とサイズに反応したと言うでしょう。 私のスタイルは全く違って見えますが、線を下ろす性質はほとんど同じです。私のものはポロックやクラインのように書道に見えるわけではありません。”

彼の主題を再現しようとするのではなく、リヒテンシュタインの作品はマスメディアがそれらを描写する方法に取り組んでいました。, しかし、彼はあまりにも真剣に自分自身を取ることはありませんでした：”私の作品は漫画とは違うと思いますが、私はそれを変容とは呼んでいません。”リヒテンシュタインの作品が最初に展示されたとき、当時の多くの美術評論家はその独創性に挑戦しました。 彼の作品は下品で空虚であると厳しく批判された。 1964年のライフ誌の記事のタイトルは、”彼は米国で最悪のアーティストですか？,”私の作品がオリジナルに近いほど、コンテンツはより脅かされ、批判的になります。 しかし、私の作品は、私の目的と認識がまったく異なるという点で完全に変容しています。 私の絵画は批判的に変容していると思いますが、合理的な議論でそれを証明するのは難しいでしょう。”彼は1986年にApril BernardとMimi Thompsonとのインタビューで、この重い批判を経験することについて議論しました。, リヒテンシュタインは、批判されることが時々難しかったことを示唆し、”私が実際に絵を描いているとき、それはあなたが疑問に思う批判です。”

彼の最も有名なイメージは間違いなくWhaamです！ （1963、テート-モダン、ロンドン）、ポップアートの最も初期の知られている例の一つは、DCコミックスの1962年の問題でアーヴ-ノヴィックによって描かれた漫画本のパネルから適応された戦争のすべてのアメリカ人。 この絵は、赤と黄色の爆発で、敵機にロケットを発射する戦闘機を描いています。 漫画のスタイルは、擬音語のレタリング”Whaam！,”そして箱入りのキャプション”私は射撃管制を押しました。.. そして、私の前にロケットが空を燃え上がった。..”このdiptychは1.7×4.0m（5ft7in x13ft4in）を測定するスケールで大きいです。 Whaamは、彼の以前の絵画のいくつかのコミックストリップベースのテーマに従い、1962年から1964年の間に作成された戦争をテーマにした作品の本体の一部です。 それは彼の二つの著名な大きな戦争をテーマにした絵画の一つです。 それは1966年にテート-ギャラリーによって購入され、1963年にレオ-カステッリ-ギャラリーで展示された後、（現在はテート-モダンで）それ以来、彼らのコレクションに残, 1968年、ダルムシュタットの起業家カール-シュトレーハーは、リヒテンシュタインによるいくつかの主要な作品を手に入れ、”ナース”（1964年）、”作曲I”（1964年）、”ゆっくりと立ち上がった”（1964年）、”黄色と緑の筆致”（1966年）などを手に入れた。 数年のためにヘッシヒェスLandesmuseumダルムシュタットで融資された後、博物館für Moderne Kunstフランクフルトの創設ディレクター、ピーターidenは、87の作品の合計を取得することができました1981年にStröherコレクション、主に1991年まで建設中の博物館のためのアメリカのポップアートとミニマルアート。,

リヒテンシュタインは、彼の絵画のしつこい平flat性と対立していたフォームのためのコツを実証し、1964年頃の彫刻で実験を開始しました。 “女の子の頭”（1964年）、”赤い影の頭”（1965年）では、粘土から頭の形を彫刻した陶芸家とコラボレーションしました。 リキテンシュタインは、その後、彼が彼の絵画で使用されるグラフィックモチーフの同じ種類を作成するために釉薬を適用し、三次元のオブジェクトに,

リヒテンシュタインの最もよく知られている作品のほとんどは比較的近いが正確ではないが、1965年に放棄された主題であるコミックブックパネルのコピーであるが、後の数十年でさまざまな方法でコミックを作品に取り入れることがある。 これらのパネルは、もともとジャック-カービーやDCコミックスのラス-ヒース、トニー-アブルッツォ、アーヴ-ノヴィック、ジェリー-グランデネッティなどの漫画家によって描かれたものであった。, ジャック-コワート、リヒテンシュタイン財団のエグゼクティブディレクターは、言って、リヒテンシュタインはコピーリストだったという概念をコンテスト：”ロイの作品は、グラフィック式と他人によって働いていた感情の成文化の驚異だった。 パネルは、スケール、色、処理、およびそれらの意味で変更されました。 正確なコピーはありません。, 漫画家のアート-スピーゲルマンは、”リヒテンスタインはアンディ-ウォーホルがスープのために行ったよりも漫画のために多かれ少なかれしなかった。”

漫画本の拡大パネルに基づくリヒテンシュタインの作品は、芸術としてのメリットについて広範な議論を生み出しました。 リヒテンシュタイン自身は、”私は名目上コピーしていますが、私は本当にコピーされたものを他の言葉で書き直しています。, そうすることで、オリジナルは全く異なる質感を獲得します。 それは太いまたは薄いブラシストロークではなく、それはドットと平らな色と不屈のラインです。”エディ-キャンベルは、”リヒテンシュタインは、手のひらよりも小さな小さな写真を撮った新聞用紙に四色のインクで印刷し、”アート”が作られ、展示され、キャンバスにペイントで仕上げられる従来のサイズまでそれを吹き飛ばした。”リヒテンシュタインに関しては、ビル-グリフィスはかつて言った、”高い芸術があり、低い芸術があります。, そして、低い芸術を取り入れ、それを高い芸術の文脈に持ち込み、それを適切にし、それを何か他のものに昇格させることができる高い芸術があります。”

リヒテンシュタインの漫画ベースの作品は、いくつかの受け入れを得たが、懸念はまだリヒテンシュタインは、クレジットにロイヤリティを支払う、または 2013年のBBC Fourのドキュメンタリーのインタビューで、アラステア-スークは漫画家のデイブ-ギボンズに、リヒテンシュタインを盗作と考えているかどうかを尋ねた。 ギボンズは答えた：”私は”模倣者”と言うでしょう。, 例えば音楽では、どういうわけか元の芸術家に信用し、支払を与えないでどんなにひどく、ちょうど誰か他の人の調子を口笛を吹くか、または誰か他の人の調子を、行うことができない。 それは言うことです、これは”WHAAM！ ロイ-リヒテンスタインによって、アーヴ-ノヴィックの後に”。”Sooke自身は、リヒテンシュタインは微妙だが重要な方法の数でノヴィックのアートワークを変換した”と主張しています。,

コミックに対する文化的偏見を芸術の手段として具現化することに加えて、リヒテンシュタインのコミックの語彙の充当のような例は、コミックを定義する際に出版形式を考慮することの重要性、および特定のタイプの歴史的出版物、この場合はアメリカの主流コミックブックによって暗示される政治経済を強調している。, ナショナル-ポリディカル-パブリケーションズ（後のDC）は、カニガーとノヴィックのアーティストとしての役割を、出版自体に完全な著作者クレジットを与えないことによって、自分の権利で拒否した。”

さらに、キャンベルは、漫画家がしばしば自分の作品の帰属を拒否した時期があったと指摘している。,

1998年に出版されたアカウントでは、ノヴィックは1947年に陸軍でリヒテンシュタインに会い、彼の上級将校として、より良い仕事のために彼を推薦することによって割り当てられた卑しい仕事についてのリヒテンシュタインの涙の苦情に応えたと述べた。 ジャン＝ポール-ガビリエットはこの記述に疑問を呈しており、リヒテンシュタインはノヴィックが事件が起こったと言う年の前に軍隊を去ったと述べている。 バート-ビーティは、リヒテンシュタインがノヴィックをWhaamのような作品に充当したことに注目した。 そして、大丈夫ホットショット、大丈夫！, また、ノヴィックの物語は、より有名なアーティストを”個人的に減少させようとする試みのようだ”と述べている。

1966年、リヒテンシュタインは1960年代初頭の彼の大いに有名なイメージから上に移動し、60以上の絵画や付随する図面を含む彼の現代絵画シリーズを 彼の特徴的なベンデイのドットと幾何学的形状や線を使用して、彼はおなじみの建築構造、アールデコから借りたパターンや他の微妙に刺激的な、しばしばシーケンシャル、モチーフのうち、ちぐはぐ、挑戦的なイメージをレンダリング。, 1967年8月には、アール-デコ建築のモチーフを参考にした”現代彫刻シリーズ”が発表された。

その後の作品

1960年代初頭に、リキテンシュタインは1965年に筆跡シリーズに着手する前に、セザンヌ、モンドリアン、ピカソの傑作を再現しました。, リキテンシュタインは、フィンセント-ファン-ゴッホのアルルの寝室から派生したアルルの寝室などの作品で、後にこのテーマを再訪し続けました。

1970年、リヒテンスタインはロサンゼルス郡美術館（1967年から1971年の間に開発された芸術と技術プログラム内）によって映画を作るために委託されました。 ユニバーサル-フィルム-スタジオの助けを借りて、アーティストは1964年から1966年の間に作成した風景をテーマにしたコラージュのシリーズに直接関係する三つの風景、海洋風景の映画を考案し、制作した。, が、リヒテンシュタイン計画していた製造15の短編映画の画面に設置されたニューヨークを拠点とする独立した映画監督ジョエルFreedmanいことは、作家のみに。

また、1970年に、リヒテンシュタインはロングアイランドのサウサンプトンにかつての馬車の家を購入し、その土地にスタジオを建て、1970年代の残りを相対的に隔離して過ごした。 1970年代から1980年代にかけて、彼のスタイルは緩み始め、彼は以前に行っていたことに拡大しました。 リヒテンシュタインは1969年に一連の鏡の絵画を始めました。, 1970年までに、ミラーズシリーズを続けながら、彼はエンタブラチュアの主題に取り組み始めました。 エンタブラチュアは、1971年から1972年までの絵画の最初のシリーズで構成され、1974-76年に第二のシリーズが続き、1976年にレリーフプリントのシリーズの出版。 前作の要素を取り入れた”アーティストスタジオ”シリーズをプロデュースした。 注目すべき例は、アーティストのスタジオ、ルックミッキー（1973年、ウォーカーアートセンター、ミネアポリス）である。,

1978年にロサンゼルスに旅行中に、リヒテンシュタインは弁護士ロバート*リフキンドのドイツ表現主義版画や絵本のコレクションに魅了されました。 彼は表現主義絵画に見られる文体の要素を借りた作品を制作し始めました。 “白い木”（1980年）は叙情的なデア-ブラウエ-ライターの風景を想起させ、”ヴァルトマン博士”（1980年）はオットー-ディックスの”メイヤー＝ヘルマン博士”（1926年）を想起させる。 小さな色鉛筆の図面は、木版画のテンプレートとして使用され、Emil NoldeとMax Pechstein、DixとErnst Ludwig Kirchnerによって好まれた媒体でした。, また、1970年代後半には、リヒテンシュタインのスタイルは、Pow Wow（1979年、Ludwig Forum für Internationale Kunst、アーヘン）のようなよりシュールな作品に置き換えられました。 大きなシリーズのSurrealist-ポップな絵画1979年から1981年にはネイティブアメリカのテーマです。 これらの作品は、Amerind図（1981）、黒緑青銅の合理化されたトーテムポールを連想させる様式化された等身大の彫刻から記念碑的なウールタペストリー Amerind風景（1979）に及ぶ。, “インド”の作品は、リヒテンシュタインの小さな図書館からアメリカインディアンのデザインに関する本を含む現代美術や他のソースから、シュルレ

1972年から1980年代初頭にかけてのリヒテンシュタインの静物画、彫刻、ドローイングは、果物、花、花瓶などの最も伝統的なものを含むさまざまなモチーフやテーマをカバーしています。 1983年にリヒテンシュタインの二つの反アパルトヘイトのポスターでは”反アパルトヘイト”., 彼の反射シリーズは、1988年から1990年、リヒテンシュタインの再利用自分をモチーフにした。 インテリア（1991-1992）は、アーティストが電話帳や看板に見つかった家具の広告に触発された平凡な国内環境を描いた作品のシリーズです。, ニューヨークのメトロポリタン美術館で1994年の展覧会で紹介エドガー*ドガの単色プリントからインスピレーションを集めた、中国スタイルのシリーズで彼の風景のモチーフは、シミュレートされたベンデイドットとブロック輪郭で形成され、ハード、鮮やかな色でレンダリングされ、手のすべての痕跡が除去された。 ヌードは、1990年代のリヒテンシュタインの作品の中で繰り返される要素であり、例えば”赤いシャツを持つヌードのためのコラージュ”（1995年）。

絵画や彫刻に加えて、リヒテンシュタインはまた、主にスクリーンプリントで、300以上のプリントを作りました。,

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