Quando ho iniziato a conoscere la storia dell’arte, ricordo che volevo capire una cosa prima di tutto. Volevo sapere la linea temporale. In altre parole, la grande storia di uno stile-seguito-da-il prossimo: romanticismo, impressionismo, Post-impressionismo, cubismo, e così via.

Avevo la sensazione che la storia dell’arte fosse come una staffetta di artisti, ognuno dei quali passava il testimone da uno all’altro, costruendo una catena di causa-effetto della storia e dello sviluppo.,

Oltre a voler conoscere gli ismi, avevo anche altre domande: cos’era il “barocco” e veniva prima o dopo il Rinascimento? In realtà, a pensarci bene, qual è stato il Rinascimento? “Classica” si riferiva alla musica classica o a qualcos’altro? Qual è la differenza tra ‘arte moderna’ e’arte contemporanea’?

Mi ci è voluto un po ‘ per capire che ci sono risposte semplici e complesse a queste domande.

Ma la prima cosa che ho fatto, per soddisfare la mia curiosità, è stata trovare una lista di movimenti artistici e scriverla in modo da fissarla nella mia memoria., E ‘ andato qualcosa come questo:

• arte Medievale
• Rinascimentale 1300-1600
• Barocco 1600-1730
• Rococò 1720-1780
• Neoclassicismo 1750-1830
• Romanticismo 1780-1880
• Impressionismo 1860-1890
• Post-impressionismo 1886-1905
• Espressionismo 1905-1930
• Cubismo 1907-1914
• Futurismo 1910-1930
• Art Deco 1909-1939
• Espressionismo Astratto 1940
• arte Contemporanea 1946 — oggi

Questa è una buona lista., (Suggerimento: se vuoi una versione più approfondita di questa lista, con artisti e immagini di esempio, scarica my Essential Styles in Western Art History.)

Un semplice framework come questo è indispensabile per trovare i tuoi orientamenti all’inizio. Dopo molti anni di guardare e pensare all’arte, mi ritrovo ancora a fare riferimento a questa lista.

Da dove inizi effettivamente?

La verità è che nessuno inizia a pensare alla storia dell’arte senza aver prima incontrato un’arte in primo luogo. Forse era un dipinto a goccia di Jackson Pollock., Forse era una visita alla Cappella Sistina a Roma. Forse qualcuno ti ha dato una cartolina con un dipinto di Claude Monet sul davanti.

In qualche modo, da qualche parte, si accende un interesse., Faccio questo punto perché veniamo tutti alla storia dell’arte da una sorta di prospettiva, ed è su questa prospettiva che probabilmente costruiremo la nostra mappa mentale di come i diversi stili d’arte, e in definitiva i singoli artisti, si incastrano. È anche il modo in cui i pregiudizi sono in grado di intrufolarsi nella nostra comprensione anche se non intendiamo farlo. Ma non preoccupiamoci di questo per ora

Per me, il mio interesse è stato suscitato un giorno quando, all’età di 16 anni, il mio insegnante d’arte a scuola mi ha preso da parte e mi ha chiesto se avessi mai sentito parlare di un pittore chiamato Wassily Kandinsky. Non l’ho mai avuto., Dal momento che i miei dipinti in classe stavano iniziando a muoversi verso l’astrazione (senza che io lo intendessi davvero), il mio insegnante d’arte pensava che avrei potuto trovare interessante Kandinsky.

Ho seguito il suo consiglio e sono andato alla biblioteca della scuola dove ho trovato un libro dedicato all’artista russo. Non avevo mai visto niente di simile. Kandinsky era un russo che ha trascorso gran parte della sua vita adulta in Germania, dove ha insegnato presso la Scuola d’Arte Bauhaus. Come pittore, è accreditato di aver realizzato alcune delle prime opere puramente astratte nell’arte occidentale.,

Per condividere qui, ho scelto un pezzo chiamato Giallo-Rosso-Blu che Kandinsky dipinse nel 1925.

Quando ho guardato per la prima volta questo dipinto, mi è piaciuto particolarmente il grande nastro di nero che scende lungo il lato destro, come un fiume o un sentiero tra le colline. Mi è piaciuto anche il modo in cui le diverse tonalità di colore si sovrappongono, si intersecano e si combinano per formare nuove forme sotto. Non avevo davvero idea di cosa significasse il lavoro. Mi è semplicemente piaciuto guardare l’esplosione di colore e forma che appare e scompare con uno strano dramma teatrale.,

Passi successivi

Se volessimo inserire Kandinsky nella linea temporale dei movimenti artistici come sopra elencati, allora si sederebbe all’interno del movimento noto come Espressionismo (intorno al 1905-1930). L’espressionismo ha avuto origine in Germania all’inizio del 20 ° secolo, principalmente attraverso la poesia e la pittura. Artisti come Kandinsky hanno utilizzato forme distorte e colori forti per evocare stati d’animo o ansie. Per Kandinsky, la soggettività dell’arte aveva una qualità spirituale. I colori avevano il potere di influenzare le risposte emotive profonde nello spettatore., La pittura, ha scritto ,” può sviluppare le stesse energie della musica.”

Così possiamo comodamente inserire Kandinsky nel movimento dell’espressionismo. Per fare questo ci porta così lontano, ma categorizzando Kandinsky rischiamo anche di nascondere alcune verità importanti.

Ad esempio, il fatto che abbia avuto un arco di carriera tutto suo, dove il suo lavoro ha assunto forme diverse in quanto associato a diversi artisti in diverse città europee. Inoltre, l’espressionismo stesso è un termine generico che comprende molti artisti diversi con stili diversi, alcuni astratti e alcuni figurativi.,

Faccio questo punto per illustrare il fatto che l’arte è fatta in mezzo a circostanze reali, e che le generalizzazioni sono utili solo fino a un certo punto. Pertanto, un utile passo successivo per uno storico dell’arte quando si guarda un’opera d’arte è iniziare a costruire un senso di tempo e luogo specifico per l’opera d’arte e l’artista in questione. Ci sono tutti i tipi di modi per farlo. Ad esempio, si potrebbe iniziare pensando alle seguenti domande:

• L’artista aveva amici o contemporanei che potrebbero aver influenzato lo stile dell’opera?,
• L’artista aveva un insegnante o proveniva da una tradizione?
• L’artista ha scritto del proprio lavoro?
• Quali erano i materiali a disposizione dell’artista in quel momento?
• L’artista era un uomo o una donna, e la risposta potrebbe avere un impatto sul tipo di arte che potrebbero creare?
• Potrebbe correre o altre specifiche dell’identità dell’artista giocare un ruolo?
• L’opera è stata mostrata in pubblico, e se sì, quali sono state le reazioni dei primi spettatori?,

Queste domande non sono affatto esaustive, ma forse indicano la realtà di qualsiasi processo creativo: che tutti gli artisti lavorano all’interno di un contesto, con tutte le opportunità e i vincoli che questo contesto potrebbe comportare.

La storia è interpretazione

Ricordo, molto tempo fa, di avere una discussione con qualcuno sulla natura della storia. Ricordo di aver detto che “La storia è in gran parte una questione di interpretazione”, a cui l’altra persona ha risposto qualcosa sulla falsariga di ” Sicuramente no. La storia non riguarda i fatti di ciò che è realmente accaduto?,”

Questa idea — che la storia riguarda i fatti, non l’interpretazione — sembra particolarmente pertinente nella storia dell’arte, poiché le opere d’arte sono lì davanti a noi anche se l’artista è morto da tempo. Ma in realtà, il modo in cui interagiamo e comprendiamo l’arte è in gran parte una questione di come è stata prodotta la narrazione della storia dell’arte.

Ci sono innumerevoli modi per esplorare questo, ma continuerò a un esempio ben noto.

Non ho dubbi che avete sentito parlare del Rinascimento., Per descriverlo semplicemente, il Rinascimento fu un periodo di tempo, incentrato principalmente sull’Italia, in cui le arti fiorirono sotto una concentrazione di mecenatismo e stimolate dalla riscoperta di testi del mondo antico di Roma e della Grecia, la cui letteratura, apprendimento e politica erano ammirati come un’epoca di grandi successi.

L’era del Rinascimento includeva alcuni dei più famosi artisti della storia, tra cui Leonardo da Vinci, Raffaello e Michelangelo., Una delle principali fonti di dettagli storici sugli artisti di questo tempo proviene da un libro intitolato Lives of the Artists, una serie di biografie d’artista scritte da un pittore e architetto italiano del xvi secolo di nome Giorgio Vasari.

Il libro è generalmente considerato il primo studio di storia dell’arte., È immensamente dettagliato e rimane utile ancora oggi per gli storici dell’arte che cercano di comprendere lo sviluppo dell’arte occidentale.

Il problema di questo libro è che Vasari scriveva da una posizione estremamente partigiana, poiché era principalmente interessato a sostenere Firenze e Roma come centri di eccellenza artistica, con quasi nessun riferimento all’arte che veniva fatta al di fuori dell’Italia.,

Vasari ha usato una struttura in tre parti nel libro, un quadro approssimativamente corrispondente ai secoli XIV, XV e xvi, per descrivere come gli artisti durante questi tre periodi hanno progressivamente riscoperto gli standard degli antichi greci e romani. Michelangelo è trattato come la massima espressione del rinnovamento, un artista che “ha trionfato su artisti antichi, artisti moderni e persino sulla Natura stessa.”

Così, il disegno storico di Vasari traccia una corrispondenza tra lo scorrere del tempo e la sempre crescente realizzazione artistica degli artisti italiani., La marcia in avanti del progresso ha una direzione precisa perché Vasari individua un modello per la sua perfezione.

Oggi, il Rinascimento rappresenta uno dei capisaldi dell’arte, che W. J. Bouwsma descrive come “l’organizzazione drammatica tradizionale della storia occidentale.”In questa organizzazione, il Rinascimento è una svolta storica che chiude il Medioevo e inaugura l’era moderna. E ” il capitolo inaugurale della storia che conduce fino al nostro tempo.,”

In altre parole, l’effetto della scrittura di Vasari sui suoi compatrioti fu quello di contribuire a promuovere il Rinascimento italiano alla posizione elevata di alto successo in tutta la storia dell’arte.

Conclusioni

Ho descritto all’inizio di questo articolo il mio senso che la storia dell’arte era come una staffetta di artisti, ognuno passando il testimone della creatività da uno all’altro. Come si spera illustra la discussione sul Rinascimento, è Vasari che alla fine devo ringraziare per la mia immagine di staffetta della storia dell’arte.

Ma l’arte riguarda sempre il progresso?,

L’idea di progresso è molto attraente per gli storici perché fornisce un quadro lineare-narrativo semplice, quello della storia che si muove verso un punto alto idealizzato.

Il problema principale di questo modo di guardare la storia dell’arte è che tende ad essere esclusivo, in quanto prende la visione ristretta che l’arte occidentale è la storia principale della storia dell’arte. Dove, ad esempio, l’arte buddista potrebbe inserirsi nella staffetta? Che dire dell’arte islamica, dell’arte turca, dell’arte giapponese o dell’arte dell’Africa occidentale?,

La verità è che molte forme d’arte in tutto il mondo si sono sviluppate indipendentemente l’una dall’altra o con una sovrapposizione minima. Vasari era un italiano che viveva a Firenze, e come tale era interessato a come fosse fatta la meravigliosa arte che lo circondava. E ‘ comprensibile.

Quello che dobbiamo fare, tuttavia, è ricordare che tutta la storia dell’arte è inclinata con un pregiudizio verso il narratore. Questo è ciò che lo rende come un argomento interessante da conoscere. E perché, ovunque guardiamo, c’è sempre di più da capire sulla storia dell’arte.