Lichtenstein ha poi lasciato New York per studiare alla Ohio State University, che ha offerto corsi di studio e una laurea in belle arti. I suoi studi furono interrotti da un periodo di tre anni nell’esercito durante e dopo la seconda guerra mondiale tra il 1943 e il 1946. Dopo essere stato in programmi di formazione per le lingue, ingegneria, e la formazione pilota, che sono stati tutti cancellati, ha servito come un ordinato, disegnatore, e artista.,

Lichtenstein tornò a casa per visitare il padre morente e fu congedato dall’esercito con l’eleggibilità per il G. I. Bill. Tornò agli studi in Ohio sotto la supervisione di uno dei suoi insegnanti, Hoyt L. Sherman, che è ampiamente considerato per aver avuto un impatto significativo sul suo lavoro futuro (Lichtenstein avrebbe poi chiamato un nuovo studio ha finanziato a OSU come Hoyt L. Sherman Studio Art Center).

Lichtenstein è entrato nel programma di laurea presso l’Ohio State ed è stato assunto come istruttore d’arte, un posto che ha tenuto e spento per i prossimi dieci anni., Nel 1949 Lichtenstein ha ricevuto un Master of Fine Arts presso l’Ohio State University.

Nel 1951, Lichtenstein ha avuto la sua prima mostra personale alla Carlebach Gallery di New York.Si trasferì a Cleveland nello stesso anno, dove rimase per sei anni, anche se spesso viaggiato di nuovo a New York. Durante questo periodo ha intrapreso lavori vari come un disegnatore di un decoratore di finestre tra i periodi di pittura. Il suo lavoro in questo momento oscillava tra cubismo ed espressionismo. Nel 1954 nacque il suo primo figlio, David Hoyt Lichtenstein, ora cantautore., Il suo secondo figlio, Mitchell Lichtenstein, è nato nel 1956.

Nel 1957, si trasferì di nuovo nello stato di New York e ricominciò ad insegnare. Fu in questo momento che adottò lo stile dell’espressionismo astratto, essendo un tardo convertito a questo stile di pittura. Lichtenstein ha iniziato a insegnare nello stato di New York presso la State University di New York a Oswego nel 1958. In questo periodo, iniziò a incorporare immagini nascoste di personaggi dei cartoni animati come Topolino e Bugs Bunny nelle sue opere astratte.,

Rise to prominence

Nel 1960, ha iniziato a insegnare alla Rutgers University dove è stato fortemente influenzato da Allan Kaprow, che è stato anche un insegnante presso l’università. Questo ambiente ha contribuito a riaccendere il suo interesse per Proto-pop imagery.In 1961, Lichtenstein ha iniziato i suoi primi dipinti pop utilizzando immagini cartoon e tecniche derivate dalla comparsa di stampa commerciale. Questa fase sarebbe continuata fino al 1965, e comprendeva l’uso di immagini pubblicitarie che suggerivano il consumismo e la produzione casalinga.,Il suo primo lavoro a caratterizzare l’uso su larga scala di figure dure e puntini Ben-Day è stato Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, DC). Questo pezzo è venuto da una sfida da uno dei suoi figli, che indicò un fumetto di Topolino e disse; ” Scommetto che non puoi dipingere così bene, eh, papà?”Nello stesso anno ha prodotto altre sei opere con personaggi riconoscibili da involucri di gomma e cartoni animati.

Nel 1961 Leo Castelli inizia a esporre le opere di Lichtenstein nella sua galleria di New York., Lichtenstein ha avuto la sua prima personale alla galleria Castelli nel 1962; l’intera collezione è stata acquistata da collezionisti influenti prima ancora dell’apertura della mostra. Un gruppo di dipinti prodotti tra il 1961 e il 1962 incentrato su oggetti domestici solitari come scarpe da ginnastica, hot dog e palline da golf. Nel settembre 1963 ha preso un congedo dalla sua posizione di insegnamento a Douglass College a Rutgers.,

Le sue opere sono state ispirate da fumetti con storie di guerra e romantiche “A quel tempo”, ha raccontato Lichtenstein, “Ero interessato a tutto ciò che potevo usare come soggetto emotivamente forte – di solito amore, guerra o qualcosa che era soggetto altamente carico ed emotivo per essere opposto alle tecniche di pittura rimosse e deliberate”.

Periodo di più alto profilo di Lichtenstein

Fu in questo periodo che Lichtenstein iniziò a trovare fama non solo in America ma in tutto il mondo. Si trasferì di nuovo a New York per essere al centro della scena artistica e si dimise dalla Rutgers University nel 1964 per concentrarsi sulla sua pittura. Lichtenstein ha usato olio e Magna (primi acrilici) vernice nei suoi lavori più noti, come Drowning Girl (1963), che è stato appropriato dalla storia principale in DC Comics’ Secret Hearts n.83. (Annegamento ragazza ora si blocca nel Museum of Modern Art, New York., Drowning Girl presenta anche contorni spessi, colori audaci e punti Ben-Day, come se fossero creati dalla riproduzione fotografica. Del suo lavoro Lichtenstein direbbe che gli espressionisti astratti ” hanno messo le cose sulla tela e hanno risposto a ciò che avevano fatto, alle posizioni dei colori e alle dimensioni. Il mio stile sembra completamente diverso, ma la natura di mettere giù le linee è praticamente la stessa; il mio semplicemente non esce dall’aspetto calligrafico, come quello di Pollock o di Kline.”

Piuttosto che tentare di riprodurre i suoi soggetti, il lavoro di Lichtenstein ha affrontato il modo in cui i mass media li ritraggono., Non si prenderebbe mai troppo sul serio, tuttavia, dicendo: “Penso che il mio lavoro sia diverso dai fumetti – ma non lo chiamerei trasformazione; non penso che tutto ciò che si intende per esso sia importante per l’arte.”Quando l’opera di Lichtenstein fu esposta per la prima volta, molti critici d’arte dell’epoca ne sfidarono l’originalità. Il suo lavoro è stato aspramente criticato come volgare e vuoto. Il titolo di un articolo della rivista Life del 1964 chiedeva: “È il peggior artista degli Stati Uniti?,”Lichtenstein ha risposto a tali affermazioni offrendo risposte come le seguenti:” Più il mio lavoro è vicino all’originale, più il contenuto è minaccioso e critico. Tuttavia, il mio lavoro è completamente trasformato in quanto il mio scopo e la mia percezione sono completamente diversi. Penso che i miei dipinti siano criticamente trasformati, ma sarebbe difficile dimostrarlo con qualsiasi argomentazione razionale.”Ha discusso sperimentando questa pesante critica in un’intervista con April Bernard e Mimi Thompson nel 1986., Suggerendo che a volte era difficile essere criticato, Lichtenstein ha detto: “Non dubito che quando dipingo, è la critica che ti fa meravigliare, lo fa.”

La sua immagine più celebre è probabilmente Whaam! (1963, Tate Modern, Londra), uno dei primi esempi noti di pop art, adattato da un pannello di fumetti disegnato da Irv Novick in un numero del 1962 di DC Comics’ All-American Men of War. Il dipinto raffigura un aereo da caccia che spara un razzo contro un aereo nemico, con un’esplosione rossa e gialla. Lo stile del fumetto è accentuato dall’uso del lettering onatopeico ” Whaam!,”e la didascalia in scatola” Ho premuto il controllo del fuoco … e davanti a me razzi divampavano nel cielo …”Questo dittico è di grandi dimensioni, misura 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). Whaam segue i temi a fumetti di alcuni dei suoi dipinti precedenti e fa parte di un lavoro a tema bellico creato tra il 1962 e il 1964. Si tratta di uno dei suoi due notevoli grandi dipinti a tema bellico. È stato acquistato dalla Tate Gallery nel 1966, dopo essere stato esposto alla Leo Castelli Gallery nel 1963, e (ora alla Tate Modern) è rimasto nella loro collezione da allora., Nel 1968, l’imprenditore di Darmstadt Karl Ströher acquistò alcune importanti opere di Lichtenstein, come Nurse (1964), Compositions I (1964), We rose up slowly (1964) e Yellow and Green Brushstrokes (1966). Dopo essere stato in prestito presso l’Hessiches Landesmuseum Darmstadt per diversi anni, il direttore fondatore del Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, è stato in grado di acquisire un totale di 87 opere dalla collezione Ströher nel 1981, principalmente Pop Art americana e Minimal Art per il museo in costruzione fino al 1991.,

Lichtenstein iniziò a sperimentare con la scultura intorno al 1964, dimostrando un talento per la forma che era in contrasto con l’insistente planarità dei suoi dipinti. Per Head of Girl (1964) e Head with Red Shadow (1965), collaborò con un ceramista che scolpì la forma della testa in argilla. Lichtenstein ha poi applicato uno smalto per creare lo stesso tipo di motivi grafici che ha usato nei suoi dipinti; l’applicazione di linee nere e punti Ben-Day a oggetti tridimensionali ha provocato un appiattimento della forma.,

La maggior parte delle opere più note di Lichtenstein sono copie relativamente vicine, ma non esatte, di pannelli di fumetti, un soggetto che abbandonò in gran parte nel 1965, anche se occasionalmente incorporava fumetti nel suo lavoro in modi diversi nei decenni successivi. Questi pannelli sono stati originariamente disegnati da artisti di fumetti come Jack Kirby e DC Comics artisti Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick, e Jerry Grandenetti, che raramente ha ricevuto alcun credito., Jack Cowart, direttore esecutivo della Lichtenstein Foundation, contesta l’idea che Lichtenstein fosse un copista, dicendo: “Il lavoro di Roy era una meraviglia delle formule grafiche e della codificazione del sentimento che era stata elaborata da altri. I pannelli sono stati modificati in scala, colore, trattamento, e nelle loro implicazioni. Non esiste una copia esatta.,”Tuttavia, alcuni hanno criticato l’uso di Lichtenstein di immagini di fumetti e opere d’arte, specialmente nella misura in cui quell’uso è stato visto come approvazione di una visione paternalistica dei fumetti da parte del mainstream artistico; il fumettista Art Spiegelman ha commentato che “Lichtenstein non ha fatto più o meno per i fumetti di Andy Warhol per soup.”

Le opere di Lichtenstein basate su pannelli ingranditi di fumetti hanno generato un ampio dibattito sui loro meriti come arte. Lichtenstein stesso ammise: “Sto copiando nominalmente, ma sto davvero ribadendo la cosa copiata in altri termini., In tal modo, l’originale acquisisce una consistenza totalmente diversa. Non sono pennellate spesse o sottili, sono punti e colori piatti e linee inflessibili.”Eddie Campbell ha scritto sul blog che” Lichtenstein ha scattato una piccola foto, più piccola del palmo della mano, stampata in quattro inchiostri a colori su carta da giornale e l’ha fatta saltare fino alla dimensione convenzionale in cui “l’arte” è fatta ed esposta e finita in vernice su tela.”Riguardo al Lichtenstein, Bill Griffith una volta disse:” C’è arte alta e c’è arte bassa., E poi c’è l’arte alta che può prendere l’arte bassa, portarla in un contesto artistico alto, appropriarla ed elevarla in qualcos’altro.”

Sebbene il lavoro a fumetti di Lichtenstein abbia ottenuto una certa accettazione, le preoccupazioni sono ancora espresse dai critici che affermano che Lichtenstein non ha accreditato, pagato alcuna royalties o chiesto il permesso agli artisti originali o ai detentori del copyright. In un’intervista per un documentario della BBC Four nel 2013, Alastair Sooke ha chiesto al fumettista Dave Gibbons se considerava Lichtenstein un plagiatore. Gibbons rispose: “Direi ‘imitatore’., Nella musica, ad esempio, non puoi semplicemente fischiare la melodia di qualcun altro o eseguire la melodia di qualcun altro, non importa quanto male, senza in qualche modo accreditare e dare il pagamento all’artista originale. Vale a dire, questo è ‘WHAAM! di Roy Lichtenstein, dopo Irv Novick’. Lo stesso Sooke sostiene che ” Lichtenstein ha trasformato l’opera di Novick in una serie di modi sottili ma cruciali.,creatori originali delle sue opere comiche e ‘ stata una riflessione sulla decisione Nazionale di Pubblicazioni Periodiche, il predecessore della DC Comics, di omettere di credito per i loro scrittori e artisti:

Oltre a incarnare il pregiudizio culturale contro i fumetti come veicoli d’arte, esempi come Lichtenstein stanziamento del vocabolario di fumetti evidenziare l’importanza di pubblicazione formato in considerazione al momento della definizione di fumetti, così come l’economia politica implicita da specifici tipi di pubblicazioni storiche, in questo caso il mainstream Americano di fumetti., Fino a che punto National Periodical Publications (poi DC) è stato responsabile del rifiuto dei ruoli di Kanigher e Novick come artisti a pieno titolo non concedendo loro pieno credito autoriale sulla pubblicazione stessa?”

Inoltre, Campbell nota che c’è stato un tempo in cui gli artisti comici spesso rifiutavano l’attribuzione per il loro lavoro.,

In un resoconto pubblicato nel 1998, Novick disse di aver incontrato Lichtenstein nell’esercito nel 1947 e, come suo ufficiale superiore, aveva risposto alle lamentele di Lichtenstein riguardo ai compiti umili che gli erano stati assegnati raccomandandogli un lavoro migliore. Jean-Paul Gabilliet ha messo in discussione questo account, dicendo che Lichtenstein aveva lasciato l’esercito un anno prima del tempo Novick dice che l’incidente ha avuto luogo. Bart Beaty, notando che Lichtenstein si era appropriato di Novick per opere come Whaam! e va bene Hot-Shot, va bene!,, dice che la storia di Novick “sembra essere un tentativo di sminuire personalmente” l’artista più famoso.

Nel 1966, Lichtenstein si trasferì dal suo celebre immaginario dei primi anni 1960, e ha iniziato la sua serie di dipinti moderni, tra cui oltre 60 dipinti e disegni di accompagnamento. Utilizzando i suoi caratteristici punti Ben-Day e le forme geometriche e le linee, ha reso immagini incongrue e stimolanti da strutture architettoniche familiari, modelli presi in prestito dall’Art Déco e altri motivi sottilmente evocativi, spesso sequenziali., La serie di sculture moderne del 1967-8 faceva riferimento a motivi dell’architettura Art Déco.

Dopo il lavoro

Nei primi anni 1960, Lichtenstein riprodotto capolavori di Cézanne, Mondrian e Picasso prima di intraprendere il Pennellate di serie nel 1965., Lichtenstein ha continuato a rivisitare questo tema più tardi nella sua carriera con opere come Camera da letto ad Arles che derivava da Camera da letto di Vincent van Gogh ad Arles.

Nel 1970, Lichtenstein fu incaricato dal Los Angeles County Museum of Art (nell’ambito del suo programma di arte e tecnologia sviluppato tra il 1967 e il 1971) di realizzare un film. Con l’aiuto di Universal Film Studios, l’artista ha ideato e prodotto Three Landscapes, un film di paesaggi marini, direttamente collegato a una serie di collage con temi paesaggistici da lui creati tra il 1964 e il 1966., Anche se Lichtenstein aveva pianificato di produrre 15 cortometraggi, l’installazione in tre schermi-realizzata con il regista indipendente di New York Joel Freedman – si è rivelata l’unica avventura dell’artista nel mezzo.

Anche nel 1970, Lichtenstein acquistò una ex casa di trasporto a Southampton, Long Island, costruì uno studio sulla proprietà e trascorse il resto degli anni 1970 in relativa solitudine. Nel 1970 e 1980, il suo stile ha cominciato ad allentare e ha ampliato su quello che aveva fatto prima. Lichtenstein ha iniziato una serie di specchi dipinti nel 1969., Nel 1970, pur continuando sulla serie Mirrors, ha iniziato a lavorare sul tema delle trabeazioni. Le Trabattelle consistevano in una prima serie di dipinti dal 1971 al 1972, seguita da una seconda serie nel 1974-76 e dalla pubblicazione di una serie di stampe a rilievo nel 1976. Ha prodotto una serie di “Artists Studios” che incorporava elementi del suo lavoro precedente. Un esempio notevole è lo studio dell’artista, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis) che incorpora altri cinque lavori precedenti, inseriti nella scena.,

Durante un viaggio a Los Angeles nel 1978, Lichtenstein rimase affascinato dalla collezione dell’avvocato Robert Rifkind di stampe espressioniste tedesche e libri illustrati. Ha iniziato a produrre opere che hanno preso in prestito elementi stilistici trovati nei dipinti espressionisti. L’albero bianco (1980) evoca paesaggi lyric Der Blaue Reiter, mentre Dr. Waldmann (1980) ricorda Dr. Mayer-Hermann (1926) di Otto Dix. Piccoli disegni a matita colorata sono stati utilizzati come modelli per xilografie, un mezzo favorito da Emil Nolde e Max Pechstein, così come Dix e Ernst Ludwig Kirchner., Anche alla fine degli anni 1970, lo stile di Lichtenstein è stato sostituito con opere più surreali come Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). Una grande serie di dipinti surrealisti-Pop dal 1979 al 1981 si basa su temi nativi americani. Queste opere vanno da Amerind Figure (1981), una scultura stilizzata a grandezza naturale che ricorda un totem aerodinamico in bronzo patinato nero, al monumentale arazzo di lana Amerind Landscape (1979)., Le opere “indiane” hanno preso i loro temi, come le altre parti della serie Surrealista, dall’arte contemporanea e da altre fonti, compresi i libri sul design indiano americano della piccola biblioteca di Lichtenstein.

Le nature morte, le sculture e i disegni di Lichtenstein, che spaziano dal 1972 fino ai primi anni ‘ 80, coprono una varietà di motivi e temi, tra cui i più tradizionali come frutta, fiori e vasi. Nel 1983 Lichtenstein realizzò due manifesti anti-apartheid, intitolati semplicemente “Against Apartheid”., Nella sua serie Reflection, prodotta tra il 1988 e il 1990, Lichtenstein ha riutilizzato i propri motivi da opere precedenti. Interiors (1991-1992) è una serie di opere che ritraggono banali ambienti domestici ispirati ai mobili che l’artista ha trovato nelle rubriche telefoniche o sui cartelloni pubblicitari., Dopo aver raccolto ispirazione dalle stampe monocromatiche di Edgar Degas presenti in una mostra del 1994 al Metropolitan Museum of Art di New York, i motivi dei suoi paesaggi nella serie in stile cinese sono formati con punti Benday simulati e contorni a blocchi, resi in colori duri e vivaci, con tutte le tracce della mano rimosse. Il nudo è un elemento ricorrente nel lavoro di Lichtenstein degli anni ‘ 90, come in Collage for Nude with Red Shirt (1995).

Oltre a dipinti e sculture, Lichtenstein realizzò anche oltre 300 stampe, per lo più in serigrafia.,

Commissioni

Nel 1969, Lichtenstein è stato commissionato da Gunter Sachs, per creare la Composizione e la Leda e il Cigno, per il servizio di raccolta della Pop Art suite camera da letto presso il Palace Hotel di St. Moritz., Alla fine degli anni 1970 e durante gli anni 1980, Lichtenstein ricevette importanti commissioni per lavori in luoghi pubblici: the sculptures Lamp (1978) a St. Mary’s, Georgia; Mermaid (1979) a Miami Beach; the 26 feet high Brushstrokes in Flight (1984, spostato nel 1998) all’aeroporto internazionale di Port Columbus; the five-storey high Mural with Blue Brushstroke (1984-85) presso l’Equitable Center, New York; e El Cap de Barcelona (1992) a Barcellona. Nel 1994, Lichtenstein ha creato il 53-piede-lungo, smalto su metallo Times Square Murale nella stazione della metropolitana di Times Square., Nel 1977, fu incaricato dalla BMW di dipingere una versione da corsa del Gruppo 5 della BMW 320i per il terzo capitolo del progetto BMW Art Car. Il logo della DreamWorks Records è stato il suo ultimo progetto completato. “Non sono nel business di fare qualcosa di simile (un logo aziendale) e non intendo farlo di nuovo”, consente Lichtenstein. “Ma conosco Mo Ostin e David Geffen e mi è sembrato interessante.”

Riconoscimento

• 1977 Medaglia Skowhegan per la pittura, Scuola Skowhegan, Skowhegan, Maine.
• 1979 Accademia Americana di Arti e Lettere, New York.,
• 1989 Accademia Americana di Roma, Roma, Italia. Artista in residenza.
• 1991 Creative Arts Award in Pittura, Brandeis University, Waltham, Massachusetts.
• 1993 Amici de Barcelona, dal sindaco Pasqual Maragall, L’Alcalde de Barcelona.
• Premio Kyoto 1995, Fondazione Inamori, Kyoto, Giappone.
• 1995 Medaglia Nazionale delle Arti, Washington D. C.,

Lichtenstein ha ricevuto numerosi dottorati onorari, tra gli altri, dalla George Washington University (1996), dal Bard College, dal Royal College of Art (1993), dalla Ohio State University (1987), dal Southampton College (1980) e dal California Institute of the Arts (1977). Ha anche fatto parte del consiglio della Brooklyn Academy of Music.