Medievale periodEdit

• Una scena dall’Arazzo di Bayeux raffigurante Oddone, Vescovo di Bayeux, rally il Duca Guglielmo truppe durante la Battaglia di Hastings nel 1066

• Herrad di Landsberg, autoritratto da Hortus deliciarum, c., 1180

• Ildegarda di Bingen, “Uomo Universale” illuminazione da Ildegarda di Liber Divinorum Operum, 1165

• Hildegard von Bingen, la Maternità dallo Spirito e Acqua, 1165, dal Liber divinorum operum, Benediktinerinnenabtei Sankt Ildegarda, Eibingen (bei Rüdesheim)

Artisti del periodo Medievale includono Claricia, Diemudus, Ende, Guda, Herrade di Landsberg e Ildegarda di Bingen., Nel periodo altomedievale, le donne spesso lavoravano al fianco degli uomini. Luminarie manoscritte, ricami e capitelli scolpiti del periodo dimostrano chiaramente esempi di donne al lavoro in queste arti. I documenti mostrano che erano anche birrai, macellai, mercanti di lana e mercanti di ferro. Gli artisti del periodo di tempo, comprese le donne, provenivano da un piccolo sottoinsieme della società il cui status consentiva loro la libertà da questi tipi di lavoro più faticosi. Le donne artiste erano spesso di due classi alfabetizzate, o ricche donne aristocratiche o suore., Le donne della categoria precedente spesso creavano ricami e tessuti; quelle della categoria successiva spesso producevano illuminazioni.

C’erano un certo numero di laboratori di ricamo in Inghilterra al momento, in particolare a Canterbury e Winchester; Opus Anglicanum o ricamo inglese era già famoso in tutta Europa – un inventario papale del 13 ° secolo contava oltre duecento pezzi. Si presume che le donne fossero quasi interamente responsabili di questa produzione.,

L’arazzo di Bayeuxedit

Uno dei ricami più famosi (non è un arazzo) del periodo medievale è l’arazzo di Bayeux, che è stato ricamato con lana su nove pannelli di lino ed è lungo 230 piedi. La sua c. settanta scene narrano la battaglia di Hastings e la conquista normanna dell’Inghilterra. L’arazzo di Bayeux potrebbe essere stato creato in un laboratorio commerciale da una signora reale o aristocratica e il suo seguito, o in un laboratorio in un convento., Sylvette Lemagnen, conservatrice dell’arazzo, nel suo libro del 2005 La Tapisserie de Bayeux afferma:

L’arazzo di Bayeux è una delle conquiste supreme del romanico normanno …. La sua sopravvivenza quasi intatta nel corso di nove secoli è poco meno di miracolosa … La sua lunghezza eccezionale, l’armonia e la freschezza dei suoi colori, la sua squisita fattura e il genio del suo spirito guida si combinano per renderlo infinitamente affascinante.,

L’Alto Medioevo

Nel 14 ° secolo, un laboratorio reale è documentato, con sede presso la Torre di Londra, e ci possono essere stati altri accordi precedenti. L’illuminazione del manoscritto ci offre molti degli artisti nominati del periodo medievale tra cui En, una monaca spagnola del 10 ° secolo; Guda, una monaca tedesca del 12 ° secolo; e Claricia, una laica del 12 ° secolo in uno scriptorium bavarese., Queste donne, e molti altri illuminatori senza nome, hanno beneficiato della natura dei conventi come il principale luogo di apprendimento per le donne nel periodo e l’opzione più sostenibile per gli intellettuali tra di loro.

In molte parti d’Europa, con le riforme gregoriane del 11 ° secolo e l’aumento del feudalesimo, le donne hanno affrontato molte restrizioni che non hanno affrontato nel periodo altomedievale. Con questi cambiamenti sociali, lo stato del convento è cambiato., Nelle Isole britanniche, la conquista normanna segnò l’inizio del graduale declino del convento come sede di apprendimento e luogo in cui le donne potevano ottenere il potere. Conventi sono stati fatti sussidiaria di abati maschi, piuttosto che essere guidato da una badessa, come erano stati in precedenza. Nella Scandinavia pagana (in Svezia) l’unica donna runemaster storicamente confermata, Gunnborga, lavorò nell’xi secolo.

In Germania, tuttavia, sotto la dinastia ottoniana, i conventi mantennero la loro posizione di istituzioni di apprendimento. Questo potrebbe essere in parte perché i conventi erano spesso diretti e popolati da donne non sposate provenienti da famiglie reali e aristocratiche. Pertanto, la più grande opera femminile del periodo tardo medievale ha origine in Germania, come esemplificato da quello di Herrade di Landsberg e Ildegarda di Bingen. Ildegarda di Bingen (1098-1179) è un esempio particolarmente raffinato di intellettuale e artista medievale tedesco., Scrisse Le Opere divine di un uomo semplice, La vita meritoria, sessantacinque inni, un gioco di miracoli e un lungo trattato di nove libri sulle diverse nature di alberi, piante, animali, uccelli, pesci, minerali e metalli. Fin dalla tenera età, ha affermato di avere visioni. Quando il Papato sostenne queste affermazioni dalla direttrice, la sua posizione di importante intellettuale fu galvanizzata. Le visioni divennero parte di una delle sue opere seminali nel 1142, Scivias (Conoscere le vie del Signore), che consiste di trentacinque visioni relative e illustranti la storia della salvezza., Le illustrazioni nelle Scivias, come esemplificato nella prima illustrazione, raffigurano Ildegarda sperimentare visioni mentre seduto nel monastero di Bingen. Differiscono notevolmente dagli altri creati in Germania durante lo stesso periodo, in quanto sono caratterizzati da colori vivaci, enfasi sulla linea e forme semplificate. Mentre Hildegard probabilmente non penna le immagini, la loro natura idiosincratica porta a credere che sono stati creati sotto la sua stretta supervisione.

Il 12 ° secolo ha visto l’ascesa della città in Europa, insieme all’aumento del commercio, dei viaggi e delle università., Questi cambiamenti nella società hanno anche generato cambiamenti nella vita delle donne. Le donne erano autorizzate a dirigere le attività dei loro mariti se erano vedove. La moglie di Bath in The Canterbury Tales di Chaucer è uno di questi casi. Durante questo periodo, anche le donne potevano far parte di alcune gilde artigiane. I registri delle gilde mostrano che le donne erano particolarmente attive nelle industrie tessili nelle Fiandre e nella Francia settentrionale. Manoscritti medievali hanno molti marginalia raffiguranti donne con fusi., In Inghilterra, le donne erano responsabili della creazione di Opus Anglicanum, o ricchi ricami per uso ecclesiastico o secolare su vestiti e vari tipi di impiccagioni. Anche le donne sono diventate più attive nell’illuminazione. Un certo numero di donne probabilmente lavorato a fianco dei loro mariti o padri, tra cui la figlia di Maître Honoré e la figlia di Jean le Noir., Nel 13 ° secolo la maggior parte dei manoscritti miniati venivano prodotti da laboratori commerciali, e alla fine del Medioevo, quando la produzione di manoscritti era diventata un’industria importante in alcuni centri, le donne sembrano aver rappresentato la maggior parte degli artisti e degli scribi impiegati, specialmente a Parigi. Il movimento verso la stampa e l’illustrazione del libro verso le tecniche di incisione della xilografia e dell’incisione, dove le donne sembrano essere state poco coinvolte, ha rappresentato una battuta d’arresto per il progresso delle donne artiste.,

Nel frattempo, Jefimija (1349-1405) una serba, nobildonna, vedova e monaca ortodossa divenne nota non solo come poetessa che scrisse un lamento per il figlio morto, Uglješa, ma anche come abile cucitrice e incisore. Il suo lamento per il suo amato figlio, che immortalava il dolore di tutte le madri che piangevano i loro figli defunti, è stato scolpito sul retro del dittico, (icona a due pannelli che rappresenta una Vergine e il bambino) che Teodosije, vescovo di Serres, aveva presentato in dono al bambino Uglješa al suo battesimo., L’opera d’arte, già preziosa per l’oro, le pietre preziose e la bella scultura sui suoi pannelli di legno, divenne inestimabile dopo che il lamento di Jefemija fu inciso sul suo dorso.

Nella Venezia del xv secolo la figlia dell’artista del vetro, Angelo Barovièr, era nota per essere stata l’artista dietro un particolare design in vetro di Murano veneziana. Era Marietta Barovier, un’artista veneziana del vetro. Apparentemente diversi secoli dovevano trascorrere prima che le donne fossero in grado di perseguire il mezzo nell’arte del vetro.,

RenaissanceEdit

• St. Catherine of Bologna (Caterina dei Vigri), (Maria und das Jesuskind mit Frucht), c. 1440s. She is the patron saint of artists.,

• Sofonisba Anguissola, Self-Portrait, 1554

• Esther Inglis, Portrait, 1595

• Fede Galizia, Judith with the Head of Holofernes, 1596. The figure of Judith is believed to be a self-portrait.,

• Lavinia Fontana, Minerva Dressing, 1613, Galleria Borghese, Rome

Artists from the Renaissance era include, Sofonisba Anguissola, Lucia Anguissola, Lavinia Fontana, Fede Galizia, Diana Scultori Ghisi, Caterina van Hemessen, Esther Inglis, Barbara Longhi, Maria Ormani, Marietta Robusti (daughter of Tintoretto), Properzia de’ Rossi, Levina Teerlinc, Mayken Verhulst, and St. Catherine of Bologna (Caterina dei Vigri).,

Questo è il primo periodo della storia occidentale in cui un certo numero di artiste laiche guadagnarono fama internazionale. L’aumento delle donne artiste durante questo periodo può essere attribuito a grandi cambiamenti culturali., Uno di questi cambiamenti è venuto dalla Controriforma reagendo contro il protestantesimo e dando origine a un movimento verso l’umanesimo, una filosofia che afferma la dignità di tutte le persone, che divenne centrale nel pensiero rinascimentale e contribuì a elevare lo status delle donne. Inoltre, l’identità del singolo artista in generale è stata considerata più importante. Artisti significativi di questo periodo le cui identità sono sconosciute praticamente cessano di esistere. Due testi importanti, Sulle Donne famose e La Città delle donne, illustrano questo cambiamento culturale., Boccaccio, umanista del XIV secolo, scrisse De mulieribus claris (1335-59), una raccolta di biografie di donne. Tra le 104 biografie da lui incluse c’era quella di Thamar (o Thmyris), un antico pittore di vasi greci. Curiosamente, tra le luminarie manoscritte del xv secolo su Donne famose, Thamar è stato raffigurato dipingendo un autoritratto o forse dipingendo una piccola immagine della Vergine con il Bambino., Christine de Pizan, un notevole tardo medievale francese scrittore, retore, e critico, ha scritto Libro della città delle signore nel 1405, un testo su una città allegorica in cui le donne indipendenti vivevano liberi dalle calunnie degli uomini. Nel suo lavoro ha incluso vere artiste, come Anastasia, considerata una delle migliori illuminatrici parigine, anche se nessuna delle sue opere è sopravvissuta. Altri testi umanisti hanno portato ad una maggiore istruzione per le donne italiane.

Il più notevole di questi è stato Il Cortegiano o Il cortigiano del 16 ° secolo umanista italiano Baldassare Castiglione., Questo lavoro enormemente popolare ha dichiarato che gli uomini e le donne dovrebbero essere educati nelle arti sociali. La sua influenza ha reso accettabile per le donne di impegnarsi nelle arti visive, musicali e letterarie. Grazie a Castiglione, questo fu il primo periodo della storia rinascimentale in cui le nobildonne poterono studiare pittura. Sofonisba Anguissola è stato il maggior successo di questi aristocratici minori che hanno beneficiato prima di formazione umanista e poi ha continuato a riconoscimento come pittori. La cremonese Anguissola è stata un pioniere e un modello per le future generazioni di artiste., Anche gli artisti che non erano nobildonne furono colpiti dall’aumento dell’umanesimo. Oltre alla materia convenzionale, artisti come Lavinia Fontana e Caterina van Hemessen iniziarono a ritrarsi negli autoritratti, non solo come pittori ma anche come musicisti e studiosi, evidenziando così la loro formazione a tutto tondo. Fontana beneficiò degli atteggiamenti illuminati nella sua città natale, Bologna, dove l’università aveva ammesso donne erudite fin dal Medioevo. Insieme all’aumento dell’umanesimo, c’è stato un passaggio dagli artigiani agli artisti., Gli artisti, a differenza degli artigiani precedenti, erano ora tenuti ad avere conoscenza della prospettiva, della matematica, dell’arte antica e dello studio del corpo umano. Nel tardo Rinascimento la formazione degli artisti cominciò a spostarsi dal laboratorio del maestro all’Accademia, e le donne iniziarono una lunga lotta, non risolta fino alla fine del 19 ° secolo, per ottenere il pieno accesso a questa formazione. Lo studio del corpo umano richiedeva di lavorare da nudi e cadaveri maschili. Questo è stato considerato uno sfondo essenziale per la creazione di scene di gruppo realistiche., Le donne sono stati generalmente impedito di formazione da nudi maschili, e quindi sono stati esclusi dalla creazione di tali scene. Tali raffigurazioni di nudi erano necessarie per le composizioni religiose su larga scala, che ricevevano le commissioni più prestigiose.

Sebbene molte donne aristocratiche avessero accesso a una certa formazione nell’arte, anche se senza il beneficio di disegnare figure da modelli maschili nudi, la maggior parte di quelle donne scelse il matrimonio piuttosto che una carriera nell’arte. Questo era vero, ad esempio, per due sorelle di Sofonisba Anguissola., Le donne riconosciute come artiste in questo periodo erano suore o figli di pittori. Dei pochi che sono emersi come artisti italiani nel 15 ° secolo, quelli conosciuti oggi sono associati con conventi. Tra gli artisti che furono suore si ricordano Caterina dei Virgi, Antonia Uccello e Suor Barbara Ragnoni. Durante i secoli 15 e 16, la stragrande maggioranza delle donne che hanno ottenuto un minimo di successo come artisti erano figli di pittori. Questo è probabilmente perché sono stati in grado di ottenere la formazione nei laboratori dei loro padri., Esempi di donne artiste che furono formate dai loro padri includono la pittrice Lavinia Fontana, la ritrattista in miniatura Levina Teerlinc e la ritrattista Caterina van Hemessen. Le artiste italiane in questo periodo, anche quelle formate dalla loro famiglia, sembrano un po ‘ insolite. Tuttavia, in alcune parti d’Europa, in particolare nella Francia settentrionale e nelle Fiandre, era più comune per i bambini di entrambi i sessi entrare nella professione del padre. Infatti, nei Paesi bassi dove le donne avevano più libertà, c’erano un certo numero di artisti nel Rinascimento che erano donne., Ad esempio, i registri della Gilda di San Luca a Bruges mostrano non solo che ammettono le donne come membri praticanti, ma anche che nel 1480 il venticinque per cento dei suoi membri erano donne (molti probabilmente lavoravano come illuminatori manoscritti).

L’ultima cena di Nelli

Un fragile rotolo di tela di 22 piedi recentemente riscoperto a Firenze si è rivelato un tesoro eccezionale. Ma per le azioni rivoluzionarie della filantropa americana, Jane Fortune (morta 2018) e dell’autrice di Firenze, Linda Falcone e della loro organizzazione, Advancing Women Artists Foundation, il rotolo potrebbe aver raccolto più polvere. Quattro anni di meticoloso restauro da parte di un team guidato da donne, rivela la brillantezza del 16 ° secolo, autodidatta, suor Plautilla Nelli, una monaca, e unica donna rinascimentale conosciuta per aver dipinto l’Ultima Cena., L’opera è stata esposta al Museo di Santa Maria Novella di Firenze nell’ottobre 2019. A partire dall’inizio del 2020, AWA ha sponsorizzato il restauro di 67 opere di artiste donne, rinvenute in collezioni fiorentine.

Barocco eraEdit

• Artemisia Gentileschi, autoritratto come un suonatore di Liuto, c., 1615-17, Curtis Galleries, Minneapolis

• Josefa de Ayala (Josefa De Óbidos), Still-life, C., 1679, Santarém, Biblioteca Comunale

• Giovanna Garzoni, morta con Ciotola dei Cedri, 1640, tempera su pergamena, Getty Museum, Pacific Palisades, Los Angeles, California

• Rachel Ruysch, Still-Life con Bouquet di Fiori e Prugne, olio su tela, museo Reale delle Belle Arti del Belgio, Bruxelles

• Mary Beale, Self-portrait, c.,ra sono: Mary Beale, Élisabeth Sophie Chéron, Maria Teresa van Thielen, Katharina Pepijn, Catharina Peeters, Johanna Vergouwen, Michaelina Wautier, Isabel de Cisneros, Giovanna Garzoni Artemisia Gentileschi, Judith Leyster, Maria Sibilla Merian, Louise Moillon, Josefa de Ayala, meglio noto come Josefa de Óbidos, Maria van Oosterwijk, Magdalena de Passe, Clara Peeters, Maria Virginia Borghese (figlia del collezionista d’arte Olimpia Aldobrandini), Luisa Roldán conosciuta come La Roldana, Rachel Ruysch, Maria Teresa van Thielen, Anna Maria van Thielen, Françoise-Caterina van Thielen ed Elisabetta Sirani., Come nel periodo rinascimentale, molte donne tra gli artisti barocchi provenivano da famiglie di artisti. Artemisia Gentileschi ne è un esempio. Fu formata da suo padre, Orazio Gentileschi, e lavorò al suo fianco in molte delle sue commissioni. Luisa Roldán si formò nel laboratorio di scultura di suo padre (Pedro Roldán).

  Le artiste in questo periodo iniziarono a cambiare il modo in cui le donne venivano raffigurate nell’arte. Molte delle donne che lavoravano come artisti in epoca barocca non erano in grado di allenarsi da modelli nudi, che erano sempre maschi, ma avevano molta familiarità con il corpo femminile., Donne come Elisabetta Sirani hanno creato immagini di donne come esseri coscienti piuttosto che muse distaccate. Uno dei migliori esempi di questa nuova espressione è nella Giuditta di Artemisia Gentileschi che decapita Oloferne, in cui Giuditta è raffigurata come una donna forte che determina e vendica il proprio destino. Letizia Treves, curatrice della mostra Gentileschi della National Gallery 2020 di Londra, ha commentato: “non si può vedere senza pensare a Tassi che violenta Gentileschi.”Gli elementi del quadro sono” bilanciati con tale abilità che parlano di un pittore che privilegia il virtuosismo alla passione.,”Mentre altri artisti, tra cui Botticelli e la donna più tradizionale, Fede Galizia, raffiguravano la stessa scena con una Giuditta passiva, nel suo romanzo trattamento, la Giuditta di Gentileschi sembra essere un attore capace nel compito a portata di mano. Azione è l’essenza di esso e un altro dipinto da lei di Judith lasciando la scena. La natura morta emerse come un genere importante intorno al 1600, in particolare nei Paesi Bassi. Le donne erano in prima linea in questa tendenza pittorica. Questo genere era particolarmente adatto alle donne, in quanto potevano accedere facilmente ai materiali per la natura morta., Nel Nord, questi professionisti inclusi Clara Peeters, un pittore di banketje o pezzi colazione, e scene di beni di lusso disposti; Maria van Oosterwijk, il pittore di fiori di fama internazionale; e Rachel Ruysch, un pittore di composizioni floreali visivamente carica. In altre regioni, natura morta era meno comune, ma ci sono stati importanti donne artiste nel genere tra cui Giovanna Garzoni, che ha creato arrangiamenti vegetali realistici su pergamena, e Louise Moillon, la cui frutta natura morta dipinti sono stati notati per i loro colori brillanti.,6e0240e”>

  Angelica Kauffman, Literature and Painting, 1782, Kenwood House

  Anne Vallayer-Coster, Attributes of Music, 1770

  Marie-Gabrielle Capet, Self-portrait, 1783

  Ignacy Potocki by Anna Rajecka, 1784

  • Elisabeth Vigee-Le Brun (1755–1842), Self-portrait, c., 1780s, one of many she painted for sale

  • Rosalba Carriera (1675–1757), Self-portrait, 1715

  • Ulrika Pasch, Self portrait, c., 1770

  • Anna Dorothea Therbusch, Self-portrait, 1777

  • Adélaïde Labille-Guiard, Self-portrait with two pupils, Marie-Gabrielle Capet and Marie-Marguerite Carreaux de Rosemond 1785, Metropolitan Museum of Art

  • Marguerite Gérard, First steps, oil on canvas, 45.5 x 55 cm, c., 1788

  gli Artisti di questo periodo si ricordano, Rosalba Carriera, Maria Cosway, Marguerite Gérard, Angelica Kauffman, Adelaide Labille-Guiard, Giulia Lama, Maria Moser, Ulrika Pasqua, Adèle Romani, Anna Dorothea Therbusch, Anne Vallayer-Coster, Elisabeth Vigée-Le Brun, Marie-Guillemine Benoist e Anna Rajecka, noto anche come Madame Gault de Saint-Germain.

  In molti paesi europei, le Accademie erano gli arbitri di stile. Le Accademie erano anche responsabili della formazione degli artisti, dell’esposizione di opere d’arte e, inavvertitamente o meno, della promozione della vendita di opere d’arte., La maggior parte delle Accademie non erano aperte alle donne. In Francia, ad esempio, la potente Accademia di Parigi aveva 450 membri tra il 17 ° secolo e la Rivoluzione francese, e solo quindici erano donne. Di questi, la maggior parte erano figlie o mogli di membri. Alla fine del 18 ° secolo, l’Accademia francese decise di non ammettere alcuna donna. L’apice della pittura durante il periodo era la pittura storica, in particolare composizioni su larga scala con gruppi di figure raffiguranti situazioni storiche o mitiche., In preparazione per creare tali dipinti, gli artisti hanno studiato calchi di sculture antiche e hanno attinto da nudi maschili. Le donne avevano limitato, o nessun accesso a questo apprendimento accademico, e come tale non ci sono dipinti di storia su larga scala esistenti da donne di questo periodo. Alcune donne hanno fatto il loro nome in altri generi come la ritrattistica. Elisabeth Vigee-Lebrun ha usato la sua esperienza nella ritrattistica per creare una scena allegorica, Peace Bringing Back Plenty, che ha classificato come un dipinto di storia e utilizzato come motivo per l’ammissione all’Accademia., Dopo l’esposizione del suo lavoro, è stato richiesto che frequentasse lezioni formali o perdesse la licenza per dipingere. Divenne una favorita di corte e una celebrità, che dipinse oltre quaranta autoritratti, che riuscì a vendere.

  In Inghilterra, due donne, Angelica Kauffman e Mary Moser, furono membri fondatori della Royal Academy of Arts di Londra nel 1768. Kauffmann aiutò Maria Cosway ad entrare nell’Accademia., Anche se Cosway ha continuato a guadagnare il successo come pittore di scene mitologiche, entrambe le donne sono rimaste in una posizione un po ” ambivalente presso la Royal Academy, come dimostra il ritratto di gruppo degli Accademici della Royal Academy di Johan Zoffany ora nella Collezione Reale. In esso, solo gli uomini dell’Accademia sono riuniti in un grande studio d’artista, insieme a modelli maschili nudi. Per motivi di decoro date le modelle nude, le due donne non vengono mostrate come presenti, ma come ritratti sulla parete., L’enfasi nell’arte accademica sullo studio del nudo durante la formazione è rimasta una barriera considerevole per le donne che studiano arte fino al 20 ° secolo, sia in termini di accesso effettivo alle classi che in termini di atteggiamenti familiari e sociali verso le donne della classe media che diventano artiste. Dopo questi tre, nessuna donna divenne membro a pieno titolo dell’Accademia fino a Laura Knight nel 1936, e le donne non furono ammesse alle scuole dell’Accademia fino al 1861. Alla fine del 18 ° secolo, ci furono importanti passi avanti per gli artisti che erano donne., A Parigi, il Salon, la mostra di opere fondata dall’Accademia, divenne aperto ai pittori non accademici nel 1791, consentendo alle donne di mostrare il loro lavoro nella prestigiosa esposizione annuale. Inoltre, le donne sono state più frequentemente accettate come studenti da artisti famosi come Jacques-Louis David e Jean-Baptiste Greuze.