Confrontare i film che hanno vinto il Miglior film agli Academy Awards per coloro che si sono portati a casa la Miglior Sceneggiatura Originale e vedrai che, il più delle volte, l’ultima è la più impressionante lista., A volte si sovrappongono, ma quando non lo fanno — “Pulp Fiction” e “Forrest Gump”, “Talk to Her” e “Chicago”, “Melvin and Howard” e “Gente comune” — sembra quasi una tacita ammissione che l’Accademia sta gettando un osso al film che sarà ricordato più affettuosamente del vincitore finale.

Ha senso, quindi, che un numero qualsiasi di grandi registi sia stato premiato in questa categoria senza mai vincere come Miglior regista o Film: Quentin Tarantino, Sofia Coppola, Spike Jonze., Questi wordsmiths meritano di essere celebrati, e questi sono i migliori — e peggiori — di loro dal 2000.

“Crash” (2005)

Probabilmente non sorprende che il vincitore del miglior film a sorpresa di Paul Haggis occupi l’ultimo posto in questa lista, in quanto tende a ogni volta che vengono fuori discussioni sui vincitori degli Oscar meno meritevoli nella memoria recente. “Brokeback Mountain” era considerato il favorito, con la sua perdita a sorpresa interpretata da molti come un segno che Hollywood era più disposta ad abbracciare un film che condanna il pregiudizio di uno che celebra il romanticismo gay., La croce-taglio narrativo, che si svolge durante uno molto razzista giorno a Los Angeles, è treacly e artificiosa, con quasi tutte le storie che si intrecciano progettato per tirare le corde del cuore, fornendo un pesante messaggio che spesso sfida la logica; “Crash” è ancora efficace su un livello viscerale, nonostante (o a causa) della sua stupidità, tuttavia, e il commesso cast (soprattutto Thandie Newton e Matt Dillon) rende la maggior parte del materiale., —Michael Nordine

“Il Discorso del Re” (2010)

la Tradizione regna in David Seidler il vincitore dell’edizione 2011, che abilmente tratta King George (Colin Firth) e la sua balbuzie afflizione come la roba di grande dramma — e, per George, molto è stato — senza cadere nella parodia o il melodramma., A due curve che richiede un paio di grandi attori per rendere ogni linea di tick by (anche quelli che sono comprensibilmente difficili da uscire), lo script di Seidler — nato in parte da un’ossessione lunga anni con il legame tra il re e logopedista Lionel Logue (Geoffrey Rush)-è sia estremamente divertente e meticolosamente ricercato. È anche il tipo di storia ispiratrice che può essere derisa come formaggio o piacevole per la folla, ma cosa c’è di sbagliato in questo?, Seidler, un ex balbuziente se stesso, ha trovato qualcosa di speciale sia nel desiderio del re di fare meglio e l’uomo che lo ha aiutato a fare proprio questo — una storia classica con alcuni tocchi molto unici che dovrebbero ispirare tutti a parlare, in qualsiasi modo possibile. —Kate Erbland

“Gosford Park” (2001)

“Downton Abbey” creatore Julian Fellowes ha scritto questo Robert Altman ha colpito, e mentre la pila cast (Helen Mirren, Maggie Smith, Kristin Scott Thomas, Ryan Phillippe, etc.,) era abbastanza appariscente da ottenere la maggior parte dell’attenzione, questa sceneggiatura densa e imprevedibile era il modo perfetto per spostare la carriera di Fellowes nella A-list. Strettamente scritto con un intelligente equilibrio di dinamiche al piano di sopra-al piano di sotto, umorismo di alta classe, e grandi colpi di scena, questo mistero omicidio destreggia un vasto insieme e prende in giro un discreto numero di indizi lungo la strada. Il pubblico viene lasciato cadere proprio nel mezzo della tenuta titolare; intrighi e insulti vengono veloci e furiosi., —William Earl

“Midnight in Paris” (2011)

È possibile che a nessuno importava di meno “Midnight in Paris” di vincere come Miglior Sceneggiatura Originale di Woody Allen stesso, che aveva portato a casa il premio due volte prima e mai assiste alla cerimonia, ma è un premio che vale la pena festeggiare. Il film di maggior successo finanziario del prolifico scrittore-regista, “Midnight “è stato anche un ritorno di sorta dopo una siccità lunga anni in cui” Vicky Cristina Barcelona “e” Match Point “erano valori anomali tra artisti del calibro di” Anything Else “e” Cassandra’s Dream”.,”Il film è immediatamente affascinante nel modo in cui il miglior lavoro di Allen è sempre, con Owen Wilson che viaggia indietro nel tempo ogni notte per incontrare luminari come Ernest Hemingway, Pablo Picasso e Salvador Dalí; andare avanti in quei viaggi è sia un viaggio che una delizia. Che si tratti di visitare gli anni ‘ 20 o La Belle Époque, “Midnight in Paris” mostra e mostra la follia della fallacia dell’età dell’oro. Il passato potrebbe non essere così grande come immaginiamo che sia, ma almeno questo film è., – MN

“Little Miss Sunshine” (2006)

Non capita tutti gli anni che arriva un film così originale, con un doppio wallop di umorismo e cuore, che rende le stelle di tutti i soggetti coinvolti. Tale è stato il caso del gioioso “Little Miss Sunshine”, che ha introdotto Abigail Breslin e Paul Dano, ha annunciato Steve Carell come attore serio, ha guadagnato Alan Arkin il suo primo Oscar, e ha lanciato le carriere di Jonathan Dayton e Valerie Faris e lo sceneggiatore Michael Arndt., Dimostrando che non c’è niente che il pubblico ami più di una famiglia disfunzionale in una Volkswagen vintage, ciò che è più impressionante della commedia agrodolce di Arndt è il personaggio dell’attenzione. Non c’è un vero disastro tra il gruppo, in termini di complessità. Ogni membro della famiglia porta le proprie stranezze e il proprio dolore in egual misura; sono così sapientemente disegnati che sembra che tutto ciò che Arndt doveva era incollarli in un furgone insieme e far loro capire il resto. Attraverso le generazioni, Arndt mette in luce la saggezza della giovinezza, la follia della vecchiaia e il malessere della mezza età., Al centro di tutto: desiderio — e un po ‘ di sole. —Jude Dry

“Milk” (2008)

“Juno” (2007)

Il dialogo di Diablo Cody in “Juno” è così nitido e deliziosamente idiosincratico che è uno dei rari film indie che ha avuto il pubblico mainstream che lo ha citato per mesi., Cody ha creato un’eroina indelebile nell’omonimo giovane di Ellen Page, un adolescente motormouthed che nasconde paure e ansie sotto un esterno di sass alternativo e ritorni scattanti. Molto di ciò che rende “Juno” un tale incantatore è il modo in cui il dialogo scorre da personaggio a personaggio. Deve tanto alla peculiarità di Wes Anderson quanto al pentametro giambico di Shakespeare., -Zack Sharf

“Birdman” (2014)

“Birdman” è ben considerato per la sua cinematografia, ma la sua sceneggiatura è anche una specie di storditore nella sua capacità di intrecciare uno studio di carattere in crisi di identità con un takedown satirico dell’ego artistico. Non c’è da stupirsi che ci siano volute quattro persone per scrivere la sceneggiatura; il regista Alejandro G. Iñárritu condivide la sceneggiatura con Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris Jr.e Armando Bo., La sceneggiatura entra sapientemente nella testa del nascente attore di Michael Keaton Riggan Thomson per esaminare quanto fragile debba diventare un uomo per essere preso “sul serio” dai suoi coetanei, dai suoi cari e da se stesso. Ma la ragione per cui lo script ha successo è che spiedini anche quella nozione. Proprio quando pensi che “Birdman” stia per diventare troppo serio, trova un modo per mettere Riggan al suo posto e rendere la sua situazione ridicolmente auto-guidata. È un atto di bilanciamento estremamente rischioso che riesce ad ogni passo del cammino., —ZS

“Django Unchained” (2012)

La “d” può tacere, ma nient’altro nel dramma di vendetta di Quentin Tarantino lo è. Una delle uscite più controverse dell’autore, “Django Unchained” è, secondo diverse metriche, anche il suo maggior successo: ha fatto una strage al botteghino per la somma di $425 milioni in tutto il mondo, ha ricevuto il plauso della critica e ha vinto QT il suo secondo Oscar per la migliore sceneggiatura originale., Che questa rimanga l’unica categoria in cui il paroliere referenziale ha vinto è una testimonianza delle sue capacità di scriba, uno il cui dialogo infinitamente citabile è praticamente diventato un genere a sé; qui Tarantino ci ricorda ancora una volta che, anche se spesso imitato, è ancora da replicare. Il suo uso liberale di quella parola rimane comprensibilmente un rompicapo per alcuni, e Tarantino non è esattamente noto per aver esteso un ramo d’ulivo ai suoi critici., Se questo approccio ha portato ad alcune sviste lungo la strada, tuttavia, lo ha anche aiutato a creare un corpo di lavoro unico nel suo genere in ogni pezzo è notevole quanto l’intero. – MN

“Spotlight” (2015)

La sceneggiatura di “Spotlight” di Tom McCarthy e Josh Singer è una testimonianza di un giornalismo laborioso che rifiuta di glorificare i suoi eroi o trasformare la loro ricerca della verità in un viaggio emotivo sfruttatore o manipolativo., Il film racconta gli sforzi compiuti dai giornalisti investigativi del Boston Globe per scoprire abusi sessuali sistemici su minori nella zona di Boston da parte di numerosi sacerdoti cattolici romani. La sceneggiatura di Singer e McCarthy è costruita passo dopo passo dal processo giornalistico e trova le emozioni crescenti nella ricerca e nella segnalazione nitty gritty. Più i giornalisti scoprono, più diventa avvincente “Spotlight”. Gli sceneggiatori non tengono le mani qui. Mirano a dimostrare il potere della segnalazione faccia a faccia in un’epoca in cui la stampa sta morendo e il digitale domina. Missione compiuta. – ZS

7., ” Almost Famous ” (2000)

Cameron Crowe ha costruito una carriera mettendo sullo schermo la sua vita invidiabilmente affascinante, ma nessuno dei suoi film è stato più personale di “Almost Famous” del 2000.”Romanzando le sue origini come reporter musicale per Rolling Stone, Crowe porta un occhio esperto alla storia della sua giovinezza, senza perdere di vista le proprietà alchemiche dell’idolatria adolescenziale e del primo amore., Baby-faced William Miller (Patrick Fugit) è un narratore facilmente riconoscibile, intelligente e abbastanza dolce che ti chiedi se tutta l’eccitazione vale la sua innocenza perduta. Non c’è uno spettatore dal sangue rosso vivo che non sia stato preso da Penny Lane di Kate Hudson, la definizione stessa di irraggiungibile it-girl cool. Crowe costruisce il mondo del rock and roll degli anni ’70 in modo così preciso e amorevole, è uno di quei film che vorresti vivere dentro per un po’. È impossibile non innamorarsi, e si sospetta che Crowe abbia avuto la stessa esperienza a scriverlo., – JD

“Talk to Her” (2002)

Il miglior film di Pedro Almodóvar è nato dalla sua sceneggiatura più ingegnosa, un pezzo di scrittura tortuoso e tenero che getta un milione di nodi diversi nel lavandino della cucina e li lascia immergere insieme in un melodramma. Annodando due romanzi perpendicolari in un singolare ritratto di solitudine e ossessione, Almodóvar usa ogni sorta di artificio per coinvolgerci in una storia che sarebbe troppo straziante per affrontarla a testa alta., Detto tramite flashback, evidenziato da più coma, e punteggiato da tutto, dai matadors a Pina Bausch a una massiccia vagina di cartapesta, “Talk to Her” ha abbastanza assurdità per riempire un’intera stagione di una soap opera diurna. Eppure, ogni eccentricità della sceneggiatura riorienta il quadro generale, fino a quando non abbiamo così tanta empatia anche per il più pericolosamente infatuato di questi personaggi che non possiamo fare a meno di vedere la bellezza in ciò che li unisce e la tragedia in ciò che li tiene separati., – David Ehrlich

“The Hurt Locker” (2008)

Una delle righe più memorabili di “The Hurt Locker” non viene mai pronunciata ad alta voce: “La guerra è una droga.”Mark Boal ha preso quell’osservazione di Tara McKelvey come epigrafe della sua sceneggiatura, e da essa ha creato ciò che molti altri avevano provato e fallito prima di lui: un film di guerra in Iraq che ha risuonato con il pubblico., Ha anche iniziato una proficua collaborazione con Kathryn Bigelow, con conseguente ancora meglio “Zero Dark Thirty “e” Detroit” di quest’anno; i due sono così in sintonia l’uno con l’altro che ora è difficile immaginare uno che lavora senza l’altro. La visione a livello del terreno del conflitto di Boal si concentra sulle bombe sepolte nel terreno e sulle anime sfortunate incaricate di scavarle, vale a dire William James di Jeremy Renner; nonostante tutta la tensione delle nocche bianche, però, la scena migliore del film si svolge lontano dal campo di battaglia. Dopo essere tornato a casa come civile, James parla al suo giovane figlio dell’amore., ” Più invecchi, meno cose ami davvero”, dice, ” e quando arrivi alla mia età, forse sono solo una o due cose. Con me, penso che sia uno.”Sappiamo di cosa sta parlando, ovviamente, e perché non lascerà mai veramente la guerra., —MN

“Lost in Translation” (2003)

non andare in cerca di Sofia Coppola, vincitore del 2003 per eventuali suggerimenti su cosa quelle infami parole finali sono — Bill Murray appoggiata a dire Scarlett Johansson è un segreto, e un segreto che deve rimanere — come il regista notoriamente disse stelle a improvvisare, alla fine, come hanno visto in forma., La versione scritta-un paio di scambiati “Mi mancherai yous” – era abbastanza bene, ma che Coppola sapeva che era meglio, più ricco, e più reale per lasciare che la coppia capirlo da soli parla a uno scrittore senza paura di lasciare che la sua storia raccontare, bene, la propria storia. Sia Charlotte di Johansson che Bob Harris di Murray (Coppola, sempre pignolo per i dettagli, ha persino azzerato il fatto che Bob Harris è molto uno di quei tipi di “sempre entrambi i nomi”) sono così astutamente disegnati da Coppola, che sembra come se potessero improvvisare qualsiasi cosa e sembrerebbe appropriato., La sceneggiatura di Coppola fa un lavoro simile quando si tratta della prodigiosa commedia del film, attingendo ordinatamente all’imbarazzo di essere letteralmente persi nella traduzione — così come ai traumi quotidiani già divertenti sulla pagina che prendono vita quando vengono messi sullo schermo. – KE

“Her” (2013)

Le parole sono ad un premio speciale in “Her” di Spike Jonze, che deve entrambi girare insieme un intero (brave new) mondo in cui la tecnologia tocca ogni segmento della vita (più di quanto non faccia già, ma non troppo), mentre anche basandosi pesantemente sul potere di molto buona conversazione., Il romanzo eccentrico è ossessionato da loro-dalle parole che Teddy (Joaquin Phoenix) scrive come parte del suo lavoro scrivendo lettere d’amore e biglietti di ringraziamento alle parole che Samantha (Scarlett Johansson) dice così magnificamente che Teddy non può fare a meno di innamorarsi di lei, anche se non è un essere umano. Jonze fa in modo che ognuno conti. Mentre ” Lei ” costruisce quella che sembra essere una storia d’amore stranamente tradizionale-seriamente, non importa che Samantha sia solo un’IA super intelligente,, i problemi lei e Teddy affrontano sono sorprendentemente relatable – la profondità di sentimento e senso di posto di mondo-edificio vero esso un taglio sopra altro cuore-tuggers del suo genere. —KE

“Manchester by the Sea” (2016)

Ciò che viene spesso trascurato quando si parla di “Manchester by the Sea”, uno dei migliori film dello scorso anno e sicuramente il più straziante, è quanto sia dannatamente divertente., La sceneggiatura di Kenneth Lonergan bilancia quasi ogni scena straziante con un momento di leggerezza, la maggior parte dei quali per gentile concessione di Lucas Hedges (due parole: “basement business”); questo si rivela cruciale, poiché il film potrebbe altrimenti essere stato semplicemente troppo triste per la maggior parte delle persone per passare. Ogni lacrima è guadagnata qui, sia che si tratti di risate o (più spesso) dolore, con Lonergan che mostra più e più volte che “Puoi contare su di me” e “Margaret” erano lontani dai trematodi., È aiutato molto dal suo cast, in particolare da Casey Affleck e Michelle Williams, che in una scena devastante danno vita alle sue parole in un modo difficile da sopportare e impossibile da allontanare. Questa descrizione si applica a “Manchester” nel suo complesso. – MN

“Eternal Sunshine of the Spotless Mind” (2004)

Non è un caso che, lavorando insieme, Charlie Kaufman e Michel Gondry abbiano realizzato il film di maggior successo della loro carriera. Mettere insieme due visionari, e sono tenuti a tirare fuori il meglio l’uno nell’altro., È un concetto troppo romantico per Kaufman per averlo concepito da solo, il che spiega il merito della storia condivisa con Gondry e l’artista concettuale francese Pierre Bismuth. Tuttavia, non si può confondere Joel Barish di Jim Carrey con qualcosa di diverso da una creazione di Kaufman, con il suo aspetto da cane da caccia e l’aura sfortunata. Dovremo perdonarlo per aver dato alla luce l’originale pixie dream girl, e inoltre, Clementine ha più chutzpah dei suoi discendenti più stucchevoli. L’imitazione può essere la forma più sincera di adulazione, ma qualcosa è sempre perso nella traduzione., C’è qualcosa di intangibilmente attraente nel romanticismo di alto concetto, che ha mescolato il surrealismo malinconico di Kaufman con il calore stravagante di Gondry. Era un matrimonio perfetto che nessuno dei due artisti ha mai replicato da solo. – JD