Le immagini religiose sono utilizzate in una certa misura da tutte le principali religioni, incluse le fedi indiane e abramitiche, e spesso contengono un’iconografia altamente complessa, che riflette secoli di tradizione accumulata. L’iconografia occidentale secolare in seguito attinse a questi temi.

Iconografia religiosa indianamodiFica

Centrale per l’iconografia e l’agiografia delle religioni indiane sono mudra o gesti con significati specifici., Altre caratteristiche includono l’aureola e l’aureola, che si trovano anche nell’arte cristiana e islamica, e le qualità e gli attributi divini rappresentati da asana e strumenti rituali come il dharmachakra, vajra, chhatra, sauwastika, phurba e danda. L’uso simbolico del colore per indicare gli elementi classici o Mahabhuta e lettere e sillabe bija da scritture alfabetiche sacre sono altre caratteristiche. Sotto l’influenza dell’arte tantra si svilupparono significati esoterici, accessibili solo agli iniziati; questa è una caratteristica particolarmente forte dell’arte tibetana. L’arte delle religioni indiane esp., Indù nelle sue numerose divisioni settoriali è governato da testi sacri chiamati Aagama che descrive il rapporto e la proporzione dell’icona, chiamato taalmaana così come l’umore della figura centrale in un contesto. Per esempio, Narasimha un’incarnazione di Vishnu anche se considerato una divinità irato, ma in pochi contesti è raffigurato in stato d’animo pacificato.,

Anche se raffigurazioni iconiche di, o concentrandosi su, una singola figura sono il tipo dominante di immagine buddista, grande rilievo di pietra o cicli narrativi affresco della vita del Buddha, o racconti delle sue vite precedenti, si trovano in siti importanti come Sarnath, Ajanta, e Borobudor, soprattutto in periodi precedenti. Al contrario, nell’arte indù, le scene narrative sono diventate un po ‘ più comuni negli ultimi secoli, specialmente nei dipinti in miniatura delle vite di Krishna e Rama.,

Christian iconographyEdit

Dopo un primo periodo in cui aniconism era forte, superstite dell’arte paleocristiana iniziato, circa due secoli dopo Cristo, con immagini di piccole dimensioni nelle Catacombe di Roma, che mostra orans figure, i ritratti di Cristo e di alcuni santi, e un numero limitato di “abbreviato rappresentazioni” di episodi biblici, sottolineando la liberazione., Dal periodo costantiniano l’arte monumentale prese in prestito motivi dall’immaginario imperiale romano, dalla religione classica greca e romana e dall’arte popolare – il motivo di Cristo in Maestà deve qualcosa sia ai ritratti imperiali che alle raffigurazioni di Zeus. Nel tardo periodo antico iconografia ha cominciato ad essere standardizzato, e di relazionarsi più da vicino ai testi biblici, anche se molte lacune nella narrazione canonica Vangelo sono stati tappati con la materia dai vangeli apocrifi. Alla fine, la Chiesa sarebbe riuscita a estirpare la maggior parte di questi, ma alcuni rimangono, come il bue e l’asino nella Natività di Cristo.,

Dopo il periodo dell’iconoclastia bizantina, l’innovazione iconografica fu considerata malsana, se non eretica, nella Chiesa orientale, anche se continuò ad un ritmo glaciale. Più che in Occidente, le raffigurazioni tradizionali erano spesso considerate di origine autentica o miracolosa, e il compito dell’artista era quello di copiarle con la minima deviazione possibile., Anche la chiesa orientale non accettò mai l’uso di altorilievi monumentali o di sculture indipendenti, che trovava troppo reminiscenti del paganesimo. Più moderna Ortodossa Orientale, le icone sono molto vicino ai loro predecessori di un migliaio di anni fa, anche se lo sviluppo, e alcuni spostamenti di significato, si sono verificati, per esempio, il vecchio uomo che indossa una felpa, in conversazione con San Giuseppe di solito visto in Ortodossa della Natività sembra aver iniziato come uno dei pastori, o il profeta Isaia, ma è ora di solito inteso come il “Tentatore” (Satana).,

Sia in Oriente che in Occidente, sono stati sviluppati numerosi tipi iconici di Cristo, Maria e santi e altri soggetti; il numero di tipi nominati di icone di Maria, con o senza il Cristo bambino, era particolarmente grande in Oriente, mentre Cristo Pantocratore era molto l’immagine più comune di Cristo. Raffigurazioni particolarmente importanti di Maria includono i tipi Odigetria e Panagia. I modelli tradizionali si sono evoluti per i dipinti narrativi, inclusi grandi cicli che coprono gli eventi della Vita di Cristo, la Vita della Vergine, parti dell’Antico Testamento e, sempre più, le vite dei santi popolari., Soprattutto in Occidente, un sistema di attributi sviluppato per identificare le singole figure di santi da un aspetto standard e oggetti simbolici detenuti da loro; in Oriente erano più propensi a identificati da etichette di testo.,

Dal periodo romanico la scultura sulle chiese divenne sempre più importante nell’arte occidentale, e probabilmente anche a causa della mancanza di modelli bizantini, divenne il luogo di molta innovazione iconografica, insieme al manoscritto miniato, che aveva già preso una direzione decisamente diversa dagli equivalenti bizantini, sotto l’influenza dell’arte insulare e di altri fattori., Gli sviluppi in teologia e la pratica devozionale prodotto innovazioni come il tema della Incoronazione della Vergine e l’Assunzione, entrambi associati con i francescani, come lo erano molti altri sviluppi. La maggior parte dei pittori è rimasto contenuto di copiare e modificare leggermente le opere di altri, ed è chiaro che il clero, da chi o per le cui chiese più arte è stato commissionato, spesso specificato ciò che volevano mostrato in grande dettaglio.,

La teoria della tipologia, per cui il significato della maggior parte degli eventi dell’Antico Testamento era inteso come un “tipo” o pre-figurazione di un evento nella vita di, o aspetto di, Cristo o Maria era spesso riflessa nell’arte, e nel tardo Medioevo arrivò a dominare la scelta delle scene dell’Antico Testamento nell’arte cristiana occidentale.

Mentre nei periodi romanico e gotico la grande maggioranza dell’arte religiosa era intesa a trasmettere messaggi religiosi spesso complessi nel modo più chiaro possibile, con l’arrivo della pittura olandese l’iconografia divenne altamente sofisticata, e in molti casi sembra essere volutamente enigmatica, anche per un contemporaneo ben istruito., I sottili strati di significato scoperti dalla moderna ricerca iconografica in opere di Robert Campin come la Pala d’altare di Mérode, e di Jan van Eyck come la Madonna del Cancelliere Rolin e l’Annunciazione di Washington si trovano in piccoli dettagli di quelle che sono in prima visione rappresentazioni molto convenzionali. Quando la pittura italiana sviluppò un gusto per l’enigma, considerevolmente più tardi, si mostrò più spesso in composizioni profane influenzate dal neoplatonismo rinascimentale.,

Dalla pittura religiosa del xv secolo si liberò gradualmente dall’abitudine di seguire modelli compositivi precedenti, e dal xvi secolo artisti ambiziosi si aspettavano di trovare nuove composizioni per ogni soggetto, e i prestiti diretti da artisti precedenti sono più spesso delle pose di singole figure che di intere composizioni. La Riforma limitò presto la maggior parte della pittura religiosa protestante a scene bibliche concepite sulla falsariga della pittura storica, e dopo alcuni decenni il Concilio Cattolico di Trento frenò in qualche modo la libertà degli artisti cattolici.,

Iconografia occidentale laicamodifica

La pittura secolare divenne molto più comune in Occidente dal Rinascimento, e sviluppò le proprie tradizioni e convenzioni di iconografia, nella pittura storica, che include mitologie, ritratti, scene di genere e persino paesaggi, per non parlare dei media moderni e generi come fotografia, cinema, cartoni politici, fumetti e anime.,

La pittura mitologica rinascimentale stava in teoria rilanciando l’iconografia della sua Antichità classica, ma in pratica temi come Leda e il Cigno si svilupparono su linee in gran parte originali e per scopi diversi. Le iconografie personali, in cui le opere sembrano avere significati significativi individuali e forse accessibili solo dall’artista, risalgono almeno fino a Hieronymous Bosch, ma sono diventate sempre più significative con artisti come Goya, William Blake, Gauguin, Picasso, Frida Kahlo e Joseph Beuys.