da jeg først begyndte at lære om kunsthistorien, husker jeg, at jeg ville forstå en ting frem for alt. Jeg ville vide tidslinjen. Med andre ord, den store historie om en-stil-efterfulgt af-den næste: romantik, impressionisme, Post-Impressionisme, kubisme og så videre.

Jeg havde den fornemmelse, at kunsthistorien var som et relæ-race af kunstnere, der hver passerede stafetten fra den ene til den anden og opbyggede en årsag-og-effekt kæde af historie og udvikling.,ud over at ville vide om ismerne havde jeg også andre spørgsmål: Hvad var ‘barok’ og kom det før eller efter renæssancen? Faktisk, kom til at tænke på det, hvad var renæssancen? Hentydede ‘klassisk’ til klassisk musik eller noget helt andet? Hvad er forskellen mellem ‘moderne kunst’ og ‘moderne kunst’?

det tog mig lidt tid at forstå, at der er både enkle og komplekse svar på disse spørgsmål.

men det første, jeg gjorde for at tilfredsstille min nysgerrighed, var at finde en liste over kunstbevægelser og skrive den ud for at rette den i min hukommelse., Det gik noget som dette:

• Middelalderlige kunst
• Renæssance 1300-1600
• Barok 1600-1730
• Rokoko 1720-1780
• Nyklassicisme 1750-1830
• Romantik 1780-1880
• Impressionisme 1860-1890
• Post-impressionisme 1886-1905
• Ekspressionisme 1905-1930
• Kubisme 1907-1914
• Futurisme 1910-1930
• i Art Deco-1909-1939
• Abstrakte Ekspressionisme 1940’erne
• Moderne kunst 1946 — i dag

Dette er en god liste., (TIP: Hvis du vil have en mere dybdegående version af denne liste, med eksempler på kunstnere og billeder, skal du Do .nloade mine essentielle stilarter i vestlig Kunsthistorie.)

en simpel ramme som denne er uundværlig for at finde dine lejer i begyndelsen. Efter mange års udseende og tænkning om kunst, finder jeg mig stadig tilbage til denne liste.

hvor begynder du faktisk?

sandheden er, at ingen begynder at tænke på kunsthistorien uden først at have stødt på noget kunst i første omgang. Måske var det et Jackson Pollock drop maleri., Måske var det et besøg i det Si .tinske kapel i Rom. Måske nogen gav dig et postkort med en Claude Monet maleri på forsiden.

på en eller anden måde er der et eller andet sted en interesse., Jeg gør dette punkt, fordi vi alle kommer til kunsthistorie fra en slags perspektiv, og det er på dette perspektiv, at vi sandsynligvis vil opbygge vores mentale kort over, hvordan forskellige kunstarter, og i sidste ende individuelle kunstnere, passer sammen. Det er også, hvordan fordomme er i stand til at snige sig ind i vores forståelse, selvom vi ikke mener dem til. Men lad os ikke bekymre os om det for nu…

For mig blev min interesse udløst en dag, da min kunstlærer i skolen i alderen 16 tog mig til side og spurgte mig, om jeg nogensinde havde hørt om en maler kaldet .assily Kandinsky. Det har jeg aldrig haft., Da mine egne malerier i klassen begyndte at bevæge sig mod abstraktion (uden at jeg virkelig havde til hensigt det), troede min kunstlærer, at jeg måske synes Kandinsky var interessant.

Jeg tog hans råd og gik til skolebiblioteket, hvor jeg fandt en bog dedikeret til den russiske kunstner. Jeg havde aldrig set noget helt lignende. Kandinsky var en russisk der tilbragte meget af sit voksne liv i Tyskland, hvor han underviste på Bauhaus School of Art. Som maler krediteres han med at lave nogle af de allerførste rent abstrakte værker i vestlig kunst.,for at dele her har jeg valgt et stykke kaldet Gul-Rød-blå, som Kandinsky malede i 1925.

Da jeg først kiggede på det maleri, jeg især godt lide den store bånd af sort, som ned langs højre side, som en flod eller en vej mellem bakketoppe. Jeg kunne også godt lide den måde, de forskellige nuancer af farve overlapper hinanden, skærer og kombinerer for at danne nye former under. Jeg havde virkelig ingen ID.om, hvad arbejdet ‘betød’. Jeg nød simpelthen at se på eksplosionen af farve og form vises og forsvinder med en mærkelig, teater drama.,

næste skridt

Hvis vi ønskede at placere Kandinsky i tidslinjen for kunstneriske bevægelser som anført ovenfor, så ville han sidde inde i bevægelsen kendt som ekspressionisme (omkring 1905-1930). Ekspressionisme stammer fra Tyskland i begyndelsen af det 20.århundrede, hovedsageligt gennem poesi og maleri. Kunstnere som Kandinsky ansat forvrængede former og stærke farver for at fremkalde stemninger eller bekymringer. For Kandinsky havde kunstens subjektivitet en åndelig kvalitet til det. Farver havde magten til at påvirke dybe følelsesmæssige reaktioner hos seeren., Maleri, skrev han ,” kan udvikle de samme energier som musik.”

så vi kan komfortabelt placere Kandinsky i bevægelsen af ekspressionisme. At gøre dette får os indtil videre, men ved at kategorisere Kandinsky risikerer vi også at skjule nogle vigtige sandheder.

For eksempel det faktum, at han havde sin egen karrierebue, hvor hans arbejde antog forskellige former, da han associerede med forskellige kunstnere i forskellige europæiske byer. Ekspressionisme i sig selv er også et paraplybegreb, der omfatter mange forskellige kunstnere med forskellige stilarter, nogle abstrakte og nogle figurative.,

jeg gør dette punkt for at illustrere det faktum, at kunst er lavet midt i virkelige omstændigheder, og at generaliseringer kun er nyttige indtil et punkt. Derfor er et nyttigt næste skridt for en kunsthistoriker, når man ser på et kunstværk, at begynde at opbygge en følelse af tid og sted, der er specifikt for det pågældende kunstværk og kunstner. Der er alle mulige måder at gøre dette på. For eksempel kan man begynde med at tænke på følgende spørgsmål:

• havde kunstneren venner eller samtidige, der kan have påvirket værkets stil?,
• havde kunstneren en lærer eller kommer fra en tradition?
• skrev kunstneren om deres eget arbejde?
• hvad var materialerne tilgængelige for kunstneren på det tidspunkt?
• var kunstneren en mand eller en kvinde, og kunne svaret have indflydelse på den slags kunst, de måtte skabe?
• kan race eller andre detaljer i kunstnerens identitet spille en rolle?
• blev kunstværket vist offentligt, og i bekræftende fald, hvad var reaktionerne fra de første seere?,

disse spørgsmål er på ingen måde udtømmende, men de peger måske på virkeligheden i enhver kreativ proces: at alle kunstnere arbejder inden for en kontekst med alle de muligheder og begrænsninger, som denne sammenhæng måtte medføre.

historie er fortolkning

Jeg husker for længe siden at have en diskussion med nogen om historiens natur. Jeg kan huske, at jeg sagde, at” Historie stort set er et spørgsmål om fortolkning, “som den anden person svarede noget i retning af,” bestemt ikke. Er ikke historien om fakta om, hvad der faktisk skete?,”

denne ID. — at historien handler om fakta, ikke fortolkning — synes især relevant i kunsthistorien, da kunstværker er der foran os, selvom kunstneren for længst er død. Men i virkeligheden er den måde, vi interagerer og forstår kunst på, stort set et spørgsmål om, hvordan kunsthistoriens fortælling er blevet produceret.

Der er utallige måder at udforske dette på, men jeg vil holde mig til et velkendt eksempel.

Jeg har ingen tvivl om, at du har hørt om renæssancen., Til at beskrive det simpelthen, Renæssancen var en periode, primært centreret omkring Italien, hvor kunst blomstrede under en koncentration af protektion og ansporet af genopdagelsen af tekster fra den antikke verden af Rom og Grækenland, hvis litteratur, læring og politik blev beundret som en alder af høj præstation.

renæssancens æra omfattede nogle af historiens mest berømte kunstnere, herunder Leonardo da Vinci, Raphael og Michelangelo., En af de vigtigste kilder til historiske detaljer om kunstnere fra denne tid kommer fra en bog kaldet lives of the Artists, en række kunstnerbiografier skrevet af en italiensk maler og arkitekt fra det 16.århundrede ved navn Giorgio Vasari.

bogen anses generelt for at være den første undersøgelse af kunsthistorie., Det er utroligt detaljeret og forbliver nyttigt selv i dag for kunsthistorikere, der ønsker at forstå udviklingen af vestlig kunst.

problemet med denne bog er, at Vasari var skriver fra en meget partiske position, da han blev først og fremmest interesseret i at advokere Firenze og Rom, som selve centrene i artistic excellence, med næppe nogen reference til den kunst, der blev foretaget uden for Italien.,

Vasari brugte en tredelt struktur i bogen, en ramme, der omtrent svarer til det 14., 15. og 16. århundrede, for at beskrive, hvordan kunstnere i disse tre perioder gradvist genopdagede standarderne for de græske og Romerske gamle. Michelangelo behandles som det ultimative udtryk for fornyelsen, en kunstner, der “sejrede over gamle kunstnere, moderne kunstnere, og endda naturen selv.”

Vasaris historiske design tegner således en korrespondance mellem tidens gang og den stadigt stigende kunstneriske præstation af italienske kunstnere., Den fremadrettede march af fremskridt har en bestemt retning, fordi Vasari identificerer en model for sin perfektion.

i dag står renæssancen som en af hjørnestenene i kunsten, som J.. J. Bou .sma beskriver som “den traditionelle dramatiske organisation af vestlig historie.”I denne organisation er renæssancen et historisk vendepunkt, der bringer middelalderen til ende og indleder den moderne æra. Det er ” det indledende kapitel i historien, der fører ned til vores egen tid.,”

med andre ord var effekten af Vasari ‘ s skrivning om sine landsmænd at bidrage til at fremme den italienske renæssance til den forhøjede position af høj præstation i hele kunsthistorien.

konklusioner

jeg beskrev i begyndelsen af denne artikel i min forstand, at kunsthistorie var som et relæ-race af kunstnere, der hver passerede kreativitetsstafetten fra den ene til den anden. Som diskussionen om renæssancen forhåbentlig illustrerer, er det Vasari, som jeg i sidste ende må takke for mit relæ-race billede af kunsthistorien.

men handler kunst altid om fremskridt?,

ideen om fremskridt er meget tiltalende for historikere, fordi den giver en simpel lineær fortællingsramme, historiens bevægelse mod et idealiseret højdepunkt.

det største problem med denne måde at se på Kunsthistorie er, at den har en tendens til at være eksklusiv, idet den tager det snævre synspunkt, at vestlig kunst er kunsthistoriens hovedhistorie. Hvor for eksempel kunne buddhistisk kunst passe ind i stafetten? Hvad med Islamisk Kunst, tyrkisk kunst, japansk kunst eller kunsten i Vestafrika?,sandheden er, at mange former for kunst rundt om i verden har udviklet sig uafhængigt af hinanden eller med en vis minimal overlapning. Vasari var en italiener, der bor i Firen .e, og som sådan var interesseret i, hvordan den vidunderlige kunst omkring ham blev lavet. Det er forståeligt.

hvad vi dog skal gøre er at huske, at al Kunsthistorie er vippet med en bias mod fortælleren. Det er det, der gør det som et interessant emne at lære om. Og hvorfor, uanset hvor vi ser, er der altid mere at forstå om kunsthistorien.